Wednesday, March 30, 2011

ND/NF 2011 | Copacabana | Marc Fitoussi


Después de su explosiva y sublime interpretación en White Material (Claire Denis, 2010), Isabelle Huppert demuestra su lado salvaje y cómico en Copacabana, segundo filme del realizador francés  Marc Fitoussi. Filmes sobre la relación madre e hija siempre han existido, en los diferentes géneros y narrativas posibles, pero el encanto de Copacabana radica en los tiempos que vivimos (recesión, falta de empleo y dinero, soledad) y en el increíble talento de la diva francesa y su hija Lolita Chammah (¡en la vida real!).

La protagonista en el centro de la acción es Babou (Huppert), una atractiva madre soltera, ya entrada en años que lo mismo es el alma de la fiesta, irresponsable, encantadora y sin entrada económica. Su hija, es lo opuesto de ella en cada departamento y en ocasiones siente una terrible verguenza por su presencia. Babou depende de su ella económicamente, viven juntas y su relación es un caos. Situada en un pequeño poblado francés y con la crisis económica que aqueja a todos, Babou debe encontrar un trabajo. Su hija, cuya situación no es perfecta tampoco (es mesera), tiene planes para casarse, dejar a su madre y no desea que conozca a los padres de su novio.

Ante esa situación Babou acepta trabajar en otra ciudad, sin tanta chispa, vendiendo tiempos compartidos con turistas. Su llegada inmediatamente captura la atención de los locales, su energía y disposición la hacen ascender de manera inmediata en el de por sí terrible trabajo. Así como piensa en la bohemia, en su hija y en lo terrible que será no estar presente en su boda, Babou mantiene a Brasil y todo lo que viene de allá con un gran interés. Cuando un grupo de samba arriva al casino y trás una decepción laboral, Babou cree que ha llegado su momento.

Fitoussi no pudo haber encontrado a mejor dupla de actrices que esta madre e hija, quienes elevan el material a nivel especial; el guión no necesita ayuda, su estructura es bastante aceptable. Como vemos el director no falla en el desarrollo de sus personajes principales, incluso los secundarios muestran fuerza y presencia. Sin embargo, su prematuro final y para darle una conclusión de acuerdo a las expectativas de Babou, puede que sea inconsistente para algunos pero quizás ya sea demasiado tarde pues estamos ante los encantos de la diva francesa Isabelle Huppert.
New Directors/New Films
Copacabana
30 de marzo, 6:00 (FSLC)
31/03, 9:00 (MoMA)
Se exhibe con Bukowski (Daan Bakker, 2010) 10 min.
Tickets: aquí

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Sunday, March 27, 2011

ND/NF 2011 | El Velador | Natalia Almada


Después de la bien recibida Al Otro Lado, —en donde el joven creador de corridos Magdiel, tiene que elegir entre emigrar de manera ilegal a Estados Unidos o engrosar la lista de personas que trabajan en el narcotráfico— y de la ganadora en Sundance, El General, Natalia Almada regresa a Sinaloa,  México, con quizás su documental más íntimo hasta ahora.
   
En El Velador, tercera producción en lo que bien podría ser un cierre de una buena trilogía personal acerca de México y las múltiples lecturas que se puedan dar sobre su trabajo, Almada se centra en un hombre que cuida de noche el cementerio privado El Jardín, en Culiacán (la capital del estado de Sinaloa y lugar de procedeciencia de muchos capos de la droga). Aquí llegan los restos de aquellos jóvenes que ingresaron la lista del narco, abatidos por el ejército o por otros cárteles. Para muchos su última morada, va más allá de un tradicional mausoleo; aquí parecen casas y catedrales. Ante todo la suntuosiad y riqueza, quedan establecidas para la gran mayoría y claro hay un pequeño espacio modesto para los menos afortunados.

A través de su mirada un tanto cautelosa, El Velador nos muestra las contradicciones del narcotráfico, aquellos que decidieron no engrosar sus filas, las víctimas y de quienes cuidan de ellos. Nos enteramos que de noche no se puede caminar dentro de lo que podría ser una barrio residencial colorido porque hay balaceras, que el Jefe de Jefes ha muerto y Los Tigres del Norte cancelaron su concierto: Culiacán se ha convertido en zona de guerra.

