Primero fue Cuba, y ahora es turno de una cinematografía quizás no tan grande como la anterior, pero que tiene mucho para ofrecer. Colombia, país que se estima se filman 10 cintas al año (puede que con las co-producciones se eleve esa cantidad), tendrá su primera muestra en Nueva York, con el evento Colombia Zoom In.
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L'amour fou (Francia, 2010) de Pierre Thoretton, no es el típico documental póstumo de un diseñador de modas de fama internacional. Y no es que Yves Saint Laurent lo necesite a tres años de su muerte, ya que existen otros filmes que han explorado su obra y trayectoria.
Lo fascinante de L'amour fou, es el giro que logra a través de la visión de este joven director francés, quien está preocupado en lo que dejó Saint Laurent. Y eso incluye a su novio y pareja de toda la vida: Pierre Bergé. Si bien el filme abre con el anuncio, de parte de YSL, sobre su retiro y posteriormente su funeral, es evidente que el centro de atención es la subasta de su colección de arte, que está organizando Bergé.
¿Fuiste uno de los que se perdió, como nosotros, el Festival de Cine de la Habana en Nueva York? ¿No tienes nada que hacer para, según unos incautos, el fin del mundo? Este fin de semana, del 20 al 22 de mayo, la BAMcinématek presenta una serie con lo más reciente del cine cubano.
Con esta pequeña muestra unen esfuerzos el HFFNY y BAMcinématek con motivo del Festival ¡Sí Cuba! Son seis producciones, que incluyen a la seleccionada al Festival de Sundance (Boleto al Paraíso), el debut de dos actores en la dirección (Afinidades y la presentación de un filme poco exhibido del maestro Gutiérrez Alea.
¡Esta es una buena noticia! Si tengo bien entendido, puede que esta sea la primera vez que Sundance Selects —distribuidora que pertenece a la ya establecida IFC Films— se encarga de llevar en circuito limitado de cines y del Video en Demanda por cable (VOD, por sus siglas en inglés) de Estados Unidos, una cinta latinoamericana. El honor, en caso de que así lo sea, corresponde a la ópera prima Rompecabezas de Natalia Smirnoff, quien ha laborado con Lucrecia Martel, Jorge Gaggero, entre otros reconocidos directores argentinos.
Karim Aïnouz: Esto parte de un viaje que Marcelo y yo hicimos. Ambos estábamos cansados de esperar por dinero para hacer un filme. Recibimos un fondo para hacer una investigación para un guión de una película, no sabíamos de que iba hacer. Sin embargo, estábamos tan desesperados por filmar algo, que el dinero que obtuvimos, lo utilizamos para filmar. La cantidad era suficiente para rentar una camioneta, traer a tres amigos: el director de fotografía, un productor que ayudó con la logística, un asistente que nos apoyó con la cámara y el sonido, y claro el chofer. Fueron dos meses y filmamos sin parar, con todo lo que teníamos en nuestras manos (cámaras Super 8, DVCam y High 8). Así comenzó este proyecto, no parecía un filme sino un archivo de imágenes. Era como un video-diario de ambos, sobre nuestras experiences de ir a casa, sin que fuera nuestra casa —ambos tenemos familiares que vienen de esa región Sertão—. Pasaron los años y queríamos editarlo, pero no teníamos nada de dinero, así que solicitamos otra beca para hacer una pieza de 26 minutos con lo que ya teníamos filmado. Y eso, es en gran parte de lo que se ve en I Travel... Cuando lo vimos —no habíamos utilizado ningún eje narrativo y básicamente era un collage de situaciones, que se podrían organizar en una estructura lineal—, pensabamos que funcionaría mejor como un filme que una instalación visual. Así que dijimos "hagamos algo con esto, que comunique y evoque lo que sentimos cuando fuimos a esta región" y así llegamos con I Travel... que tenemos desde hace tres años.
En menos de un año se han estrenado en Estados Unidos de manera comercial y limitada, varias películas peruanas (La Teta Asustada, Contracorriente, Altiplano), desplazando así al gigante de Brasil. Si bien varias de ellas son coproducciones, los críticos, el público, las distribuidores y los festivales, están poniendo atención al talento de esa nación. Ahora un dueto de cineastas jóvenes peruanos, Daniel y Diego Vega, llegan con la cuarta producción a estrenarse directamente de Lima.
