Thursday, February 17, 2011

Entrevista: Jorge Michel Grau, Somos lo que Hay

Después de un recorrido por el circuito internacional de cine, Somos lo que Hay (IFC Films), ópera prima de Jorge Michel Grau se estrena en Estados Unidos. La cinta de caníbales mexicanos que luchan por la sobrevivencia, después que su padre y proovedor del alimento ha fallecido,  sigue ganando adeptos y no por nada formó parte de nuestro Top 5 2010 del cine mexicano. Mientras Michel Grau estuvo en Nueva York presentando la cinta durante el New York Film Festival hace unos meses, pudimos hablar con él sobre su ópera prima, el cine de los años 70 y que piensa del público de nuestra caótica ciudad en la siguiente entrevista...

Christian Del Moral: Desde las primeras imágenes de Somos los que Hay, me recordó ese cine mexicano de los años 70... 

Jorge Michel Grau: Sí claro, por supuesto...

CD: ¿Esa fue tu mayor influencia dentro de esta película?

JMG: Afortunadamente lo viste, hay muchas referencias en la película al cine de los 70, sin duda alguna. Mi padre tenía un videoclub, era su negocio cuando yo era niño y cuando entran las grandes cadenas de videoclubs, el negocio fracasó. Lo que hizo mi papá fue guardar todas las películas en mi sala y crecí viendo cine de los 70. Sin embargo, creo que ahora hacemos muy buen cine, pero el cine de los 70 en México es ícono para nosotros; es muy importante en el desarrollo del lenguaje y en el acercamiento a los personajes. Y Ripstein con El Castillo de la Pureza (1973) y Los Albañiles (1976) de Jorge Fons, son películas que me marcaron y que me hicieron cineasta digamos. Entonces evidentemente a la hora de filmar, las referencias salen casi en automático.

CD: Me pareció excelente, y me imagino que a mucha gente que no le ha gustado no tiene estas referencias o la noción de este cine, sobre las historias obscuras que incomodan y la desintegración familiar...

JMG: Diste en el clavo, es eso...


CD: En una entrevista dices que te sientes muy cómodo dentro de la violencia (como eje narrativa) y cuando estuve en la proyección pensé que mucha gente se saldría y no fue así. No fue tan violenta como muchos esperaban, ¿como lograste ese balance? 

JMG: Yo crecí en esa barrio y ahí vive toda mi familia actualmente, a eso me refería (en la entrevista)...

CD: ¿Dónde es eso?  

JMG: Es la CTM Culhuacán, al sur de la Ciudad de la Ciudad de México (Delegación Coyoacán). Y a eso me refería para decir que estaba cómodo, yo crecí ahí y la violencia era de todos los días, sobrevivir en la calle como uno podía. Cuando escribí el guión de la desintegración y esta pena y pulso que me gusta de la violencia me arriesgué sin ninguna pretensión digamos. No tenía la pretensión de que el público se quedará a verla, pero ni tampoco de correrlo, más bien no me preocupé por eso. Intenté plantear la historia bajo mis pocas herramientas como cineasta emergente y pues es mi primera película y exploración, así que no me limité y decidí que el cine que me gusta es ese de los 70, con esas referencias y eso era lo que haría porque me sentía seguro. Si a la gente le gustaba, la película iba a ser fantástico, y si no pues no habría funcionado.

CD: ¿Te ha sorprendido que ha tenido más resonancia en el extranjero, que dentro de la crítica en México?

JMG: De hecho el último país donde encontramos distribuidor fue en México... toda Europa la compró y había 17 países por estrenar, en Estados Unidos através de IFC Films y en México nadie se interesaba por la película hasta que hablamos con la gente de Canana, quienes la distribuirán...

CD: Había leído que algunos distribuidores decían no era apta para el público mexicano... 

JMG: ¡Exactamente! La gran mayoría de los distribuidores nos decían 'esta película no va a funcionar', 'esta película no le va a gustar a los mexicanos', con un desdén hacia el cine mexicano triste.


CD: ¿Cómo fue el trabajo con los actores? ¿Hubo ensayos, qué tal fue?

JMG: Lo que hicieron fue un ensayo de mesa, más bien una lectura de guión y analizamos a los personajes y donde querían que llegaran. Lo único que ensayamos fueron evidentemente las peleas y cuando (el personaje de) Paulina (Gaitán) les dice: "mi papá falleció". Eso fue lo único que ensayamos y todo lo demás fue análisis de mesa. También hicimos ejercicios de campo, por decirlo de alguna manera, nos fuimos a morgues, fuimos a ver autopsias, a rastros de animales para ver como mataban a las reces y como las cargaban y destazaban para que se familiarizan con los instrumentos. Al final les pedí a los actores, la última semana antes de filmar, que se aislaran del mundo, que desconectaran su celular, se encerraran en sus casas, que no hablaran por teléfono con absolutamente nadie más que conmigo. Este ejercicio de aislamiento terminó cuando comenzó la filmación.

CD: El canalismo es solo un pretexto para hablar de múltiples temas, el role de la mujer en la familia, la orientación sexual, la corrupción política y de menores, ¿de dónde surge esta idea de cine social con el toque de cine fantástico?