Al igual que Eugenio Polgovsky y su documental Los Herederos, Almada opta por la observación, su estética es cuidadosa y con múltiples detalles. Su intervención es nula, la mirada silenciosa que ofrece el velador dice mucho más sobre el narcotráfico que cualquier reporte sensacionalista en los medios de comunicación. 
New Directors/New Films
El Velador
27 de marzo, 7:00 pm (MoMA)
29/03, 8:30 pm (FSLC)
Tickets: aquí

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Friday, March 25, 2011

Reseña: I Travel Because I Have To, I Come Back Because I Love You

En los últimos meses, la forma en que se reseña el cine ha cambiado. Para bien o mal, es una realidad. Ante la intención de ser el primero con la reseña, la crítica negativa, las posibilidades de Oscar, o lanzar el primer tweet sobre determinada cinta, puede ser la vida o muerte para la misma. Muchas cintas se beneficiaron y otras fueron marginadas, según nuestros gustos, de esa práctica. Digo lo siguiente, porque si hubiera escrito algo sobre la cinta de Marcelo Gomes & Karim Aïnouz, I Travel Because I Have To, I Come Back Because I Love You (Brasil, 2009), sería completamente diferente a lo que viene a continuación.

A la hora de cubrir Premier Brazil en el MoMA, vi la colaboración entre Gomes y Aïnouz [Madame Satã (2002) & Love for Sale (2006)] y no fue amor a la primera vista. Pero sabía que antes de emitir una opinión necesitaba verla de nuevo, y para mi sorpresa después de ocho meses, hoy se estrena en Anthology Film Archives de Nueva York. Así que ya no existen los pretextos.

Al igual que sus personajes principales en Love for Sale (Hermila) y Madame Satã, el abandono es parte central de este ensayo cinematográfico de carretera, que va de lo experimental a lo documental y al video casero, de una forma orgánica e íntima que funciona a la perfeccción. En I Travel Because I Have To, I Come Back Because I Love You, José Renato (voz de Irandhir Santos) es un geólogo que ha sido asignado para hacer unos trabajos de campo en la parte Noroeste de Brasil. Nuestro narrador de viaje es él, al que nunca vemos de frente, quizás solo dejar ver un poco de su sombra y nada más.


Desde las primeras imágenes, José se muestra emocionado al hablar de su esposa y de la casa que tienen, de las actividades que realizan y sobre el futuro. Solo espera terminar este viaje para estar con ella. A medida que nos adentramos en su trayecto, a una zona inaccesible, árida, olvidada y sin habitantes, también somos testigos de la verdadera razón del viejo. Su emocionante y alegre narración, ahora suena melancólica, sus imágenes están fuera de foco. Ante la pérdida, José viaja y deja entre ver su vulnerabilidad, se contesta cartas que no fueron respondidas. Entre carreteras, su música favorita y con el acompañamiento de prostitutas, puede que encuentre momentos para olvidar o superar lo que le aqueja.

ITBIHTICBBILY es como un blog cinematográfico que detalla a un hombre que sufre por desamor, un extravío del corazón poderoso que está lejos de un video multimedia; sin duda será una referencia para futuros trabajos que decidan seguir este estilo. Así como vemos a José encontrar un camino diferente al que se planteó. Una imagen de la Quebrada en Acapulco, y la voz de Eugenia interpretando "Echame a mí la Culpa", que sirve de inspiración para unos diálogos, dan cuenta del reacomódo en su vida, mientras que para otros es un amor a segunda vista. 
 Se exhibe a partir de hoy y hasta el 31 de marzo en Anthology Film Archives (Segunda Ave. con Calle 2, East Village).

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Thursday, March 24, 2011

ND/NF 2011 | Cairo 6,7,8 | Mohamed Diab


De cuando un filme deja de ser relevante o adquiere cierta trascendencia, gracias a un evento social o político, simpre será una intriga. Sin menospreciar sus méritos, en esa categoría estaría Cairo 6, 7, 8, ópera prima del egipcio Mohamed Diab, que logra ejemplicar de manera muy particular el hartazgo de la sociedad y de la necesidad de un cambio en Egipto. Sin tener presente la revolución en ese país —que capturó la atención y la fascinación de los estadounidenses y de varias partes del mundo por semanas—, y el trágico asalto que vivió Lara Logan, reportera de CBS, Cairo 6, 7, 8 tendría un camino más difícil.