Se trata de su ópera prima Octubre (New Yorkers Films), la única cinta peruana que ha ganado algo en el Festival de Cannes. Para sorpresa de muchos, el premio no solo fue algo, sino el principal que se otorga en Una Cierta Mirada y desde entonces Octubre se ha mantenido en el circuito festivalero y en las salas de cine de varios países. Hoy se estrena en nuestra ciudad, en el Lincoln Plaza Cinemas y Angelika Film Center, después de su presentación en el New Directors/New Films.
La cinta relata la histora de un solitario hombre, que presenta dinero en el barrio y quien recibe un pequeño regalo de una de las prostitutas que tanto frecuenta. Entre procesiones religiosas, dinero falso, una niña abandonada y una mujer que necesita disfrutar de su sexualidad, vemos en Octubre que la avaricia va de la mano con el amor, y el deseo del pecado. Durante su estancia en Nueva York, hace unas semanas, nos encontramos con uno de los hermanos Vega, Daniel para ser exactos, quien nos hablo de lo que esperan, los procesos de rechazo, del trabajo actoral y que películas peruanas debemos ver pronto.
Christian Del Moral: ¿Qué expectativas tienen con el estreno de Octubre en Estados Unidos?
Daniel Vega: Si me hubieras preguntado eso, sin haber estado en Cannes, y me hubieran dicho que [Octubre] se estrenaría en Nueva York, hubiera dicho: ¡wow, increíble! Ahora es emocionante la verdad, porque estoy aquí, hemos estrenado en Francia, Alemania, en lugares y mercados de cine grandes. Y veo que la gente está interesada. ¿Expectativas? Ojalá que vaya la mayor cantidad de público posible, y que la gente la vea. Como toda película, habrá gente que le guste más, le guste menos, algunos no les gustará... Lo que me gusta de las reacciones de la película, es que la gente se vuelve fan, le llega tanto la película. Yo siento que es porque hablamos de la condición humana por encima del contexto en el que se esté, ese siempre fue nuestro foco. Hablamos de la fe, que existe en todas partes del mundo y de diferentes formas, del deseo, de la soledad, de la avaricia y esos son temas universales, creo que por ahí está la conexión con el público.
Este año no fue la excepción, y aunque para muchos no es del todo experimental, el meritorio documental The Ballad of Genesis & Lady Jay (Marie Losier), tiene mucho de ese gran género. La provocadora historia se centra, en la relación sentimental y artística, de la pareja comformada por Genesis Breyer P-Orridge, exponente de la música subterránea, y Lady Jay, quien falleció hace unos años.
Después de presentarse en un par de festivales de cine Nueva York, dos cintas latinoamericanas llegan este fin de semana a la cartelera comercial. Durante el New Directors/New Films se presentó Octubre (Perú, 2010) de los hermanos Daniel & Diego Vega y como saben fue adquiera por New Yorkers Films.
Ya tuvimos la oportunidad de ver esta ópera prima y tendremos una entrevista con uno de los directores para el jueves. Octubre se estrena en el Angelika Film Center. Aquí va el tráiler...
Conozco la labor de Cinema Tropical desde hace años, como espectador y periodista. Así que no me sorprende el merecido reconocimiento que del 4 al 15 de mayo el Museo de Arte Moderno (MoMA) tiene preparado para celebrar los 10 años de la organización que fundó Carlos A. Gutiérrez y Monika Wagenberg. Las celebraciones comenzaron desde el año pasado con varios eventos, pero sin duda este es el más importante en la historia de la admirada asociación.
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Para quienes vean el documental Limelight (Billy Corben) —encontró distribuidora antes del festival y su estreno se estima a finales de agosto— y esperen un perfil digno y colorido de uno de los clubes más famosos en la historia de Estados Unidos, puede que resulte un tanto decepcionante. Limelight es un filme modesto e inconsistente que solo reivindica a su dueño y quien fuera rey de la vida nocturna de Nueva York por años: Peter Gatien.
Aeryn Gilleran, un hombre atlético de 34 años de edad y que trabajaba para las Naciones Unidas en Viena, desaparece el 29 de octubre del 2007, sin dejar rastro. Dos días más tarde, su madre Kathy Gilleran, una ex policía del Norte de Nueva York, recibe la terrible noticia.
Y como cualquier admirable madre, quien acepta a su hijo de manera incondicional, se desplaza al Viejo continente en busca de su paradero. Kathy no encontró a Aeryn, ni las respuestas que esperaba de un departamento de policía, que al parecer no tiene experiencia en cuestiones gays y no acepta la búsqueda de su hijo por su nacionalidad.
