Friday, May 27, 2011

Reseña: Rompecabezas (Puzzle)

La ópera prima de Natalia Smirnoff, Rompecabezas (Puzzle), es una encantadora historia que ofrece una mirada sútil, pero que no termina por cuadrar esa última pieza liberadora debido a su rigidez de manufactura. La incomparable e inolvidable Mujer sin Cabeza, María Onetto interpreta a María del Carmen, una ama de casa que ha pasado las últimas décadas al servicio de su esposo e hijos. Después de su fiesta de cumpleaños, en la que ella realiza todo, descubre uno de los regalos: un rompecabezas. Su curiosidad, al parecer nunca los había visto, genera una pasión incontrolable (seamos son honestos, ¡son adictivos!) desde el primer momento. María descubre, que no solo puede ser la mejor ama de casa, entretener gente y estar al pendiente de sus hijos, sino que puede armar rompecabezas de manera muy rápida. Esta nueva pasión, que sirve como acto liberador, la llevan a comprar más y en una de esas visitas se entera de un concurso de parejas.

Roberto (Arturo Goetz) ha puesto un anuncio para encontrar a la mujer, con la planea competir y así representar a Argentina en el mundial de los rompecabezas a celebrarse en Alemania. María tiene el talento e interés y con un poco de verguenza (¡no tiene una cuenta de correo electrónico!), decide contactarlo. Ambos simpatizan y a escondidas de su familia, María comienza a entrenar con él. Por primera vez en mucho tiempo, María tiene control de su vida; el encantador Roberto está a su lado, ¿qué tal lejos llegará?

Rompecabezas cumple en lo general; es un admirable debut, en donde si bien el concepto del plano cerrado, que revela intimidad tal y como si fuera una pieza en el rompecabezas de María, funciona pero llega a cansar. Para alguien que seleccionó a sus actores (Smirnoff lo reveló en una entrevista), en base a su talento en la comedia, sorprende que no hayan desarrollado esa fase. Onetto y Goetz, están entregados a sus personajes, como es de esperarse. Quizás la ópera prima de Smirnoff no se convierta en un clásico del cine argentino, pero sin duda esta directora tiene su propia voz y ninguna sombra que la persiga.
Rompecabezas se estrena hoy en IFC Center

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Indie Brazil 2011: Hollywood Brazilian Film Festival

Como bien saben solo nos encargamos de informar y reseñar de lo que acontece en la Gran Manzana respecto al Cine de Iberoamerica, es decir Cine Latino en Nueva York. En unos días, y por primera vez en este medio, eso cambiará un poco. La residencia es solo circunstancial, pues con la internet, uno puede escribir de lo que sucede en Miami, desde su hogar en El Bronx. En ese sentido, y de manera virtual, tendremos unas reseñas de algunas de las cintas que se presentarán en el Tercer Festival de Cine Brasileño de Hollywood (HBFF, por sus siglas en inglés), que se llevará a cabo en Los Angeles, California del 1 al 4 de junio. Mientras en Nueva York, se tienen dos muestras de cine brasileño durante el verano, que se vienen realizando desde hace varios años y enfocadas al espectador, en la ciudad californiana está orientada a llamar la atención de la poderosa industria, de los distribuidores y de fomentar una audiencia. Y para eso, se puede leer que todos los eventos serán gratuitos, varios de los directores y talento actoral, estarán de visita. Así que para quienes nos leen desde la Costa Oeste, aquí va el programa oficial con algunos tráilers, y para el resto vendrán algunas reseñas de lo que se podrá ver pronto en Nueva York y quizás por donde tú vives. 

Miércoles 1 de junio, 8 pm
Riscado (Craft, 2010), Gustavo Pizzi. 85 min.



Recife Frio (Cold Tropics, 2010), Kleber Mendonça Filho. 24 min. 

6/2 – 7 pm

A Fuga da Mulher Gorila (The Escape of the Gorilla Woman, 2009), Felipe Bragança & Marina Meliande. 82 min.

Distração de Ivan (Ivan’s Distraction, 2010), Cavi Borges & Gustavo Melo. 17 min.

9 pm
A Alegria (The Joy, 2010), Felipe Bragança & Marina Meliande 100 min.

Divino, De Repente (Divino Freestyles, 2010), Fábio Yamaji. 6 min.

6/3 – 5 pm
Desassossego (Never Quiet - Film of Wonders, 2011), Felipe Bragança & Marina Meliande. 63 min. 

Chantal Akerman de Cá (Chantal Akerman from Here, Brasil/Bélgica 2010) Gustavo Beck & Leonardo Luiz Ferreira. 61 min.

7:30 pm 
Estrada para Ythaca (Road to Ythaca, 2010), Guto Parente. 70 min.

Fantasmas (Ghosts, 2010), André Novais Oliveira. 11 min.

9  pm 
Por el Camino (Beyond the Road, Brasil/Uruguay 2010), Charly Braun. 85 min.



Contagem (2010), Gabriel Martins & Maurilio Martins. 18 min.

6/4, 2:30 pm 
Vida Sobre Rodas (Life on Wheels, 2010), Daniel Baccaro. 109 min. 

5 PM
Reflexões de Um Liquidificador (Reflections of a Blender, 2010), André Klotzel. 82 min. 

Avós (Grandmothers, 2010), Michael Wahrmann. 12 min.