La historia de Diab, es simple, interconectada y va al punto. Cansadas de vivir el constante acoso sexual, tres mujeres de diferentes estratos sociales, de religión, estado civil y educativo, deciden hacer algo ante la falta de justicia. Mientras el país no está preparado para afrontar el problema, cualquier mujer está expuesta a esta epidemia presente en los estadios de fútbol, autobús y en las calles. La cuestión como lo vemos en los tres diferentes casos, no solo es el acoso, sino las secuelas de lo que representa a nivel social y familiar. El miedo y rechazo, está presente pero cada una de ellas, en sus propios términos  y capacidades, lo enfrentan con el ser querido, en el autobús y finalmente en la corte.

Quizás para evitar la censura de su país, Diad optó por un tono más ligero en la historia —que a veces entra en terrenos cómicos o exagerados— y se entiende.  Asimismo demuestra un claro compromiso con sus personajes, tal vez en demasía ya que el equilibrio de la misma, carece de contraparte y eso es un problema dentro del cine social. Sin embargo, Diad se sale con la suya y su representación del mundo masculino es casi perfecta que no necesita abundar en ella. Eso no significa que Cairo 6,7,8 esté concebida para ser vista solo en el canal de cable para mujeres, los comentarios respecto a esto no faltarán, pero ante los hechos de los últimos meses el filme logra poner en perpectiva e ilustrar el por que del levantamiento en contra de su gobierno, era inevitable.
New Directors/New Films
Cairo 6, 7, 8,
26 de marzo, 3:30 pm (MoMA)
28/03, 9:00 pm (FSLC)
Tickets: aquí 

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Wednesday, March 23, 2011

ND/NF 2011 | Memory Lane | Mikhaël Hers


Ha llegado el verano a uno de los suburbios franceses y con ello, siete amigos se reencuentran. Así los vemos ir de paseo, hacer sandwiches, ver el atardecer, tomar, hacer fiestas, escuchar música, visitar a sus familiares, hacer gestos monos y hablar de cuando eran pequeños. La vida en los suburbios como sabemos, en cualquier parte del mundo, es aburrida y Memory Lane (Francia, 2010), nos vuelve a reiterar esa noción. La ópera prima de Mikhaël Hers, retoma la idea del movimiento estadounidense mumblecore y la afrancesa. Las líneas narrativas carecen de interés alguno, como para invertir algo en cierto personaje. A diferencia de sus precursoras en Estados Unidos, visualmente es menos sosa pero igual de intrascendente.
New Directors/New Films
Memory Lane
25 de marzo, 8:30 pm (FSLC)
27/-03, 1:30 pm (MoMA)

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Tuesday, March 22, 2011

ND/NF 2011 | Incendies | Denis Villeneuve


Si ustedes pensaron que Javier Bardem sufrió todo un infierno en Biutiful, esperen a ver la tragedia épica que atreviesa la protagonista de Incendies, compañera de la cinta de Alejandro González Iñárritu en la carrera por el Oscar a la Mejor Película Extranjera. Claro, ambas perdieron pero el trabajo de los actores principales es para admirarse. Lo único que sabía antes de ver Incendies, era que se trata de un drama sobre el Medio Oriente interconectada con Canadá y que estaba nominada. ¿Suena como algo ya ha hecho por Iñárritu y Fatih Akin, entre otros, no? El filme, una coproducción entre Francia y Canadá, sigue ese estilo narrativo y de género: un melodrama que si bien es efectivo y con un tono consistente, no logra alejarse de los vicios que aquejan a ese apartado cinematográfico.

Nawal, interpretada por la extraordinaria Lubna Azabal (Paradise Now), ha fallecido en el país que le dio la bienvenida: Canadá. En la lectura del testamento, sus hijos están presentes, Jeanne (Melissa Desormeaux-Poulin) y Simon (Maxim Gaudette), gemelos ellos. Uno de sus requisitos, es que sea enterrada de una manera bastante irreverente, a menos que cumplan una promesa de entregar dos cartas: una al padre que ellos pensaban muerto y la otra para un hermano del que no sabían de su existencia. Una vez logren entregar lo prometido, ella podrá tener un sepelio digno y descansar en paz.  A pesar de no tener mucha información y sin miedo de viajar a una tierra desconocida, la hija muestra interés en llevar a cabo los deseos de su madre, mientras Simon desiste de tal locura.