JMG: Yo creía al principio que la mejor manera de poner la metáfora de la película en la película era obviarla. La metáfora que quiero manejar o que intento, es que el único depredador del ser humano es el ser humano mismo. Y que mejor metáfora que fueran caníbales, osea que se comieran a la gente y también el canibalismo como metáfora me daba muchas posibilidades que era el abuso de la minoría. Por ejemplo siempre hay un constante abuso al menor, al indefenso, en este caso la familia ataca a los niños de la calle o las prostitutas, pero los mismos polícias se atacan entre ellos y un policía con más jerarquía, agrede a su compañero. Y con todo este ejercicio social de corrupción policíaca, de las prostitutas regalando una niña con tal de que asesinen a alguien, que eso sudece en la vida real en México, eso es canibalismo entonces por eso me fui por esa vena o carril y todo iba embonando bien como en orden y al final somos caníbales.

CD: Se estrenó en Guadalajara casi hace un año, y me preguntó si lees las críticas de tu película. ¿Cómo creador qué opinas? 

JMG: No sé de pronto hay críticas… en Guadalajara nos fue muy mal, las críticas locales hicieron pedazos a la película y no me molestaba pero como me desilusionaba un poco es que el crítico, el bloguero o el periodista no encontraban ningun valor en la película; entiendo perfectamente que no les gustó la combinación de géneros y lo acepto porque ese era el riesgo que estábamos corriendo pero personalmente creo que la foto era sensacional y nadie lo percibió... lo dejaron pasar, hasta hubo críticos que se burlaban de la película y hacían chistes como un escarnio, se me hizo una postura desmedida y pedantes de ellos, sin embargo, cuando la película regresa al Distrito Federal a Distrital la reacción del público y la crítica es completamente la opuesta…

CD: ¿O cuándo te invitaron a Cannes?

JMG: También sucede eso, regreso de Cannes y la gente la ve con otros ojos. Bueno al final, la película se ha ido labrando su propio camino y va a ancontrar su nice donde la gente la busque y le guste.

CD: Y ahora estás en Nueva York promocionado la película...

JMG: De hecho mi intención era terminar mi siguiente guión pero este tipo de festivales lo que me permite es la posibilidad de financiar mi próximo proyecto... este es mi último festival internacional para estar con la peli. Tengo guión casi terminado, muy cerca y veremos si podemos encontrar financiamiento en los dos próximos meses para comenzar a filmarlo en marzo.

CD: ¿Y sigues en esta misma línea? 

JMG: Sí es muy parecida, con un comentario social mucho más obvio y también tiene unos toques de violencia fuertes.

CD: ¿Y qué tal te fue anoche con el público neoyorquino?

JMG: Me encantó ver la sala, y además es mi primera vez en Nueva York así que me estoy comiendo todo y si alguien hubiera hecho la película me hubiera encantado porque todo es novedad, todo bueno. Hasta donde pude ver, la gente reaccionó muy bien y eso me tranquilizaba, bueno no es cualquier festival, digo es uno de los festivales más importantes del mundo con un público muy exigente que puede perfectamente puede botar la película. Pero ahí estaban y hubo una buena sesión de preguntas y respuestas.
Somos lo que Hay se estrena mañana en IFC Center (323 Sixth Avenue at West Third Street)

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Friday, February 11, 2011

Estreno: Carancho


La seleccionada por Argentina a la fiesta de los Oscar y que no pudo concretar su pase a la semifinal, llega hoy a Estados Unidos, es decir a Nueva York y Los Angeles. Caracho (2010) de Pablo Trapero, tenía todo para ser considerada; sin embargo la competencia que tenía enfrente no eran ni Biutiful, También la Lluvia o Dogtooth (solo por mencionar algunas), sino con la ganadora del año pasado: El Secreto de sus Ojos. A mi parecer ese fue el gran obstáculo y tampoco ayuda en nada que ambas llevan a Ricardo Darín, como protagonista interpretando a un abogado irresistible, que existe una historia de amor, dentro de un mar de corrupción obscura y fechorías al margen de la ley. Aún así con estas similitudes y con todos los atributos de la última obra de Juan José Campanella, queda un tanto corta y aquí va el porque...

Según vemos desde el comienzo, unas 8 mil personas personas mueren al año en Argentina a consecuencia de los accidentes automovilísticos y como nuestro capitalismo lo marca, detrás de una tragedia, siempre existe una industria. Y así está Sosa (Darín), un abogado seductor sin licencia, quien vive de los fraudes generados a las aseguradoras y a los individuos que se involucran en percances automovilísticos de manera voluntaria para obtener algo de la ganancia. Se le ve buscando posibles clientes o víctimas en los lugares menos pensados, Sosa es tan solo un pequeño enlace de una industria corrupta, que involucra a jueces, matones, abogados y doctores. Lujan (Martina Gusman) es una joven doctora con múltiples responsabilidades en un hospital de las afueras de la capital, desde la guardia nocturna, a la sala de emergencias y hasta jefa de ambulancias. Su clara inocencia ante la vida y la profesión, ya que viene de provincia, pronto es transtornada por los hechos repetitivos que acontecen en su lugar de trabajo. 