7 pm 
Bollywood Dream (Brasil/India/USA 2011), Beatriz Seigner.  90 min.

Handebol (2010), Anita Rocha da Silveira. 19 min.

9 pm 
Rosa Morena (Brasil/Dinamarca 2010), Carlos Augusto de Oliveira. 86 min.



Bailão (The Ball, 2010), Marcelo Caetano. 17 min.

Para más información más detallada (locación, filmes y directores presentes) aquí.

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Tuesday, May 24, 2011

TFF 2011: Carol Channing: Larger Than Life, Jiro Dreams of Sushi & Mi Ultimo Round

Carol Channing: Larger Than Life (Dori Berinstein) es un repaso ágil y entretenido de la carrera de esta veterana actriz del teatro musical, mejor conocida como la Primera Dama de Broadway, quien a sus 90 años continúa activamente. El documental ofrece momentos memorables, segmentos animados e imágenes únicas de la eterna Hello Dolly! Sin duda, será un éxito en Nueva York y bien podría ser el Joan Rivers - A Piece of Work, del 2011, pero será difícil dado que se espera la audiencia sea solo de aquellos entusiastas de Broadway, no obstante Carol Channing: Larger Than Life trasciende esas barreras.

Todo lo que aparece en Jiro Dreams of Sushi (David Gelb), luce atractivo, simple y sofisticado. Difícil imaginar que estamos describiendo un símbolo de la comida japonesa: el sushi. En este soberbio documental que combina a la perfección esos elementos culinarios, sin que dominen la historia o cansen al espectador, Gelb logra un íntimo acercamiento con el maestro de maestros, Jiro Ono, un hombre de 85 años que es venerado a nivel mundial. El restaurante al que solo entran 10 personas, la dinámica familiar, la técnica del sushi, la esperada sucesión y el porqué de su éxito, son algunos de los temas que Ono discute mientras prepara algunas de sus especialidades. Para sorpresa de muchos, se trata de un interesante debut y dará de que hablar a finales de año. Se estrena en el otoño. Uno de mis favoritos del 2011.

Mi Ultimo Round (Julio Jorquera) es una buena intencionada historia de amor, entre dos hombres de un pueblo pequeño en Chile, que falla en evocar a lo que aspira. Un boxeador y un ayudante de cocina mucho más joven, deciden llegar a la capital chilena en busca de algo, sin que sea bastante claro (¿aceptación, libertad, trabajo, o amor?). Jorquera decide irse por la línea seria, lenta y un tanto convencial, que su narrativa carece de fuerza. Si bien se logra una buena respuesta por parte de los actores, en Mi Ultimo Round los momentos importantes y el clímax de la historia están rodeados por una predecibilidad desde menos de la mitad de su trayectoria.

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Saturday, May 21, 2011

Colombia Zoom In: Cine Colombiano en Nueva York

Primero fue Cuba, y ahora es turno de una cinematografía quizás no tan grande como la anterior, pero que tiene mucho para ofrecer. Colombia, país que se estima se filman 10 cintas al año (puede que con las co-producciones se eleve esa cantidad), tendrá su primera muestra en Nueva York, con el evento Colombia Zoom In. Del 23 al 26 de mayo, en el Centro Rey Juan Carlos I de España de NYU (KJCC), se llevará a cabo esta muestra con lo más significativo de los dos últimos. Algunos títulos ya pasaron por nuestra tierra, pero otros se exhiben por primera vez. La selección estuvo a cargo de Diana Vargas, habrá algunos invitados especiales y no podría ser un evento colombiano sin que faltarán unas empanadas al termino de la función. Aquí va el programa completo.

Colombia Zoom In

Karen Llora en un Bús (Colombia, 2010), Gabriel Rojas. 98 min.
Homenaje a El Poe [Ricardo León Peña-Villa, 1961-2011], Colombia/USA 2008, Sebastian Gutiérrez. 8 min.
23 de mayo, 7:00 pm. 

Mamá Chocó (Colombia, 2010), Diana Kuellar &Andrés Giraldo. 2010. 60 min.
24/5, 6:00 pm. 

Los Viajes del Tiempo (Colombia, 2009), Ciro Guerra. 112 min.
24/5, 7:15 pm. 

La Pasión de Gabriel (Colombia, 2009), Luis Alberto Restrepo. 92 min.
25/5, 6:00 pm. 

Chance (Panamá/Colombia, 2009), Abner Benaim. 90 min.
25/5 7:40 pm. 

Cortos Colombianos 2010
El Corazón de la Mancha, Rubén Mendoza. 23 min.
Eskwe quiere decir Colibrí, Mónica Mondragón. 17 min.
Esto es un Revólver, Pablo González. 21 min.
26/5, 6:00 pm. 

*Retratos en un Mar de Mentiras (Colombia, 2010), Carlos Gaviria. 88 min.
El Trompetista (Colombia/USA, 2011) Miguel Rueda. 6 min
26/5, 7:00 pm.
*Con la presencia de la actriz Paola Baldión.

Las proyecciones son gratuitas y son en video. Más información aquí.