Así Jeanne se prepara para un viaje a un continente lejano, para conocer quien realmente fue su madre, su familia y su origen. A la par de su descubrimiento, vemos a Nawal en retrospectiva y el conflicto étnico y religioso por el que pasó su país durante la década de los 70. La historia carece de un lugar determinado donde acontece, nunca se menciona o bien es fícticio, pero se asume sucedió en Líbano y bien podría estar pasando ahora mismo en cualquier país en el Medio Oriente. Decir más, es revelar el buen melodrama que armó Denis Villeneuve, quien logra elevar una obra de teatro —la base de Incendies— a su propio lenguaje cinematográfico. André Turpin, encargado de la fotografía, ofrece unas imágenes casi perfectas y perturbadoras. A medida que avanza el infierno de Nawal, la historia se torna cada vez densa, compleja y es difícil darle la espalda. El gran clímax narrativo que ha preparado Villeneuve, puede que sea de impacto pero está rodeado de un convencionalismo e imágenes obvias que han marcado la cinta casi desde su comienzo.
New Directors/New Films
Incendies
25 de marzo, 6:00 pm (MoMA)
27/03, 8:30 pm (FSLC)
Tickets aquí

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Saturday, March 19, 2011

New Directors/New Films 2011: Programa Oficial

Ya habíamos comentado por aquí, algunos de los filmes que se estarán presentando en New Directors/New Films a partir del miércoles 23 y hasta el 3 de abril. Ahora aquí va el programa completo, es decir los títulos de los 28 largometrajes y siete cortos que sin duda, representan una diversidad absoluta. Sin embargo, Canadá tiene una representación bastante sólida con Incendies, nominada al Oscar y otras producciones. Lo mismo podemos de decir, como costumbre de Francia y Estados Unidos, pero las sorpresas creo que saldrán de Egipto, Irán, Suecia, y Australia. Ya daremos cuenta de lo visto, pero antes para aquellos que decidan ir, aquí pueden encontrar boletos y el programa más detallado con horarios.

Programa Oficial:
  • 6, 7, 8, (Egipto, 2010), Mohamed Diab. 100 min.
  • At Ellen’s Age (Alemania, 2010), Pia Marais. 95 min.
  • Attenberg (Grecia, 2010), Athina Rachel Tsangari. 95 min.
  • Belle Epine (Francia, 2010), Rebecca Zlotowski. 80 min.
  • The Black Power Mix Tape 1967-1975 (Suecia, 2011), Göran Hugo Olsson. 100 min.
  • Circumstance (Francia/USA/Irán, 2011), Maryam Keshavarz. 107 min.
  • Copacabana (Francia, 2010), Marc Fitoussi. 107 min.
  • Curling (Canadá, 2010), Denis Côté. 96 min.
  • The Destiny of Lesser Animals (Ghana/USA, 2010), Deron Albright. 90 min.
  • Gromozeka (Rusia, 2010), Vladimir Kott. 104 min.
  • Happy, Happy (Noruega, 2010), Anne Sewitsky. 85 min.
  • Hit So Hard (USA, 2011),  P. David Ebersole. 101 min.
  • Hospitalité (Japón, 2010), Koji Fukada. 96 min.
  • Incendies (Canadá/Francia, 2010), Denis Villeneuve. 130 min.
  • The Majority (Turquía, 2010), Seren Yüce. 111 min.
  • Man Without a Cell Phone (Israel, 2010), Sameh Zoabi. 83 min.
  • Margin Call (USA, 2010), J.C. Chandor. 109 min.
  • Memory Lane (Francia, 2010), Mikhaël Hers. 98 min.
  • Microphone (Egipto, 2010), Ahmad Abdalla. 120 min.
  • Octubre (Perú, 2010), Daniel y Diego Vega. 93 min.
  • Outbound (Rumania, 2010), Bogdan George Apetri. 87 min.
  • Pariah (USA, 2011), Dee Rees. 86 min.
  • Shut Up Little Man! An Audio Misadventure (Australia, 2011), Matthew Bate. 85 min.
  • Some Days Are Better Than Others (USA, 2010), Matt McCormick. 93 min.
  • Summer of Goliath (México/Canadá/Holanda, 2010), Nicolás Pereda. 76 min.
  • Tyrannosaur (Inglaterra, 2010), Paddy Considine. 91 min.
  • El Velador (México, 2011), Natalia Almada. 73 min.
  • Winter Vacation (China, 2010), Hongqi Li. 91 min.
Cortometrajes
  • Mila Caos (Cuba/Alemania, 2011), Simon Jaikiriuma Paetau. 18 min.
  • Night Hunter (USA, 2011), Stacey Steers. 16 min.
  • Miyuki (USAS, 2010), Will McCord. 9 min.
  • Match (USA, 2010), Kate Barker-Froyland. 11 min.
  • Fwd: Update on My Life (USA, 2010), Nicky Tavares. 28 min.
  • One (Afghanistán, 2010), Shahrbanoo Sadat. 10 min.
  • Bukowski (Holanda, 2010), Daan Bakker. 10 min.