A diferencia de años anteriores, la sección Midnight o de Medianoche de Tribeca —ahora llamada Cinemania— parece que por fin encontró su rumbro.
Lo de no reglas, no límites y para audiencias maduras, premisa de esa sección, encuentró perfecta resonancia con la segunda producción de Shinji Imaoka, Underwater Love (Onna no Kappa, Japón 2011). Se trata de un musical con una mezcla de porno suave, al parecer es un género conocido, que dentro de lo esperado, no decepciona en lo más mínimo.
La historia parte de un relato clásico del folclore japonés, hablamos de una criatura llamada kappa (cuerpo de niño, caparazón de tortuga, cara de ave y con características de pez o reptíl) que vive en los ríos. Lista para los preparativos de su boda, Asuka, quien ya pasa de los 30 años y es empleada de una fábrica de pescado en su pueblo, descubre su primera kappa.
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Una mujer joven clasemediera de la Ciudad de México se esconde en un pequeño pueblo costero del Golfo de México. Un viudo cincuentón, alcohólico y fumador de mariahuana, forma parte de ese paraíso verde y simple, que Luisa (Luisa Pardo) ha invadido. Las diferencias de clase y generacionales, quedan atrás cuando ambos pueden entenderse mediante el único lazo que comparten: la adicción.
Ella es adicta a la heroína (solo la fuma, tonta no es) y mientras no sabemos sus intenciones respecto a las drogas, todo es posible. Una vez que Luisa y Salomón, tienen plena confianza y ante la falta de la droga —después de todo es un pueblito al que solo llega la marihuana y una especie de crack— al parecer su límite ha llegado para ella.
Todavía no puedo creer que el Festival de Cine de Tribeca esté por cumplir 10 años. Parece que fue ayer cuando escuchaba las noticias de su nacimiento y posteriormente lo cubriría para dos de los periódicos donde laboré. Ahora con 10 años, con tropiezos y avances, el festival se mantiene y dará un paso virtual aún mayor que del año pasado, la gente fuera de Nueva York, ya no puede quejarse. Así que del 20 de abril al 1 de mayo, Tribeca presentará 88 largometrajes y 61 cortos que vienen de 32 naciones.
Mañana inicia la edición 12 del Havana Film Festival New York (HFFNY), y a partir del viernes en varias locaciones de la ciudad, así como en su sede habitual del Quad Cinema. Uno de los atractivos que repite este año, es la entrega del Premio Havana Star ahora son 21 cintas las que están en competencia, de 55 que se están en el programa. ¿Y cuáles compiten?
Un amor prohibido, un estado totalitario y su policía de la moral, se entrelazan con el desenfado juvenil de la clase media y el hambre por libertad en Irán, en la sensual y convincente Circumstance de Maryam Keshavarz, con la que hoy llega a su fin New Directors/New Films. La joven directora ofrece una mirada desde afuera sobre las limitadas ópciones a las que se enfrenta la juventud de esa nación, y sin proponérselo puede que nos haya dado el filme más relevante de temática gay del año.
Con cinco filmes en poco más de cuatro años, quizás Nicolás Pereda sea el director con más experiencia y más joven en esta edición del New Directors/New Films. Sin embargo, también es uno de los que menos se conoce su trabajo en Estados Unidos. Favorito en festivales de cine, con múltiples premios, a Pereda se le vio el año pasado con Perpetuum Mobile (México/Canadá, 2009). Ninguna de sus películas ha sido estrenada en el circuito comercial Art-House del país, ¿podrá Verano de Goliat, que se exhibe hoy, lograr eso?
Los circos no solo proporcionan entretenimiento, siempre han sido generadores de buen drama y eso lo sabe Aaron Schock, cineasta neoyorquino. Mientras se encontraba investigando sobre unos agricultores de maíz en México, para un posible filme, Schock se topó con el Gran Circo México, y a los protagonistas de su primer filme: la familia Ponce. En Circo (First Run Features), notable debut, se presenta el deterioro de una familia por una tradición laboral de data de generaciones y que busca ajustarse a los cambios del México rural.