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Friday, May 20, 2011

TFF 2011: L'amour fou

L'amour fou (Francia, 2010) de Pierre Thoretton, no es el típico documental póstumo de un diseñador de modas de fama internacional. Y no es que Yves Saint Laurent lo necesite a tres años de su muerte, ya que existen otros filmes que han explorado su obra y trayectoria. Lo fascinante de L'amour fou, es el giro que logra a través de la visión de este joven director francés, quien está preocupado en lo que dejó Saint Laurent. Y eso incluye a su novio y pareja de toda la vida: Pierre Bergé. Si bien el filme abre con el anuncio, de parte de YSL, sobre su retiro y posteriormente su funeral, es evidente que el centro de atención es la subasta de su colección de arte, que está organizando Bergé. A partir de aquí, es él quien comanda el filme y su testimonio, creíble un tanto frío a veces, sirve de guía para explorar no solo el hogar y los objetos que ambos conservaron, sino su relación con el afamado diseñor: los demonios, los triunfos, las grandes pasarelas, los viajes a Marruecos y Nueva York. Asimismo, por momentos la cámara de Thoretton se vuelve contemplativa y silenciosa, nunca en exceso; su intención es poner en perspectiva al espectador sobre un bien material. ¿Qué tan importante es una pieza de arte, que puede valer millones de dólares, en la vida de alguien? ¿Se honra su memoria al conservar sus pertenencias? Intesantes cuestiones que se plantean y aunque sabemos que se llevó a cabo la subasta, y que fue todo un éxito, no deja de ser fascinante.  El balance entre entrevistas, imágenes, videos, es redondo; lo mismo impresiona a los interesados en la moda, y aquellos que desconocen el nombre de Yves Saint Laurent. 

Ahora se exhibe en IFC Center.

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Thursday, May 19, 2011

Cine Cubano en BAMcinématek

¿Fuiste uno de los que se perdió, como nosotros, el Festival de Cine de la Habana en Nueva York? ¿No tienes nada que hacer para, según unos incautos, el fin del mundo? Este fin de semana, del 20 al 22 de mayo, la BAMcinématek presenta una serie con lo más reciente del cine cubano. Con esta pequeña muestra unen esfuerzos el HFFNY y BAMcinématek con motivo del Festival ¡Sí Cuba! Son seis producciones, que incluyen a la seleccionada al Festival de Sundance (Boleto al Paraíso), el debut de dos actores en la dirección (Afinidades y la presentación de un filme poco exhibido del maestro Gutiérrez Alea. Aquí va el programa y los horarios:

Habana Eva (2010), Fina Torres. 100 min.
20 de mayo, 2 pm & 6:50 pm

Los Sobrevivientes (The Survivors, 1978) Tomás Gutiérrez Alea. 120 min.
20/5, 4:30 & 9:15 pm

Eso que Anda (Van Van Fever, 2010) Ian Padrón. 70 min.
21/5, 2 & 6:50 pm

Afinidades (2010) Jorge Perugorría & Vladimir Cruz. 87 min
21/5, 4:30 & 9:15 pm

Boleto al Paraíso (Ticket to Paradise, 2010), Gerardo Chijona. 88 min.
22/5, 4:30 & 9:15 pm

Casa Vieja (Old House, 2010), Lester Hamlet. 87 min.
22/5, 2 & 6:50 pm

Más información por acá

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Wednesday, May 18, 2011

Tráiler de Rompecabezas (Puzzle)

¡Esta es una buena noticia! Si tengo bien entendido, puede que esta sea la primera vez que Sundance Selects —distribuidora que pertenece a la ya establecida IFC Films— se encarga de llevar en circuito limitado de cines y del Video en Demanda por cable (VOD, por sus siglas en inglés) de Estados Unidos, una cinta latinoamericana. El honor, en caso de que así lo sea, corresponde a la ópera prima Rompecabezas de Natalia Smirnoff, quien ha laborado con Lucrecia Martel, Jorge Gaggero, entre otros reconocidos directores argentinos. El filme cuenta la historia de una mujer cincuentona —la siempre excelente María Onetto (La Mujer sin Cabeza)— que descubre una pasión desconocida: armar rompecabezas. Con este reciente pasatiempo, también vienen cosas nuevas que jamás se había planteado. La cinta se estrena el próximo 27 de mayo en el complejo del IFC Center y mientras trabajamos en una reseña, María Bertoni de Espectadores tiene un adelanto y sin faltar aquí va el tráiler.

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Sunday, May 15, 2011

Entrevista: Karim Aïnouz

Para los conocedores del cine internacional, el nombre de Karim Ainouz, dice mucho. Hace unas décadas, un joven brasileño quien estudió arquitectura, encontró su verdadera pasión en el cine. Fue en Nueva York, lugar que vivía una de sus etapas más difíciles pero creativamente estaba pasando por su mejor momento, donde adquirió la experiencia. Su primer trabajo grande, asistente en la dirección, ocurrió con Todd Haynes en el clásico indie Poison (1991). Pasó más de una década para que Karim debutará en la dirección y lo hizo con Madame Sata, un referente no solo en el cine latinoamericano, de temática gay, sino del cine brasileño. Trabajos en televisión y como guionista le han seguido, así como su segundo filme Love for Sale. Ahora considerado como uno de los directores más reconocidos de Brasil y quien sigue con varios proyectos, tuvimos la oportunidad de entrevistar a Ainouz con motivo del estreno en Nueva York de I Travel Because I Have To, I Come Back Because I Love You (en codirección con Marcelo Gomes) hace unas semanas. Sin embargo, decidimos guardarla con motivo de la presentación de Love for Sale en el ciclo de los 10 años de Cinema Tropical que organizó MoMA y de su incursión de último momento en el Festival de Cannes (Directors Fortnight) con su más reciente película O Abismo Prateado. La entrevista se desarrolló en inglés.