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Friday, March 18, 2011

Estreno: Nostalgia por la Luz


No es difícil quizás predecir que Nostalgia por la Luz, el último documental de Patricio Guzmán que se estrena hoy en Nueva York en el IFC Center, será el más recordado por la crítica en Estados Unidos, y su prospecto comercial luce más próspero que sus anteriores producciones. Eso claro, en base a las favorables críticas con las que amaneció hoy el documental, que relata la búsqueda de vida y memoria en el desierto de Atacama, por parte de astrónomos y madres de desaparecidos durante la dictadura. Tan solo el empuje del New York Times, vía Stephen Holden, que la nombró una de sus Critics' Pick, se verá reflejado en la taquilla del cine. En su reseña, Holden asegura que Nostalgia por la Luz "es una meditación poética sobre el tiempo y la distancia. No obstante, también es deliberadamente política en su enfoque acerca de la memoria". Quienes conocen el trabajo de Guzmán saben que es difícil separar lo político de sus filmes, pero tal y como apunta Keith Uhlich de TimeOutNYC, el filme llega a terrenos históricos, otro tema ligado al cineasta chileno. "Es una emotiva meditación acerca de la historia, el conocimiento y la mortalidad". Quizás la combinación entre la astronomía y la hambre de justicia, sea algo que no funcione para algunos, pero ambas se complementan en una armonía casi espiritual y como señala Noel Murray de The Onion A.V. Club, "nunca se siente pretenciosa". De nuestra parte se convierte en uno de los documentales a superar este 2011, así que la satisfacción está garantiza y para una motivación mayor, Patricio Guzmán estará presente hoy y el sábado en la función de las 8:10 en IFC Center.

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Wednesday, March 16, 2011

New Directors/New Films 2011: Natalia Almada, Nicolás Pereda, Daniel & Diego Vega

New Directors/New Films 2011, está por comenzar el próximo miércoles y a diferencia del año pasado que solo contaron con la presencia de los argentinos Mariano Cohn & Gaston Duprat y el mexicano Rigoberto Perezcano, esta edición viene con tres prometedoras cintas de nuestra región. A través de los años de cobertura, pensé que ND/NF era solo para óperas primas y segundos filmes, quizás terceros, pero este año demuestra lo contrario. Natalia Almada, por ejemplo viene con su tercer documental, y Nicolás Pereda presenta su quinta película en menos de cuatro años. Sin duda, uno de los cineastas latinoamericanos más prolíficos. Mientras que los hermanos peruanos Diego y Daniel Vega, ganadores del premio del jurado en Un Certain Regard de Cannes 2010, traen Octubre, su primera cinta y que fue ya adquirida por la distribuidora New Yorker Films. Pronto aquí el programa completo, en tanto aquí van los horarios de las cintas antes mencionadas. Las locaciones son las habituales: The Film Society of Lincoln Center, Walter Reade Theater (WRT), 165 West 65 St., entre Broadway & Amsterdam, y el Museo de Arte Moderno (MoMA). 11 West 53 St., entre 5a. y 6a. avenidas.