Después de su explosiva y sublime interpretación en White Material (Claire Denis, 2010), Isabelle Huppert demuestra su lado salvaje y cómico en Copacabana, segundo filme del realizador francés Marc Fitoussi. Filmes sobre la relación madre e hija siempre han existido, en los diferentes géneros y narrativas posibles, pero el encanto de Copacabana radica en los tiempos que vivimos (recesión, falta de empleo y dinero, soledad) y en el increíble talento de la diva francesa y su hija Lolita Chammah (¡en la vida real!).
Después de la bien recibida Al Otro Lado, —en donde el joven creador de corridos Magdiel, tiene que elegir entre emigrar de manera ilegal a Estados Unidos o engrosar la lista de personas que trabajan en el narcotráfico— y de la ganadora en Sundance, El General, Natalia Almada regresa a Sinaloa, México, con quizás su documental más íntimo hasta ahora.
En El Velador, tercera producción en lo que bien podría ser un cierre de una buena trilogía personal acerca de México y las múltiples lecturas que se puedan dar sobre su trabajo, Almada se centra en un hombre que cuida de noche el cementerio privado El Jardín, en Culiacán (la capital del estado de Sinaloa y lugar de procedeciencia de muchos capos de la droga). Aquí llegan los restos de aquellos jóvenes que ingresaron la lista del narco, abatidos por el ejército o por otros cárteles.
En los últimos meses, la forma en que se reseña el cine ha cambiado. Para bien o mal, es una realidad. Ante la intención de ser el primero con la reseña, la crítica negativa, las posibilidades de Oscar, o lanzar el primer tweet sobre determinada cinta, puede ser la vida o muerte para la misma. Muchas cintas se beneficiaron y otras fueron marginadas, según nuestros gustos, de esa práctica.
Digo lo anterior, porque si hubiera escrito algo sobre la cinta de Marcelo Gomes & Karim Aïnouz, I Travel Because I Have To, I Come Back Because I Love You (Brasil, 2009), sería completamente diferente a lo que viene a continuación.
De cuando un filme deja de ser relevante o adquiere cierta trascendencia, gracias a un evento social o político, simpre será una intriga. Sin menospreciar sus méritos, en esa categoría estaría Cairo 6, 7, 8, ópera prima del egipcio Mohamed Diab, que logra ejemplicar de manera muy particular el hartazgo de la sociedad y de la necesidad de un cambio en Egipto. Sin tener presente la revolución en ese país —que capturó la atención y la fascinación de los estadounidenses y de varias partes del mundo por semanas—, y el trágico asalto que vivió Lara Logan, reportera de CBS, Cairo 6, 7, 8 tendría un camino más difícil.
Ha llegado el verano a uno de los suburbios franceses y con ello, siete amigos se reencuentran. Así los vemos ir de paseo, hacer sandwiches, ver el atardecer, tomar, hacer fiestas, escuchar música, visitar a sus familiares, hacer gestos monos y hablar de cuando eran pequeños.
Si ustedes pensaron que Javier Bardem sufrió todo un infierno en Biutiful, esperen a ver la tragedia épica que atreviesa la protagonista de Incendies, compañera de la cinta de Alejandro González Iñárritu en la carrera por el Oscar a la Mejor Película Extranjera. Claro, ambas perdieron pero el trabajo de los actores principales es para admirarse.
Lo mismo podemos de decir, como costumbre de Francia y Estados Unidos, pero las sorpresas creo que saldrán de Egipto, Irán, Suecia, y Australia. Ya daremos cuenta de lo visto, pero antes para aquellos que decidan ir, aquí pueden encontrar boletos y el programa más detallado con horarios a continuación.
No es difícil quizás predecir que Nostalgia de la Luz, el último documental de Patricio Guzmán que se estrena hoy en Nueva York en el IFC Center, será el más recordado por la crítica en Estados Unidos, y su prospecto comercial luce más próspero que sus anteriores producciones.
Eso claro, en base a las favorables críticas con las que amaneció hoy el documental, que relata la búsqueda de vida y memoria en el desierto de Atacama, por parte de astrónomos y madres de desaparecidos durante la dictadura. Tan solo el empuje del New York Times, vía Stephen Holden, que la nombró una de sus Critics' Pick, se verá reflejado en la taquilla del cine.
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New Directors/New Films 2011, está por comenzar el próximo miércoles y a diferencia del año pasado que solo contaron con la presencia de los argentinos Mariano Cohn & Gaston Duprat y el mexicano Rigoberto Perezcano, esta edición viene con tres prometedoras cintas de nuestra región. A través de los años de cobertura, pensé que ND/NF era solo para óperas primas y segundos filmes, quizás terceros, pero este año demuestra lo contrario.