Christian Del Moral: Comenzaste a trabajar hace 12 años en I Travel Because I Have To, I Come Back Because I Love You, ¿me pregunto si existía un guión inicial y cómo evolucionó?

Karim Aïnouz: Esto parte de un viaje que Marcelo y yo hicimos. Ambos estábamos cansados de esperar por dinero para hacer un filme. Recibimos un fondo para hacer una investigación para un guión de una película, no sabíamos de que iba hacer. Sin embargo, estábamos tan desesperados por filmar algo, que el dinero que obtuvimos, lo utilizamos para filmar. La cantidad era suficiente para rentar una camioneta, traer a tres amigos: el director de fotografía, un productor que ayudó con la logística, un asistente que nos apoyó con la cámara y el sonido, y claro el chofer. Fueron dos meses y filmamos sin parar, con todo lo que teníamos en nuestras manos (cámaras Super 8, DVCam y High 8). Así comenzó este proyecto, no parecía un filme sino un archivo de imágenes. Era como un video-diario de ambos, sobre nuestras experiences de ir a casa, sin que fuera nuestra casa —ambos tenemos familiares que vienen de esa región Sertão—. Pasaron los años y queríamos editarlo, pero no teníamos nada de dinero, así que solicitamos otra beca para hacer una pieza de 26 minutos con lo que ya teníamos filmado. Y eso, es en gran parte de lo que se ve en I Travel... Cuando lo vimos —no habíamos utilizado ningún eje narrativo y básicamente era un collage de situaciones, que se podrían organizar en una estructura lineal—, pensabamos que funcionaría mejor como un filme que una instalación visual. Así que dijimos "hagamos algo con esto, que comunique y evoque lo que sentimos cuando fuimos a esta región" y así llegamos con I Travel... que tenemos desde hace tres años.

CD: Esta colaboración captura una trama única con una gran visión y sonido, toda una experiencia ¿Cómo la armaron?

KA: ¡Queríamos jugar! A veces para hacer un filme hay tanto dinero de por medio y cuestiones de logística, que en la gran mayoría de los casos solo se trata de hacerlo de la manera correcta y creo que con este filme, lo primero que dijimos fue: "quizás no tengamos una película, pero que no importe ya lo filmamos y no tenemos nada que perder. Experimentemos y veamos que tan lejos podemos llegar con los elementos que tenemos —además de cosas que después incorporamos— para transmitir una historia, crear una atmósfera y así crear un retrato del lugar". Esa era la premisa inicial de la película. Para resumir, se trata de una historia de amor, de alguien quien ha sido abandonado, pero estas son solo capas y elementos que forman parte de esa región. Cuando pienso en este filme, creo que está más cercano más a un video-diario sobre el paisaje y retratos, eso es.

I Travel... 

CD: Pienso que este trabajo es una clara novedad, en relación con tus producciones anteriores. Por un lado, es más experimental con algo de documental, sin embargo estamos ante un viaje emotivo por parte de un hombre que ha sido abandonado y me hizo recordar otros de tus personajes en Love for Sale y Madame Sata, que están ante similar búsqueda. ¿Qué deseabas explorar con este personaje de I Travel) 

KA: Queríamos hacer una historia con un personaje heterosexual, quien es vulnerable ya que casi nunca se ve [en el cine] la masculinidad y vulnerabilidad construídas de manera paralela. [Encontrar a este personaje] fue una nuestras grandes inquietudes e incluso nos preguntamos si debería de ser mujer. Pero yo venía de hacer una película súper femenina (Love for Sale) y pensé que no era lo correcto, ambos queríamos hacer algo nuevo. Y como bien dices, dado los personajes de mis historias anteriores, definitivamente éste era una aventura para mí.

Love for Sale 

CD: En términos de música y ahora que mencionabamos Love for Sale, una de mis cintas favoritas de la década en América Latina, que tiene una banda sonora increíble... 

KA: Precisamente, ayer estaba en un restaurante en Downtown [la parte baja de Manhattan] y se escuchaba esa famosa canción de Bread que está al comienzo de Love for Sale [una versión en portugués] y si es verdad me encantó, creo que es bello.

CD: Vemos que la música es una parte vital en tus películas, ¿cómo seleccionas las canciones? ¿Es de acuerdo a lo que esté disponible, las necesidades del personaje, lo que posiblemente quiera escuchar la audiencia o es gusto personal? 

KA: Es muy extraño, porque siempre peleo [creativamente] con la gente que trabajo [encargada de la música]... no tengo idea sobre la música, no soy experto y no tengo un buen oído, pero lo divertido del asunto es que cuando estoy filmando sé que es lo que quiero incluir. Por ejemplo, el año pasado terminé de filmar una película que básicamente parte de una canción, y haré otra que nació de un tema de David Bowie... No sé que tan interesado estoy en bandas sonoras, lo que sí me interesa son  las canciones y como éstas de alguna manera nos llevan de un sitio en el filme a un lugar para recordar. Así que al final, para contestar tu pregunta, sí selecciono la música..

O Abismo Prateado

CD: Ahora que hablas de tus próximos proyectos, O Abismo Prateado (The Silver Cliff) es una historia sobre el desamor ¿y la otra será filmada en Alemania, cierto? 

