Reseña: They Shot the Piano Player (2023), Tenório Jr. Vuelve a Nacer

Cuando en la madrugada del 18 de marzo de 1976, un brillante pianista brasileño desaparece al salir de su hotel en Buenos Aires en busca de un sándwich, el panorama del movimiento samba jazz (un subgénero del bossa nova), nunca más volvió a brillar. 

Bajo esta premisa nos adentramos en la segunda aventura fílmica animada de Fernando Trueba y Javier Mariscal, quienes vuelven a los terrenos musicales latinoamericanos con They Shot the Piano Player  (2023, Sony Pictures Classics), una historia sombría pero que seduce al oído y a la vista de una manera armoniosa, cuyo principal motivo es enaltecer a Tenório Jr., una figura poco conocida y víctima de una de las etapas más crueles en América Latina: las dictaduras de los años 70.

La Restauración del 2023: Víctimas del Pecado (1951), de Emilio Fernández

Cuando me dicen sobre las virtudes artísticas y físicas de la actriz estadounidense Ginger Rogers, sobre todo cuando se habla dentro de un contexto feminista y de exclusión, con toda justa razón, siempre pregunto si conocen a Ninón Sevilla, la actriz nacida en Cuba y una de las estrellas del cine mexicano de la Edad de Oro. Y no estamos cuestionando, los indiscutibles atributos de Rogers, pero una vez que se observa el talento y autoridad que emana de Sevilla en la pantalla grande (pregúntele a los cinéfilos franceses), es innegable afirmar quién es la mejor al cantar, bailar (¡en tacones!) y actuar en el séptimo arte de esa época. 

Para muchos es fácil desestimar el poder de la actriz nacionalizada mexicana, porque se trata de un cine de rumberas, populachero, y por ende son melodramas básicos de la postguerra (a veces moralinos y misóginos), pero lo cierto es que en su obra cumbre, Víctimas del Pecado (México, 1951), dirigida por Emilio Fernández, demuestra un irrefutable don artístico que debería ser referente en el mundo cinematográfico mundial. Y para lograr eso, gracias a Permanencia Voluntaria, que dirige la mexicana Viviana García-Besné y a Peter Conheimel de Cinema Preservation Alliance (Estados Unidos), este clásico del melodrama musical fue restaurado en toda su gloria y se exhibe desde el pasado viernes en la catedral del cine independiente de Nueva York: Film Forum.

Reseña: Extraña Forma de Vida (2023), Pedro Almodóvar

Una historia de amor y deseo entre dos vaqueros, un vestuario proporcionado por una marca francesa de alta costura y un fado (expresión musical portuguesa) interpretado por Cayetano Veloso, son algunos elementos que la mente de Pedro Almodóvar incorpora al género del Oeste, en su segundo cortometraje en inglés, Extraña Forma de Vida (Strange Way of Life, 2023), que hoy se estrena en Nueva York. 

El director manchego toma las riendas del Oeste, fiel a su estilo y estética, solo con algunas reglas narrativas ya establecidas por este género cinematográfico, que muchos reconocerán desde el comienzo. Si bien el cine de vaqueros no ha sido del nada bondadoso con nadie que no sea blanco y hombre heterosexual, Almodóvar trata de romper con ese prototipo del macho imperialista, violento y sin sentimientos, al presentar a dos personajes que se amaron en silencio y un reencuentro vuelve a despertar la pasión y el deseo que una vez experimentaron.   

Reseña: La Memoria Infinita (2023)

Augusto Góngora y Paulina Urrutia

Luego de su sorpresiva nominación por un Oscar en la categoría de Mejor Documental con El Agente Topo (2020), la veterana cineasta chilena, Maite Alberdi está de vuelta con una temática familiar: la tercera edad. A diferencia de su trabajo anterior, la directora opta por centrarse en los estragos de vivir con la enfermedad de Alzheimer en La Memoria Infinita (2023, MTV Documentary Films), que hoy se estrena en Manhattan.