Mientras Sebastián Cordero (Ratas, Ratones y Rateros, Crónicas) se encuentra trabajando en la música y el sonido de su más reciente proyecto El Pescador, su anterior filme Rabia (Strand Releasing) que se proyectó de manera comercial en Nueva York, Miami y Los Angeles, llega al mercado del dvd en Estados Unidos. Como saben, ya hemos hablado de manera extensa de esta verdadera joya de Iberoamérica, que exalta la labor de las coproducciones y sin olvidar que lleva la firma del mismo Guillermo Del Toro. Así que con motivo del lanzamiento de Rabia en dvd, hablamos con el cineasta ecuatoriano sobre la suerte que corrió su filme en los Goyas, a quien considera su "madre cinematográfica", de su próximo filme de carreteras y no se preocupen que no le preguntamos sobre el director de El Laberinto del Fauno.
Christian Del Moral: Rabia es una excelente cinta, tiene un extraordinario elenco y una historia bastante compleja e interesante, por lo tanto me decepcionó un poco que no la hayan tomado en cuenta para las nominaciones de los Goyas...
Sebastián Cordero: Muchas gracias. Sí, la verdad yo no sé que pasó ahí... es de esos misterios. Pensé que por lo menos, tal vez la actuación de Gustavo (Sánchez Parra), o igual el papel de Concha Velasco, que está realmente maravilla... pero se fueron por otro lado completamente. Así fue.
Nunca me hubiera imaginado que existiera una singular conexción entre ellos, pero el grandioso Patricio Guzmán la encontró y documentó este emotivo hallazgo en Nostalgia de la Luz, que sin duda formará parte de Lo Mejor del 2011.
Después de un merecido descanso, estamos de regreso para comentar algo de lo mucho que nos mantuvo ocupado estas casi dos semanas de ausencia. Hace más de una semana que anduvo por aquí, el reconocido documentalista, Patricio Guzmán, a quien por cierto ya hemos tenido el honor de entrevistar, para una presentación especial de su más reciente producción Nostalgia de la Luz (Chile, 2010).
El increíble documental que se estrena el 18 de marzo —gracias a la distribución de Icarus Films— en el IFC Center, fue la pieza central de la 10ª edición de Documentary Fortnight en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York.
El trabajo de Guzmán siempre ha fascinado por múltiples razones, que van desde la técnica, la pasión que le imprime a sus historias, y por el legado histórico que representan. En otras palabras, la historia contemporánea de Chile no se puede explicar en el cine, sin Patricio Guzmán y viceversa.
Después de un recorrido por el circuito internacional de cine, Somos lo que Hay (IFC Films), ópera prima de Jorge Michel Grau se estrena en Estados Unidos. La cinta de caníbales mexicanos que luchan por la sobrevivencia, después que su padre y proovedor del alimento falleció, sigue ganando adeptos y no por nada formó parte de nuestro Top 5 2010 del cine mexicano. Mientras Michel Grau estuvo en Nueva York presentando la cinta durante el New York Film Festival hace unos meses, pudimos hablar con él sobre su ópera prima, el cine de los años 70 y que piensa del público de nuestra caótica ciudad en la siguiente entrevista...
Christian Del Moral: Desde las primeras imágenes de Somos los que Hay, me recordó ese cine mexicano de los años 70...
Jorge Michel Grau: Sí claro, por supuesto...
A mi parecer ese fue el gran obstáculo y tampoco ayuda en nada que ambas llevan a Ricardo Darín, como protagonista interpretando a un abogado irresistible, que existe una historia de amor, dentro de un mar de corrupción obscura y fechorías al margen de la ley. Aún así con estas similitudes y con todos los atributos de la última obra de Juan José Campanella, queda un tanto corta y aquí va el porque...
Luego de varios años de espera y con la resurección hace un año de su distribuidora New Yorker Films, esta ópera prima se exhibe a partir del viernes 11 como debe ser y en el lugar perfecto: Anthology Film Archive. Después de 30 años de no visitar su lugar de origen —Alvarez fue la última habitante que nació allí (Aldealseñor, Soria)—, regresa para descubrir la historia de este encantador pueblito que a simple vista pudiera parecer de lo más aburrido.