KA: La primera es sobre una separación y está inspirada en una canción de Chico Buarque Olhos nos Olhos, la otra es acerca de dos hermanos. El mayor de ellos, se enamora de otro chico, decide dejar su su familia y el país, se va Alemania. En sí, él no quiere que se enteren que es gay, y su hermano menor, después de varios años y una vez que puede dejar la casa, comienza su búsqueda en Alemania. Para él, su hermano es un héroe.

CD: Escuché que en O Abismo Prateado participa Carla Rivas (Alice's House) y Lucía Puenzo (XXY, El Niño Pez), quien colaboró en el guión. ¿Qué nos puedes decir de ellas?

KA: ¡Carla es incríble! La conocía a través de Chico Teixeira, el director de Alice's House y dije: ¡debo de trabajar con ella! Y eso sucedió cuando estaba dirigiendo Alice, una serie para HBO y para este película también pensé en ella. Carla forma parte del elenco, no tiene una gran participación, son solo dos escenas, pero es fenómenal. Es un placer increíble trabajar con ella, es una actriz de verdad. Hace mucho teatro y creo que está muy feliz haciendo lo que quiere. Respecto a Lucía, con esta película tenemos a Beatriz Bracher (Os Inquilinos), una escritora de ficción súper talentosa. Es un filme sobre una separación y un personaje femenino de 40 años, pensamos que esta escritora sería increíble pero en medio del proceso nos dimos cuenta que había algo bien específico que faltaba, y que solo un guionista puede llevar a cabo. Y Lucía llegó como consultante para replantear ciertas escenas y proporcionar ideas, que estaban en papel pero que para mí eran muy difícil de incorpararlas. Ella es maravillosa, nada complicada; lo cual fue increíble porque muchos piensan que escribir es una cosa de sufrir y aquí tenemos una mujer explotando con ideas y sugerencias. Fue una experiencia increíble de trabajo que tuvimos los tres (Puenzo y Brancher).

CD: ¿En qué proceso están las dos producciones? 

KA: La primera debería de estar lista para julio, y las filmaciones de la otra comienzan diciembre, así que empezaríamos con la preproducción en septiembre.

CD: Por último, sé que pasas tiempo en Nueva York ¿cómo ha influenciado la ciudad tu trabajo y si te ves filmando aquí?

KA: Okay, interesante pregunta… porque viví tres partes de mi vida aquí, me convertí en adulto en Nueva York y lo dejé porque realmente quería hacer películas en Brasil. Durante ese tiempo no estaba interesado en filmar en inglés. Lo primero que ha influenciado mi trabajo, es que llegué en un momento que en términos de la cinematografía, todo era posible. La ciudad era un desorden, todo era confuso y estaba la crisis del SIDA, y una de las grandes lecciones que aprendí en Nueva York, y sé que suena a cliché pero sin ese sentido de posibilidad no estaría haciendo películas, sería un arquitecto. Eso nadie me lo hubiera dado, fue increíble haber vivido aquí durante ese tiempo. Sin embargo, la ciudad ha cambiado mucho, no he estado aquí desde un año, ya que me la he pasado entre Berlín y Brasil, no es un lugar en el que podría trabajar ahora mismo, pero al mismo tiempo es una ciudad que da mucha energía.
Love for Sale se presenta hoy en MoMAos 10 años y I Travel Because I Have To, I Come Back Because I Love You se exhibe a partir del 19 de mayo en Miami en O Cinema.

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Friday, May 6, 2011

Entrevista: Daniel Vega, Octubre

En menos de un año se han estrenado en Estados Unidos de manera comercial y limitada, varias películas peruanas (La Teta Asustada, Contracorriente, Altiplano), desplazando así al gigante de Brasil. Si bien varias de ellas son coproducciones, los críticos, el público, las distribuidores y los festivales, están poniendo atención al talento de esa nación. Ahora un dueto de cineastas jóvenes peruanos, Daniel y Diego Vega, llegan con la cuarta producción a estrenarse directamente de Lima. Se trata de su ópera prima Octubre (New Yorkers Films), la única cinta peruana que ha ganado algo en el Festival de Cannes. Para sorpresa de muchos, el premio no solo fue algo, sino el principal que se otorga en Una Cierta Mirada y desde entonces Octubre se ha mantenido en el circuito festivalero y en las salas de cine de varios países. Hoy se estrena en nuestra ciudad, en el Lincoln Plaza Cinemas y Angelika Film Center, después de su presentación en el New Directors/New Films. La cinta relata la histora de un solitario hombre, que presenta dinero en el barrio y quien recibe un pequeño regalo de una de las prostitutas que tanto frecuenta. Entre procesiones religiosas, dinero falso, una niña abandonada y una mujer que necesita disfrutar de su sexualidad, vemos en Octubre que la avaricia va de la mano con el amor, y el deseo del pecado.

Durante su estancia en Nueva York, hace unas semanas, nos encontramos con uno de los hermanos Vega, Daniel para ser exactos, quien nos hablo de lo que esperan, los procesos de rechazo, del trabajo actoral y que películas peruanas debemos ver pronto.

Christian Del Moral: ¿Qué expectativas tienen con el estreno de Octubre en Estados Unidos?