Octubre (Perú, 2010) 93 min.
Daniel & Diego Vega
2 de abril, 9:00 pm (WRT)
3/4, 4:00 pm (MoMA-Titus 1) 

Summer of Goliath (Verano de Goliat). México/Holanda/Canadá, 2010. 76 min.
Nicolás Pereda
29 de marzo, 8:30 pm (WRT)
2 de abril, 2:30 pm (MoMA-Titus 1)
Se proyecta con el corto Night Hunter (USA, 2011), Stacey Steers
 
El Velador (México, 2011) 72 min.
Natalia Almada
Marzo 27, 7:00 pm (MoMA-Titus 1)
03/29, 8:30 pm (WRT)
Se exhibe con el corto Mila Caos (Cuba/Alemania, 2011), Simon Jaikiriuma Paetau

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Thursday, March 10, 2011

Entrevista: Sebastián Cordero, Rabia

Mientras Sebastián Cordero (Ratas, Ratones y RaterosCrónicas) se encuentra trabajando en la música y el sonido de su más reciente proyecto El Pescador, su anterior filme Rabia (Strand Releasing) que se proyectó de manera comercial en Nueva York, Miami y Los Angeles, llega al mercado del dvd en Estados Unidos. Como saben, ya hemos hablado de manera extensa de esta verdadera  joya de Iberoamérica, que exalta la labor de las coproducciones y sin olvidar que lleva la firma del mismo Guillermo Del Toro. Así que con motivo del lanzamiento de Rabia en dvd, hablamos con el cineasta ecuatoriano sobre la suerte que corrió su filme en los Goyas, a quien considera su "madre cinematográfica", de su próximo filme de carreteras y no se preocupen que no le preguntamos sobre el director de El Laberinto del Fauno.

Christian Del Moral: Rabia es una excelente cinta, tiene un extraordinario elenco y una historia bastante compleja e interesante, por lo tanto me decepcionó un poco que no la hayan tomado en cuenta para las nominaciones de los Goyas...

Sebastián Cordero:
Muchas gracias. Sí, la verdad yo no sé que pasó ahí... es de esos misterios. Pensé que por lo menos, tal vez la actuación de Gustavo (Sánchez Parra), o igual el papel de Concha Velasco, que está realmente maravilla... pero se fueron por otro lado completamente. Así fue.

CD: Gustavo está fenomenal y todo el grupo de actores, pero además la fotografía, el diseño de arte y la adaptación que hiciste del libro Rabia, creo merecían que fueran tomadas en cuenta...

SD:
Sí te agradezco escuchar eso, supongo que sabes como es todo eso de los premios y esas cosas...

CD: Claro, claro 

SD:
Es algo que debes de estar muy presente. Rabia se estrenó en España y sonó mucho en un momento muy específico, cuando ganamos el Festival de Málaga, Mejor Película y tres premios más pero después del estreno comercial, que fue relativamente pequeño... Era el inicio del verano pasado cuando estaba el Mundial y en España la gente deja de ir al cine y un poco como que me parece se les pasó. No tengo muy claro como, pero también es muy difícil ser objetivo.

CD: Todo mundo te pregunta sobre Guillermo Del Toro (productor de Rabia), mejor hablemos de Bertha Navarro, la otra productora...

SC: Guillermo
y Bertha, son realmente una dupla fantástica. En realidad conocí a Guillermo a través de Bertha, mi relación más cercana es con ella. Trabajamos juntos en Crónicas (2004) y fue una gran experiencia y dijimos: 'busquemos algo nuevo para hacer juntos'. Y fue un proceso largo hasta que nos volvimos a juntar, pues cada uno se fue por su lado; Bertha hizo con Guillermo El Laberinto del Fauno, y yo tuve un tiempo tonteando con proyectos en Estados Unidos que finalmente no salió ninguno, pero fue un proceso muy enriquecedor. Con Bertha me volví a encontrar hace unos años (antes de la filmación de Rabia, como cuatro) en un laboratorio de guiones que ella organiza en México, donde estaba invitado como asesor y ahí tenía la novela de Rabia, la acababa de leer y sabía que los derechos estaban disponibles. Me la dio ese mismo día y lo leí en un día y medio, y me encantó. Con Bertha tengo una gran relación es casi como mi mamá cinematográfica, por decirlo de alguna manera. Es una mujer que ha vivido mucho en el cine, que se sabe todo, realmente conoce como funciona la cosa y es una persona muy comprometida, con una pasión absoluta y una integridad muy grande. Y siempre nos hemos llevado muy bien, el trabajar con ella es un gran placer y espero se siga repitiendo con otras películas.

CD: Lo que admiro de ella, es su gran visión, que engloba el concepto que has dicho sobre ella. Y fue precisamente Bertha, quien te sugirió que trasladaras la historia a España y que hablará sobre la migración...