Los personajes de migrantes en el cine español, por lo regular, solo sirven de fondo. Algunos con más gracia que otros, con historias similares o peores, solo son una casualidad narrativa. Quizás la representación sea correcta, pero siempre carente de voz. En Rabia (Strand Releasing), tercer largometraje de Sebastián Cordero, se centra en dos migrantes sudamericanos con voz y puños, en donde los españoles son simplemente circunstanciales.
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En una de las primeras escenas de La Mirada Invisible, del argentino Diego Lerman, María Teresa Cornejo (interpretado extraordinariamente por Julieta Zylberberg), es cuestionada por su jefe en turno sobre el secreto de una buena disciplina.
Marita, como la llaman en su casa y quien es una de las encargadas del orden y buenas costumbres en pomposo colegio (¡de las Ciencias Morales!) de clase media-alta en Bueno Aires, responde: "la vigilancia". Aquella que es permanente y en todo lugar dice, mientras el señor Biasutto (Omar Nuñez) agrega "una mirada atenta, que no pierda detalles", debe ser asegura ella: "la mirada invisible".
Fueron más de 50 documentales que presenciamos durante el 2010 y a no querer sonar como el año pasado, pero fue un magnífico año para el cine de la no ficción en Estados Unidos. Y al parecer en otras naciones, también. A continuación van los 10 mejores, según nuestra opinión, que se estrenaron comercialmente en el país, en televisión o cine. Como podrán ver, no quisimos repertir el error del año pasado y no entraron aquellos que sólo se exhibieron en festivales y con toda tristeza, ya que varios de ellos hubieran estado en esta lista.
Hubo otros que no pudimos ver antes del 31 de diciembre y que seguro hubieran encontrado un lugar aquí (del número 8 al 10); tal es el caso de Last Train Home (Lixin Fan), The Tillman Story (Amir Bar-Lev), A Film Unfinished (Yael Hersonski), y Boxing Gym (Frederick Wiseman).
Aquí los dejo con la lista, como ya saben nos vemos con sus preferidos en los comentarios...
¿Cómo fue que se llegó a la crisis económica mundial y a la peor recesión en Estados Unidos? Ferguson tiene todas las respuestas, y lo explica de una manera contundente, directa y sin afilación política. El final, al igual que ETTGS, tiene uno inesperado pero a diferencia de aquel, éste no es nada esperanzado.
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Ultimamente he visto el nombre de Guillermo Del Toro, salir en algunas óperas primas. Los trabajos en lo que se involucra el cineasta mexicano, van de lo más efectivo y con una gran visión (El Orfanato, Juan Antonio Bayona), a lo obscuro y atrevido de la ciencia ficción (Splice, Vincenzo Natali). Sin embargo, hay otros que no pasan del éxito de taquilla pronto a olvidar (Rudo y Cursi, Carlos Cuarón; Los Ojos de Julia, Guillem Morales) y están aquellos que no logran cruzar las fronteras comerciales (Cosas Insignificantes, Andrea Martínez). ¿Existe otro filme que pueda despertar el interés y que lleve la firma de Del Toro?
En diciembre comenzamos con nuestra sección dedicada a las cintas de América Latina y España, y sus posibilidades en la contienda. Y así recorrimos cada una de ellas y creo que no lo hicimos mal. Tal y como lo aseguramos México y España entraron en la ronda semifinal, pero fallamos con Perú. Así lucen las nueve finalistas:
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El Festival de Cine Judío de Nueva York, que está celebrando dos décadas de vida, comenzó la semana pasada y dos filmes latinoamericanos de cineastas argentinos tienen previsto su estreno en unos días.
Primero está Daniel Burman, quien recién finalizó la producción del documental Los 36 Justos, el cual tendrá su estreno mundial el próximo miércoles. Conocido ampliamente por los aficionados a este ciclo (El Abrazo Partido, El Nido Vacío, y Esperando al Mesías, recibieron estreno aquí), Burman presentará ahora un documental sobre una peregrinación de judíos ortodoxos que se realiza cada año en Polonia, Ucrania y Rusia. El viaje parece, es algo personal.
De El Orfanato no queda nada. El intento de cine fantástico y de horror, que pretenden vender con el nombre de la anterior y su productor Guillermo Del Toro, desenboca en una triste parodia de filmes del viejo Hollywood. Es oficial: Belén Rueda está encasillada.