Daniel Vega: Si me hubieras preguntado eso, sin haber estado en Cannes, y me hubieran dicho que [Octubre] se estrenaría en Nueva York, hubiera dicho: ¡wow, increíble! Ahora es emocionante la verdad, porque estoy aquí, hemos estrenado en Francia, Alemania, en lugares y mercados de cine grandes. Y veo que la gente está interesada. ¿Expectativas? Ojalá que vaya la mayor cantidad de público posible, y que la gente la vea. Como toda película, habrá gente que le guste más, le guste menos, algunos no les gustará... Lo que me gusta de las reacciones de la película, es que la gente se vuelve fan, le llega tanto la película. Yo siento que es porque hablamos de la condición humana por encima del contexto en el que se esté, ese siempre fue nuestro foco. Hablamos de la fe, que existe en todas partes del mundo y de diferentes formas, del deseo, de la soledad, de la avaricia y esos son temas universales, creo que por ahí está la conexión con el público.



CD: ¿Crees que el gusto o la sorpresa por la película, sea mucho mayor, tomando en cuenta que fue rechazada en dos ocasiones [por la organización que otorga fondos para filmes en Perú] y el guión que cambió 10 veces? 

DV: No sé, si es sea así... Nos recharazon tres veces, y a la cuarta ganamos y nos dieron el fondo local. Antes de haber sido seleccionados en Cannes, nos rechazaron en tres o cuatro festivales ¡antes de estar en el más importante! Estábamos un poco deprimido, puede sonar un poco frívolo, pero necesitas que alguien te dé un reconomiento por tu trabajo para sentir que estás haciendo las cosas bien, tú solo no te das cuenta que vas por un buen camino. Es frívolo, pero lo necesitas para creer un poco en ti mismo.

CD: Y más porque en Perú como dijiste el guión lo rechazaron tres veces...

DV: Sí pero bueno, es normal al final uno entiende después de estos procesos de rechazo y éxitos, que al final todo depende de un grupo de personas que se sientan a discutir [tu proyecto] como jurado que lee el guión y  dice me gusta o no me gusta. Al final depende de los gustos de las personas y de los jurados que te toquen, todo es tan subjetivo... Quería retomar lo que me preguntaste, si nos gusta más por todo el tiempo que ha pasado... creo que el tiempo que pasó nos ayudó a encontrar la película que queríamos contar porque comenzó con una idea completamente distinta a como termino. Y en el camino, cuando nos dimos cuenta de lo que queríamos contar durante esos siete años, nos desviamos y después regresamos a lo que deseabamos contar. Es toda una búsqueda...

CD: ¿Cómo fue el proceso de trabajo con los actores? 

DV: Cuando ya estaban seleccionados, nos sentamos alreadedor con los tres actores principales y leíamos el guión, y mientras hacíamos eso, ellos mismo nos iban dando [sus impresiones] y cambiamos diálogos, eliminabamos cosas porque el actor al final se vuelve parte de la creación. El guión es como un esqueleto que se va mutando e incluso en la edición, es parte de la construcción de la historia que estás creando. Estas "mesas italianas" nos ayudaron para ir puliendo el guión y el tono de la película. Les dimos unas películas para que vieran, la energía que queríamos transmitieran en el set, ellos son del teatro y ahí tienden a proyectar mucha energía. Y si le pones esa energía en una cámara, dice que estás sobreactuando, y no es así, están proyectando mucha energía. Y por eso necesitabamos modularla, esa era una gran preocupación la actuación pero tratamos de crear una unidad incluso en los roles más mínimos. Luego también hicimos algunos ensayos en locación.

CD: Por otro lado regresan a Cannes... 

DV: Nuestro segundo proyecto ha sigo elegido para L'Atelier de Cinefondation, es un proyecto incipiente recién estamos en una segunda versión del guión, que está bastante armado. Esperamos no tardarnos siete años, con las expectativas para ver si la gente está interesada en nuestro trabajo. Se llama El Mudo y a rasgos generales puedo decir que se trata de un funcionario público honesto en un mundo de corrupción y al que le sucede una tragedia. Y piensa que alguien de su oficina lo quiere matar y emprende una búsqueda absurda para encontrar al culpable de sus desgracia, por ahí va la historia. 

CD: ¿Qué tan optimista estás sobre el cine peruano? 

DV: Siento que será muy común de hoy en adelante ver cintas peruanas en distintos festivales del mundo. Eso a raíz de los exitos que han tenido las películas, desde que empezaron con Claudia Llosa con Madeinusa, y Josué Méndez con Días de Santiago, y antes con Lombardi, que ha tenido muchos éxitos... como que se siente en el país. Y justo hoy en la fecha límite para presentar proyectos de coproducción (con el fondo local) y se estima que habrá muchísimos más proyectos que el año pasado. Creo que hay mucha gente que tiene más confianza que lo puede lograr y esos es bueno para el espectador peruano, que tenga oferta de cine. 

CD: ¿Alguna película o director peruano que todavía no llegue a Estados Unidos y que debamos saber sobre ellos?

DV: Paraíso de Héctor Gálvez, quien es un gran director, es una de las mejores películas peruanas que he visto en los últimos tiempos. Dicen, no la he visto porque recién se estrenó en el Festival de Berlín, solo he visto el tráiler y se ve muy interesante, es Las Malas Intenciones de una chica que se llama  Rosario García-Montero, es una ópera prima. 