SC:
Ella me dio la novela diciéndome "oye piensa en esta historia trasladándola a España con inmigrantes" y me pareció absolutamente coherente. La novela original se desarrolla en Buenos Aires y es la misma situación: es un albañil, una empleada doméstica, una mansión en decadencia, y claro hay un tema digamos obviamente de lucha de clases sociales. Y me pareció muy interesante aparte del significado obvio, que le podía dar el meter el tema de la inmigración, me parecía que la historia hablaba de un cierto aislamiento y una desconexión que estaba muy atada al proceso emocional de la migración. (Por ejemplo) el hecho de desconectarte de tus seres queridos, de estar imaginando la vida del otro y sobre todo en familias o relaciones de parejas que se separan con el anhelo de algún deia volverse a encontrar, un anhelo hipotético, muy idealista, que no se sabe como se dará. Me parecía que en varios niveles el tema de la migración enriquecía mucho a esta historia y de ahí fuimos adelante.

CD: Claro, es una reflexión sobre la migración pero creo que va más allá de eso...

SC:
Si, totalmente está el tema ahí, pero finalmente la historia no se queda solamente en el tema de la migración. La historia trasciende y cuenta muchas otras cosas, la enriquece... No se trata de solo una experiencia de un inmigrante sino es una historia muy personal y del proceso de animalización de un ser humano, de la pérdida de las características y rasgos humanos en el momento del aislamiento y del contacto con otra gente. Eso me pareció interesante explorarlo y la película comienza con un tinte social más marcado, pero después interioriza con el personaje de José María y de lo que está pasado con esa locura y rabia (como el título de la película) y de su historia de amor imposible.   

CD: Eres de los directores latinoamericanos que tienen todo su cine disponible en Estados Unidos,  y ahora ya está la tercera en dvd. ¿Qué piensas sea lo que llama la atención de tu cine, tanto del lado comercial y las distribuidoras, como del público de este país? 

SC: 
No sé, siento que por un lado, como cineasta creo que tengo una serie de influencias de distintos países y culturas. Nací aquí en Ecuador, viví varios años en Francia con mi familia cuando era niño, luego estudié en Estados Unidos la universidad en Los Angeles y volví al Ecuador. Me la he pasado mucho tiempo llendo y viniendo, siento que al menos en mi infancia, adolescencia y en la universidad me ayudó el tener mucho contacto con Estados Unidos y Europa, ayudó a formarme como cineasta. Pienso que una de las cosas que siempre intento hacer y un poco como responsabilidad como cineasta, es que uno puede estar contando la historia que sea, puede ser una muy dura, tierna, o divertida pero siempre es importantísimo enganchar al espectador y tenerle un gran respecto al público respecto a eso y creo que eso lo aprendí mucho en Estados Unidos cuando estudié escritura de guión. Además que para mí la gran referencia del cine, ha sido siempre el cine de los años 70 de Estados Unidos... Siempre trato con mi cine que sea dinámico y que enganche, aunque se trate de una historia dura. En el caso de Crónicas, es una película acerca de un periodista y un violador-asesino de niños, un tema del que la gente no quiere acercarse a ver, pero la historia te engancha. Creo que si hay un factor de la manera de contar historias  que sí ha funcionado con el público, igual es un público que percibe al cine extranjero como un cine de arte, de Art house, pero si ha habido una fuerte conexión, es verdad.

CD: Y ahora ya tienes lista tu próxima película El Pescador, una coproducción entre Colombia y Ecuador...

SC: El Pescador
, es un regreso a un cine más pequeño, más local y estoy muy contento en como está quedando la película. Ya terminamos la parte de la edición y ahora estamos trabajando con el sonido y va muy bien, es el polo opuesto de Rabia. Mientras ésta era sobre el encierro, la claustrofobia, el aislamiento, El Pescador es acerca de la libertad, de buscar un camino nuevo y fue filmada con ese espíritu. Es una película donde se experimenta más, hay elementos más libres.

CD: ¿Y cuándo estará lista?

SC: 
Estará en unos tres meses más o menos, estamos trabajando en sonido y música, la idea es de estrenarla en Ecuador en salas a fines de año, pero en festivales antes...

CD: ¿Venecia, Toronto? 