En lo que bien se podría resumir como un relato conmovedor y por momentos, difícil de ver, La Memoria Infinita tiene de protagonistas a Augusto Góngora y Paulina Urrutia, un par de desconocidos para el público estadounidense; pero en Chile la cuestión es diferente, ambos son ampliamente reconocidos. El es un periodista, que trabajó en la clandestinidad durante la dictadura de Pinochet y un firme creyente de la memoria histórica. Ella es una actriz de cine y televisión, quien llegó a dirigir el Ministerio de Cultura en la administración de Michelle Bachelet.

Reseña: Casa Susanna (2022), Retrato Emotivo e Inconcluso de la Experiencia Trans

A mediados de la década de los 50 y hasta finales de los 60, existió un lugar oculto y especial en la región de los Catskills, Nueva York, para hombres —en su gran mayoría heterosexuales— que quisieran explorar su lado femenino y vestirse como tales, lejos de los prejuicios de la sociedad de aquel entonces y de la misma ley. El travestismo era ilegal en varias partes del país, y hablar de identidad y transexualidad, era casi nulo.

La idea del lugar para esta comunidad surgió del matrimonio de la ítalo-estadounidense Marie Tonell y Tito Arriagada, un migrante Chileno y quien también era Susanna Valenti. 

Comenzaron esta aventura con una propiedad bastante amplia, el Chevalier D'eon —en honor a la famosa espía transgénero francesa—, en donde también montaban espectáculos con imitadores de personalidades femeninas.

Reseña: Carmen (2022), Benjamin Millepied

Mescal y Barrera

A pesar de las extravagantes inconsistencias en su historia, Carmen (USA, 2022), basada en la ópera del mismo nombre, el debut de Benjamin Millepied, sobresale por su trabajo visual, musical y de danza contemporánea a la par del carisma de sus tres actores principales: Rossy De Palma, Paul Mescal y Melissa Barrera. 

Aunque no es la primera vez que se realiza una adaptación fílmica de esta historia, que data de 1875, es el también coreógrafo y ahora director de cine, el que la lleva a otro nivel narrativo. Millepied incorpora elementos actuales: lo siniestro que representa el cruzar al otro lado (Estados Unidos), así como los estragos personales de quienes regresan de las guerras que este país se ha involucrado en las dos últimas décadas.

Reseña: Dioses de México (2022), Helmut Dosantos

El documental Dioses de México (2022, Oscilloscope Laboratories), ópera prima del italiano, residente en el vecino del Sur, Helmut Dosantos, ofrece un viaje singular y sensorial, en donde explora los temas de memoria y tradición de un México rural vivo que se resiste a desaparecer. Dividido en tres segmentos y libre de diálogos, el filme se desplaza a lo largo de 15 estados de la república, y presenta imágenes y momentos en colores saturados y en un blanco y negro con resultados majestuosos.  

La primera sección se denomina Blanco, la cual está dedicada a la producción de sal y su arduo trabajo. A la par se aprecia uno de los rituales de pirotecnia más conocidos en ese país, la danza del Torito, y del que ya ha sido protagonista en otros documentales. Si bien no creemos que haya sido su intención, la belleza que emana de los momentos captados en las salineras y de su elaboración artesanal, evoca otro trabajo cinematográfico monumental, Araya (1959) de la directora venezolana Margot Benacerraf, un tanto olvidado en estos tiempos.

Reseña: Utama y los Desafíos del Cambio Climático

Desde las primeras imágenes, Utama (2022, Bolivia/Francia/Uruguay, Kino Lorber) transporta a la audiencia al  esplendor y a la desolación árida del altiplano boliviano, en una experiencia íntima, que no sólo conmueve sino sorprende visualmente. 