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Wednesday, May 4, 2011

TFF 2011: The Ballad of Genesis & Lady Jaye

A través de los años, además de los documentales y recientemente de la sección de Medianoche, Tribeca ha mantenido una plataforma especial para el cine experimental. El par de títulos que ofrecen cada año, por lo regular no pasan desapercibidos. Este año no fue la excepción, y aunque para muchos no es del todo experimental, el meritorio documental The Ballad of Genesis & Lady Jay (Marie Losier), tiene mucho de ese gran género. La provocadora historia se centra, en la relación sentimental y artística, de la pareja comformada por Genesis Breyer P-Orridge, exponente de la música subterránea, y Lady Jay, quien falleció hace unos años. Filmada a lo largo de varios años, con increíble imágenes de conciertos y momentos íntimos, se documenta la búsqueda de ambos por llevar su creatividad a otros niveles. No conformes con lo establecido, Genesis opta por lucir más como su adorable esposa y así inician una nueva etapa como pareja. La transformación en la que ambos se someten, para convertirse en uno, es única y especial. Su directora, quien viene de la escuela del avant-garde, incorpora ciertos elementos visuales, que elevan la calidad narrativa. La historia nunca se presenta como un tributo, es una declaración de amor fuera de toda convecionalidad.


The Ballad of Genesis and Lady Jaye // Trailer from Marie Losier on Vimeo.

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Tuesday, May 3, 2011

Estrenos: Octubre y Los Colores de la Montaña


Después de presentarse en un par de festivales de cine Nueva York, dos cintas latinoamericanas llegan este fin de semana a la cartelera comercial. Durante el New Directors/New Films se presentó Octubre (Perú, 2010) de los hermanos Daniel & Diego Vega y como saben fue adquiera por New Yorkers Films. Ya tuvimos la oportunidad de ver esta ópera prima y tendremos una entrevista con uno de los directores para el jueves. Octubre se estrena en el Angelika Film Center. Aquí va el tráiler...



La otra gran sorpresa es la colombiana (en coproducción con Panamá) Los Colores de la Montaña, de Carlos C. Arbeláez que generó una gran respuesta durante su exhibición en el Havana Film Festival New York. No la pudimos ver, pero afortunadamente su distribuidora Film Movement ya preparaba su estreno, que se llevará a cabo en el Cinema Village. Su trailer a continuación...



Ahora solo esperemos que ambas encuentran la audiencia necesaria en este apretado fin de semana en Manhattan. 

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Monday, May 2, 2011

10 Años de Cinema Tropical en MoMA


Conozco la labor de Cinema Tropical desde hace años, como espectador y periodista. Así que no me sorprende el merecido reconocimiento que del 4 al 15 de mayo el Museo de Arte Moderno (MoMA) tiene preparado para celebrar los 10 años de la organización que fundó Carlos A. Gutiérrez y Monika Wagenberg. Las celebraciones comenzaron desde el año pasado con varios eventos, pero sin duda este es el más importante en la historia de la admirada asociación. Con este logro y organizado por Jytte Jensen, curadora del Departamento de Cine, se proyecta una muestra ecléctica y nada predecible, que bien resumen esta primera década: excelentes documentales, nuevos talentos y voces consagradas. Uno de los eventos del año, que seguro marcarán un hito en la historia del cine latinoamericano en Nueva York. Aquí va el programa completo, con algunas de nuestras opiniones.

Programa Completo
In Focus: Cinema Tropical
  • Historias Extraordinarias (Argentina, 2008), Mariano Llinás. 245 min.
La curiosidad por este filme existe desde su llegada hace un año al Havana Film Festival New York y luego de su paso por Latinbeat; el problema ha sido encontrar tiempo para las cuatro horas que dura y así apreciarla. Es la única cinta que se presenta toda la semana. ¿Habrá tiempo? Con la presencia de Llinás*
4 de mayo, 2:00* (T1)
5 de mayo, 6:00* (T1)
6 de mayo, 3:00 (T1)
7 de mayo, 1:00 (T2)
8 de mayo, 4:00 (T2)
9 de mayo, 4:00 (T1)

  • Turistas (Chile, 2009), Alicia Scherson. 105 min.
Otra que también se nos pasó cuando se presentó en la ciudad, su primera cinta Play es fascinante.    Con la presencia de Scherson.
4 de mayo, 7:00 (T1)
14 de mayo, 4:00 (T2)

  • Trópico de Cáncer (México, 2004), Eugenio Polgovsky. 52 min.
Como bien saben, Los Herederos, segundo filme de Polgovsky, es ya un clásico del nuevo cine documental mexicano y por tal motivo esta ópera prima es imperdible.
5 de mayo, 4:00 (T1)
14 de mayo, 2:00 (T2)

  • Copacabana (Argentina, 2007), Martín Rejtman. 52 min. 
Un estreno en Nueva York, que contará con la presencia de su director y de la que hemos escuchado notable comentarios.
6 de mayo, de 8:00 (T1)
15 de mayo, 5:30 (T1)

  • Toro Negro (México, 2005), Pedro González-Rubio y Carlos Armella.87 min.
Alamar fue uno de los mejores híbridos que pasaron por la Gran Manzana y el mundo, así que no debe de existir la excusa para no ver la ópera prima de González-Rubio en conjunto con Armella
7 de mayo, 8:00 (T1)
13 de mayo 7:00 (T2)

  • 25 Watts (Uruguay, 2001), Pablo Stoll y Juan Pablo Rebella. 94 min.
Quizás sea la cinta que puso en el mapa festivalero internacional a esta nación Sudamericana, que además está celebrando su décimo aniversario.
8 de mayo, 1:30 (T1)
16 de mayo, 8:00 (T3)