SC: 
Podría, ojala puede ser uno de esos, porque Cannes está un poco apretado por tiempo aunque no sería imposible, vamos a intentar a todos y a ver que sucede.

CD: En la gran mayoría de entrevistas, la cuestión de porqué no trabajas en Hollywood, siempre sale a flote. ¿Representa una presión de manera profesional por parte de los medios hacia tu  persona? 

SC: 
Existe un poco, en el sentido que a la gente y sobre todo en Latinoamérica se da mucho el fenómeno que si el ecuatoriano o colombiano ha triunfado en el exterior, es como un icono. Hay como ese estereotipo a veces, la gente de alguna forma sí asume o lo espera porque ha habido una gran tradición de parte de Hollywood de ir absorbiendo talento del extranjero, desde los grandes directores... A mí sí me interesa trabajar, si es que hay un proyecto bueno o interesante, pero también he aprendido a darme cuenta que no es el único camino, posibilidad u opción. De hecho, en estos momentos no quisiera mudarme a Los Angeles, viví ahí muchos años cuando estaba en la universidad y siento que hay tantas historias buenas por contar en Latinoamérica que quiero seguir desarrollándolas aquí. Pero eso no significa que si hay proyecto específico que me lleva allá, lo haré pero siento que ahora ya tengo una distancia. Después de Crónicas, hubo un boom de que me buscaron para muchos proyectos y estuve atado a unas películas que finalmente no se hicieron. Sigo trabajando con mi agente y somos muy buenos amigos, es una relación a largo plazo y no estamos buscando el beneficio rápido. Creo que estoy en una situación, donde puedo conseguir algo interesante allá y en mis propios términos.

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Thursday, March 3, 2011

Tráiler de Nostalgia por la Luz

¿Qué tiene en común el desierto de Atacama en Chile, la astronomía y los desaparecidos políticos durante la dictadura de Pinochet? Nunca me hubiera imaginado que existiera una singular conexción entre ellos, pero el grandioso Patricio Guzmán la encontró y documentó este emotivo hallazgo en Nostalgia por la Luz, que sin duda formará parte de Lo Mejor del 2011. Claro, estamos hablando en el área de los documentales y aunque deberá sonar prematuro para algunos, ya que solo han transcurrido dos meses del años, creo que se mantendrá. Como saben el filme de Guzmán, viene precedido de buenas críticas, de su paso en la contienda oficial de Cannes 2010, una nominación al Mejor Documental del Cine Europeo, y además de una exhibición exitosa en Canadá, ahora se suma su inminente llegada a Estados Unidos. Mientras llega su estreno, el 18 de enero en Nueva York, aquí los dejo con el tráiler. Simplemente es cautivante, ya habrá más de Nostalgia por la Luz.

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Wednesday, March 2, 2011

Patricio Guzmán en la 10ª Edición de Documentary Fortnight en MoMA

Después de un merecido descanso, estamos de regreso para comentar algo de lo mucho que nos mantuvo ocupado estas casi dos semanas de ausencia. Hace más de una semana que anduvo por aquí, el reconocido documentalista, Patricio Guzmán, a quien por cierto ya hemos tenido el honor de entrevistar, para una presentación especial de su más reciente producción Nostalgia por la Luz (Chile, 2010). El increíble documental que se estrena el 18 de marzo —gracias a la distribución de Icarus Films— en el IFC Center, fue la pieza central de la 10ª edición de Documentary Fortnight en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York. El trabajo de Guzmán siempre ha fascinado por múltiples razones, que van desde la técnica, la pasión que le imprime a sus historias, y por el legado histórico que representan. En otras palabras la historia contemporánea de Chile no se puede explicar en el cine, sin Patricio Guzmán y viceversa. Y con Nostalgia por la Luz, vuelve a sorprender de una manera grata y emotiva. Ya estaré posteando el tráiler para hablar un poco más de la cinta y también gran parte de la fenomenal sesión de preguntas y respuestas que tuvo con el público neoyorquino. ¿Qué más viene en Cine Latino en Nueva York? Un reporte de algunos documentales que pasaron en Documentary Fortnight en MoMA —que llegó a su fin el lunes—, lo que viene en New Directors/New Films, nuestras predicciones de Tribeca y daremos a conocer las cifras de las películas Iberoamericanas en los dos primeros meses del 2011 en Estados Unidos.

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