La ópera prima de Alejandro Loayza, se centra en Virginio (José Calcina) y Sisa (Luisa Quisque), una pareja de ancianos quechuas, quienes experimentan la peor sequía en mucho tiempo. En esta zona árida, casi deshabitada y olvidada por el gobierno, la rutina diaria está definida: mientras él se encarga de pastorear a las llamas, Sisa es responsable de traer el agua, una labor titánica; además de cocinar y lavar. 

La situación del preciado líquido se complica aún más cuando de improviso llega su nieto Clever (Santos Choque) a visitarlos. Si bien con buenas intenciones, él trata de persuadir a los abuelos a que se vayan a la ciudad, tarea que su padre trató y no rindió ningún fruto. El choque cultural y social es evidente entre los tres. Clever no habla quechua y eso mantiene una distancia emocional entre nieto y abuelo, quien a pesar de una posible enfermedad se resiste a dejar su tierra. Mientras en lo que queda del pueblo no se habla de otra cosa, más que la falta de agua.

Reseña: Mi País Imaginario y el Despertar Chileno Feminista

Con una meditación sobre el entorno natural chileno y el estallido social del 2019, Patricio Guzmán comienza a visualizar en Mi País Imaginario (Icarus FIlms, 2022), algo que nunca se atrevió a concebir: el despertar chileno feminista y sin miedos. A sus 81 años de edad, Guzmán se ha dedicado al registro visual de la memoria histórica de su país, y después de un par de años de ausencia (La Cordillera de los Sueños, 2019) regresa con un film absorbente y emotivo que invita a la reflexión sobre las demandas ciudadanas por dignidad que provocaron esta revolución social.

Reseña: Dos Estaciones, de Juan Pablo González

Teresa Sánchez. Cortesía de Cinema Guild

 

Dos Estaciones (Cinema Guild, 2022), la ópera prima de Juan Pablo González, es un filme íntimo y de detalles visualmente embriagantes que confrontan las realidades de un cambio climático, económico y social desde la perspectiva de género en un rincón rural del estado de Jalisco, en México.  

Este drama contemplativo se centra en María García —encarnada por la excelente e irreconocible actriz Teresa Sánchez, a quien recordamos en La Camarista (2019)—, dueña de una fábrica de tequila, una de las pocas que permanecen en manos mexicanas. Firme, impaciente y solidaria con los trabajadores, María tiene problemas con su negocio, Dos Estaciones, heredado de su familia.  

Reseña: The Good Boss (El Buen Patrón)

Casi 20 años después de Los Lunes al Sol (2002), un drama social de unos recién desempleados protagonizado por Javier Bardem, el director español Fernando León de Aranoa, retoma las cuestiones laborales en El Buen Patrón (Cohen Media Group, 2021) pero desde la perspectiva empresarial. Al igual que en 2002, vuelve a hacer equipo con Bardem, quien demuestra en este trabajo que su poder en la pantalla grande sigue igual de adictivo que en sus inicios con Jamón Jamón (1992). 

Escrita y dirigida por León de Aranoa, El Buen Patrón es una tragicomedia que le tira a la sátira corporativa provinciana de España. Hay risas, momentos chuscos, y claro desgracia. La cinta inicia con un suceso trágico, que sirve de trampolín, para conocer la cara amable de Julio Blanco (Bardem), dueño por herencia de la compañía Básculas Blanco. 

El empresario es un cincuentón casado ligeramente atractivo, manipulador, infiel y corrupto; sentimientos que Bardem logra esconder a la perfección. En la empresa Blanco es atento, carismático, y considera a los trabajadores como parte de su familia, incluso si no comporten el mismo tono de piel. 

I Carry You With Me (Te Llevo Conmigo, 2021), un Híbrido Fragmentado

I Carry You With Me (Sony Pictures Classics, 2019/USA), es una cinta extremadamente ambiciosa, pero fragmentada en estilo. La historia se centra en un emotivo amor entre dos chicos mexicanos, que trasciende fronteras y barreras migratorias; más no las legales. 