  • Santiago (Brasil, 2006), João Moreira Salles. 80 min.
Este documental lo apreciamos hace años en Tribeca, el cual no causó ningún impacto. ¿Será que merece una segunda vista? ¡Eso creemos!
11 de mayo, 6:00 (T2)
15 de mayo, 3:30 (T1)

La segunda producción de esta joven directora ofrece un sutil e inocente retrato de cuando las clases económicas y sociales colindan.
12 de mayo, 4:30 (T1)
14 de mayo, 8:00 (T1)

Cuando se presentó el año pasado en Latinbeat notamos que "sobresale por su delicada fusión entre ficción y documental".
12 de mayo, 8:00 (T1)
16 de mayo, 4:00 (T2)

Una de nuestras cintas favoritas de la década pasada, no se diga más.
13 de mayo, 4:30 (T1)
15 de mayo, 1:00 (T2)
Todas las funciones se llevan a cabo en las instalaciones del Museo de Arte Moderno, 11 West 53 St. Más info aquí.
$10. Los viernes son gratuitos, después de las 4 pm.

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TFF 2011: Limelight

Para quienes vean el documental Limelight (Billy Corben) —encontró distribuidora antes del festival y su estreno se estima a finales de agosto— y esperen un perfil digno y colorido de uno de los clubes más famosos en la historia de Estados Unidos, puede que resulte un tanto decepcionante. Limelight es un filme modesto e inconsistente que solo reivindica a su dueño y quien fuera rey de la vida nocturna de Nueva York por años: Peter Gatien. Gran parte del filme es sobre su trayectoria y la debacle que origina su deportación a Canadá. Durante años la justicia estadounidense y de la mano del ex alcalde neoyorquino Giuliani, querían encontrar la perfecta excusa para encarcelar a Gatien. A mediados de los 90, con la estabilización del VIH, la llegada de las drogas de diseño a Nueva York, así como el auge del tecno y el nacimiento del hip-hop, provocaron un resurgimiento en la vida nocturna. Y el deleite de sus habitantes, fue llevado por algunos quizás con excesos, que las autoridades no esperaban. Casos de sobredosis, violencia y notables asesinatos, fueron de la mano durante los años dorados del Limelight. Y fueron a partir de esos eventos, con informantes demasiado estúpidos y una fiscalía débil, que el gobierno comenzó el juicio contra Gatien. Más allá de las anécdotas de los entrevistados, quienes trabajaban de cerca con él y un informante de la físcalia, el filme se basa en hechos y transcripciones durante el juicio. Quizás lo más significativo de Limelight, para quienes vivimos esa época en Nueva York, provoque un poco de nostalgia, ya que la vida nocturna ha muerto en la ciudad. Así como se aprecia la transformación de Nueva York, los años de Giuliani y su ataque en contra de los clubes, queda claro que su estrategia funcionó: ahora el club que se localizaba en una iglesia y que reinó durante la década de los 90 y entrados en los 00, es un triste centro comercial.

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Sunday, May 1, 2011

TFF 2011: Gone

Aeryn Gilleran, un hombre atlético de 34 años de edad y que trabajaba para las Naciones Unidas en Viena, desaparece el 29 de octubre del 2007, sin dejar rastro. Dos días más tarde, su madre Kathy Gilleran, una ex policía del Norte de Nueva York, recibe la terrible noticia. Y como cualquier admirable madre, quien acepta a su hijo de manera incondicional, se desplaza al Viejo continente en busca de su paradero. Kathy no encontró a Aeryn, ni las respuestas que esperaba de un departamento de policía, que al parecer no tiene experiencia en cuestiones gays y no acepta la búsqueda de su hijo por su nacionalidad.  

Gone, opera prima del dueto Gretchen y John Morning, es un documental doloroso donde el espectador solo obtiene la información de un solo lado. Es decir, se compone por dos entrevistas con Kathy, y con imágenes realizadas por ella misma, en uno de sus viajes a Viena. Así nos enteramos que unos investigadores le informan que su hijo se encontraba en una Sauna para hombres, y de repente él salió con una toalla o desnudo en dirección al río y se lanzó. La definición para ellos, es suicidio espontáneo y que era VIH positivo. Kathy tiene que aceptarlo, pero dada las condiciones de la investigación y los múltiples errores que presenta, ella se niega.

Mientras su testimonio es efectivo, creíble,  a veces díficil de procesar, y tomando en cuenta que los directores no son investigadores o periodistas, Gone tendría más méritos con la inclusión de otros testimonios (el novio, el vecino, personal de la embajada, compañeros de trabajo, familiares, policías, reporteros, testigos, etc) o simplemente con la advertencia al espectador que el caso está cerrado para el gobierno de Austria. Lo más trágico del asunto, es la homófobia tanto en Viena como en Estados Unidos. ¿Cómo una desaparación así de un estadounidense, pasó desapercibida para los medios? Por las condiciones que rodearon el caso, entendemos que la primera intención de Kathy fue proteger a su hijo de lo sensacionalista y cruel con que tomarían su historia. El gran acierto de Gone, bien podría repercutir en próximos trabajos, que quieran trabajar en la cuestión de manera seria y sin ningún compromiso. 

Aquí hay más información sobre el caso.

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