Federico Veiroj: La crisis económica mundial estuvo presente más en la post producción que durante el rodaje. No obstante en un país pequeño como Uruguay, las crisis regionales también se han caracterizado por afectar a la cultura en general, independientemente de la época. Imagino que como en muchos otros países, la cultura es una de las áreas que más se resiente en momentos de recesión. Entiendo la 'rentabilidad' de la institución cultural que se presenta en la película como una representación de los cambios en la sensibilidad a la hora de acerarse a una obra artística; en este caso, la rentabilidad de la institución se puede traducir en el de una película o un libro o una canción.
La ganadora del Oscar a la Mejor Película Extranjera, recaudó la mayor cantidad de dinero entre las películas iberoamericanas o de temática latina, en Estados Unidos. Pedro Almodóvar continúo con su presencia en el 2010, a pesar que su última película era un estreno del 2009. Alamar fue la película mexicana más exitosa, según las cifras que pudimos corrobar, aunque creo que Cinco Días sin Nora, obtuvo una cantidad mucho más alta de lo que señalamos pero no hay cifras oficiales.
La primera muestra internacional de cine del 2011 en Nueva York, comienza este jueves y viene con tres títulos latinoamericanos. Hablamos de Global Lens, la exitosa colaboración del Global Film Initiative (GFI) y el Museo de Arte Moderno (MoMA) de esta ciudad, en donde se proyectaron del 13 al 28 de enero, nueve títulos de naciones con cinematografías emergentes.
El año pasado la muestra ofreció tres sólidos trabajos y en 2011 parece que repiten con ese nivel. Primero destaca el estreno en Estados Unidos de La Vida Util, de Federico Veiroj, director de Acne, que se proyectará por una semana. También se exhibirán la brasileña Os Inquilinos, una de nuestras favoritas en Premier Brazil y La Mirada Invisible de Argentina.
Además para quienes buscan ver a las seleccionadas que buscan un lugar en la nominación al Oscar por Mejor Película Extranjera, se proyectarán las representantes de Georgia y Kirguistán, e Uruguay con La Vida Util. Esperamos traer un poco más de esta siempre interesante y grata muestra, que llevamos años cubriendo. Mientras aquí va el programa con los horarios. Más info por acá. Todas las funciones se llevan a cabo en el Teatro 2.
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This is part of the Supporting Actress Class-Of-2010 Blogathon hosted by Stinky Lulu. For more amazing entries go here.
As you know, this tradition is very special to a lot of people, so I’m more than happy to see the return of Miss Stinky Lulu and her creation, the Supporting Actress Blogathon, which I’ve been a contributor to since the Class of 2007 (Geraldine Chaplin). Also in 2008 (Candela Peña) and last year (Carmen Machi). So, without further ado, here we go…
Debido al éxito de nuestro post del año pasado y de la inminente participación en la Mexacritic 2011, donde nos juntamos para celebrar y promediar los filmes mexicanos del año en curso, volvemos a nombrar los mejores cinco filmes de México que pisaron tierra estadounidense. A lo largo del 2010 presenciamos alrededor de 20 filmes, lo que representan casi un 40 por ciento de los estrenos mexicanos que se llevaron a cabo allí, así que la selección fue abundante y diversa. Y nos quedamos con...
1.- Alamar (2009), Pedro González-Rubio
El mejor híbrido de ficción y documental (no quiero saber cuál es cuál) del 2010, es una carta de amor a la vida. La despedida de un padre, un viaje a un lugar mágico y un niño receptivo a la aventura, lo hacen uno de los filmes más emotivos del año, sin que se lo proponga. En su segunda producción González-Rubio, quien se alzó con cuanto premio se le puso enfrente, hizo de todo: escribió, editó y dirigió. Y todo le salió excelente.
¡Feliz Año a todos! Comenzamos con el balance anual de nuestro cine en Estados Unidos, y en particular en Nueva York, en este espacio. Los temas de la taquilla, la crítica y todo lo referente a lo mejor y peor que nuestros ojos vieron, vendrán en los próximos días. Como saben la crítica especializada en Estados Unidos, sigue como parte fundamental de la industria del cine y a pesar de los pocos espacios y la gran oferta que existe en la Internet, los medios tradicionales siguieron vigentes durante el 2010.
Así que muchos se preguntarán: ¿cuál fue la relación de este sector con los 20 estrenos que pisaron nuestra ciudad? De los dos sitios principales, el más confiable es Metacritic y fue de aquí donde obtuvimos los datos, tal y como lo hicimos el año pasado.