La directora Heidi Ewing, quien viene del cine documental con amplia experiencia —Jesus Camp (2006), Detropia (2012), y 12th St. & Delaware (2010)— se adentra por primera vez en un filme narrativo basado en hechos reales, en donde incorpora elementos del género documental. Iván (Armando Espitia), aprendiz de chef, y Gerardo (Christian Vasquéz), profesor, son dos jóvenes que viven en la ciudad de Puebla, México, y forman una pareja casi después de conocerse. 

Ambos provienen de familias tradicionales, por lo cual, tienen que esconder su relación sentimental. Iván, quien tiene un hijo pequeño con su anterior pareja, desea mayores oportunidades económicas, por lo que decide irse a Estados Unidos. Gerardo trata de advertirle sobre los riesgos y las muertes que ocurren en la frontera. "Aquí estamos bien", súplica. Sin embargo, Iván y una amiga cruzan la frontera de manera ilegal. Una vez ya instalados en Nueva York, ahora es Gerardo, quien realiza el duro trayecto, ante el intento fallido por obtener una visa para viajar.

José (2020), un Amor Casual que Cautiva

José (2018, Outsiders Pictures, Guatemala/USA) es una película de un amor casual: un encuentro moderno y fugaz, sin futuro. El director Li Cheng (Joshua Tree, 2014), ofrece una mirada contemporánea de un aspecto de la vida gay en la capital guatemalteca, es sincera y real. Un simple ligue o acostón, se transforma en un romance cautivante, por no decir bello.

En un barrio de clase trabajadora, José (José Salamic) vive con su madre (Ana Cecilia Mota). Ambos trabajan en la industria de la comida urbana, ella vende sándwiches en la calle y él trabaja en un restaurante. A través de las aplicaciones de ligue, José conecta con otros chicos de la ciudad; algunas veces lo vemos desairar a su ligue quizás no era lo que esperaba, otras veces es él a quien dejan plantado. 

En una de esas tardes de suerte —a veces no consigue wifi o le cambian la contraseña de donde se cuelga—, se conecta con Luis (Manuel Herrera). Este chico es un trabajador de la construcción, vive también con su madre y hermanos; vienen del interior del país, Izabal para ser exactos. 

Las Herederas (2019): el Declive de una Relación Anunciada

Durante una conversación sobre el innombrable ex presidente de este país, alguien comentaba que la única forma de humillar a un rico petulante es: que vaya a la cárcel o pierda todo su dinero. 

 

Quizás algo similar pensaba Marcelo Martenissi cuando ingenió la historia de Las Herederas (2018, Distrib Films, Paraguay/Alemania/Francia) para su ópera prima. La historia se centra en Chiquita (Margarita Irún) y Chela (Ana Brun), una pareja lesbiana, privilegiada, ya entradas en años de Asunción, Paraguay. Debido a varios problemas financieros, parece que nunca han tenido la necesidad de trabajar, —vienen de dinero heredado— comienzan a vender gran parte de sus pertenencias de ultra valor. 

La situación doméstica se recrudece cuando Chiquita, informa al amor de su vida con quien ha compartido varias décadas, que irá a la cárcel por fraude. Chela, quien no se encarga de nada, tendrá que valerse por sí misma por primera vez. A pesar de estar en la quiebra, y a punto de perder todo, mantienen una casa en un lujoso barrio, un auto y hasta servidumbre, masaje de pies incluido.

Retablo (2018): un Relato de Advertencia y Esperanza

Alvaro Delgado-Aparicio, en su ópera prima retoma una de las expresiones artísticas más populares del arte peruano: los retablos. Esta representación es una especie de caja en diversas dimensiones, con unos colores vivos, y dentro puede incluir figuras religiosas o personas de la familia, hechas con una masa de papa y yeso. 

Desde la primera escena en Retablo (2017, Perú/Alemania/Noruega), una secuencia muy bella, el director de origen peruano no solo nos adentra al proceso creativo de este arte andino venerado por muchos, sino a la relación maestro y aprendiz, es decir padre e hijo. 