En uno de esos viajes conoce a Sosa (a manera simbólica representa a un carancho, una ave de rapiña) y entablan una relación sentimental que será más compleja de lo que ella espera. La historia de amor puede que no sea la preferida por muchos, pero funciona bastante bien dentro de la ya de por sí trágica historia; la refuerza y nunca se siente de más. La química entre ambos es perfecta, Darín ya saben está en Darín, pero es Gusman quien se lleva la cinta a golpe. Si con Leonera entró a las grandes ligas internacionales, con Carancho refrenda su lugar y la coloca como una de las actrices argentinas más importantes. Aquí su trabajo actoral no requiere una transformación seria para justificar su personaje, lo logra sin el mayor cambio. La naturalidad con la que trabaja es fenomenal, sin embargo la cuestión ahora es ¿podrá Martina Gusman ponerse bajo las ordenes de otro director que no sea su marido


Y ahora que hablamos de su media naranja y para retomar la cuestión de El Secreto de sus Ojos, podemos concluir que mientras Campanella dice más de lo que realmente muestra con su obra, Trapero no tiene empacho en exhibir; arriesga desde el comienzo. Quizás lo que eleva al thriller, es su carácter social (que ya había puesto de manifiesto en Leonera), y esa violencia inesperada, cruda y real para deleite o terror del espectador. Con Caracho, Trapero explora otro tipo de cine que nada tiene que ver con el somnífero Nacido y Criado (2006), quizás sea un cambio de rumbo en su carrera que lejos de preocupar, es una buena señal.
¿Escribí que tiene 20 minutos de menos que El Secreto de sus Ojos?
Carancho se estreno hoy en Angelika Film Center (18 West Houston St., esquina Mercer St.) y en Los Angeles, California.

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Thursday, February 10, 2011

Reseña: El Cielo Gira

La memoria colectiva e individual de los que se fueron y se quedaron en un pueblito semi-fantasma de España, lo es todo para El Cielo Gira (The Sky Turns, 2004), un majestuoso documental de Mercedes Alvarez, que va más allá de la contemplación pura. Luego de varios años de espera y con la resurección hace un año de su distribuidora New Yorker Films, esta ópera prima se exhibe a partir del viernes 11 como debe ser y en el lugar perfecto: Anthology Film Archive. Después de 30 años de no visitar su lugar de origen —Alvarez fue la última habitante que nació allí (Aldealseñor, Soria)—, regresa para descubrir la historia de este encantador pueblito que a simple vista pudiera parecer de lo más aburrido.

La historia comienza cuando Alvarez realiza una visita al pintor Pello Azketa y al apreciar uno de sus cuadros, en el que dos niños al borde de un pantano son testigos de algo histórico; quizás algo está por desaparecer ante sus ojos o hay algo comienza a nacer (que sirve de póster para la cinta, ver columna a la derecha), recibe tal vez el impulso inspiracional que espera. 10 años más tarde, con cámara en mano, decide retratar a los últimos 14 habitantes de su pueblo natal y arrancarles cuatro palabras. La cineasta española no solo logra eso, sino más.

A lo largo de un año y con el cambio de las estaciones (no me sorprendería que Mike Leigh encontró su inspiración para Another Year aquí) Alvarez logra un film personal, íntimo, a veces histórico y con una subjetividad divina; después de todo a nadie parece importante este lugar con aires medievales con ruinas antiguas y con vestigios que de datan desde los dinosaurios. Las anécdotas históricas de lo que fue el pueblo, la época de Franco y de la cotidianidad de la vida, son primordiales y alcanzan niveles poéticos y hasta filosóficos. A través de ellos, sabemos que no hay quien les lleve fruta; el cartero pasa un par de días a la semana y el panadero hace lo mismo, pero si nadie sale a recibirlo se va sin decir nada. Los políticos, vía los empleados o voluntarios, hacen campaña solo para despertar a los gatos y perros, sin ofrecer nada a los posibles votantes.

Alvarez está ausente de la cámara y se agradece, pero su voz, acompaña al espectador en algunos momentos; informa y comparte, a veces explora y reflexiona ante lo que está aconteciendo. Muchos pensarían que la intención de Alvarez es contemplar la extinción de su pueblo, de una cultura que se resiste a morir, pero con su ópera prima y en lo que tristemente parece su único film, logra darle vida a ese pueblo fantasma.

Al igual que los niños en la pintura que están presenciando algo sin saber qué es, la cineasta española da cuenta de los cambios que están aconteciendo en el pueblo. Un castillo medieval que ha estado desde siempre y abandonado, ahora será un hotel exclusivo; la migración árabe ha llegado y los turistas se asoman a descubrir un lugar enigmático. El Cielo Gira logra preservar la memoria de todos los involucrados y de los que están por venir; el panorama inerte que ofrece Aldealseñor adquiere una dimensión extraordinaria con este filme. Quizás siempre ha estado ahí, y nadie había repado en ello. 

El Cielo Gira se exhibe en Anthology Film Archive (32 Second Avenue/2nd St.) del 11 al 18 de febrero. 

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