Filmada con una belleza absoluta y casi en su totalidad en quechua, la trama se centra en una familia relativamente joven en donde la tradición, el oficio y las normas sociales mandan. Noe (Amiel Cayo) tiene un taller de retablos en un poblado andino, en el que trabaja con su único hijo, Segundo (Júnior Béjar) de 14 años. Noe es un hombre respetado, a quienes muchos llaman maestro, lo mismo es requerido por la iglesia, turistas que por grandes familias. 

Sueño en Otro Idioma (2017) y la Barrera de su Lenguaje

Casi a la mitad de Sueño en Otro Idioma (México, 2017), el personaje principal joven, Martín (Fernando Alvarez), un lingüista quien realiza un estudio para preservar el zikril, una lengua originaria (ficticia) en el sur de México pronta a desaparecer, pide a la única persona que entiende este lenguaje que "traduzca" al español, el mensaje del único sobreviviente de "la lengua de todos los seres de la jungla".

Todo lingüista sabe que traducir es la acción escrita del mensaje de un idioma a otro, cuando se trata de una cuestión oral, se conoce como interpretación. La diferencia no tiene porque ser del dominio público, pero un lingüista claro lo sabe. Es precisamente después de este error, que la cinta dirigida por el mexicano Fernando Contreras se pierde en su propia traducción. Y digo esto, ya que la producción inventó prácticamente una lengua para el filme y se puede escuchar en los diálogos y en una canción.

Viva (2016): Cine de Drag Queens Cubanas con un Toque Irlandés

Cineasta europeo visita Cuba por primera vez y como ellos sí pueden viajar, se la pasa bomba. Como buen ciudadano del mundo, está abierto a toda expresión artística y va a un sinfín de eventos culturales. Nada de política, nada. Durante una noche calurosa después de unas copas en el malecón, sus nuevos amigos lo invitan a un show de drag queens o transformistas, el mejor de La Habana, le aseguran. Se enamora desde el primer momento con la atmósfera, la gran mayoría de asistentes son locales, así que tiene un sello de autenticidad. Cada uno de los números musicales, transmiten una emotividad que nunca había experimentado. “Es todo un arte”, dice.

Se la pasa tan bien que lo llevan a los camerinos para conocer a cada una de las estrellas de esta noche. Su español es bueno, así que se puede defender y comunicar decentemente, esas vacaciones en España fueron lo mejor que le ha pasado. Con el paso del tiempo, las conoce muy bien, por dentro y fuera del cabaret. Sabe que hay una historia increíble en cada una de ellas y que merecen ser contadas; la tenacidad, el valor y el buen sentido del humor ante las adversidades y la vida misma, lo hacen pensar en una película sobre ellas. 

La Jaula de Oro (2015) y el Sueño Truncado en Estados Unidos

La clave para entender el proceso creativo de La Jaula de Oro (Kino Lorber, 2015) y la construcción de su trama, no está en la letra de la canción homónima de Los Tigres del Norte, sino al final en los créditos. En ellos leemos que más de 600 migrantes —en su mayoría de América Central y de camino a Estados Unidos— aportaron su testimonio y algunos hasta participaron en la misma. La producción los nombra y agradece. Al finalizar la proyección, no cabe duda que estamos ante una representación fuerte, verídica y sin romantizar, de lo que en muchas ocasiones sucede en ese trayecto tan cruel y del cual muchos se benefician.

Al finalizar la proyección, no cabe duda que estamos ante una representación fuerte, verídica y sin romantizar, de lo que en muchas ocasiones sucede en ese trayecto tan cruel y del cual muchos se benefician. Bajo la dirección de Diego Quemada-Diez, el cineasta español centra su ópera prima en tres adolescentes guatemaltecos que deciden emprender un duro viaje hacia la frontera norte. 

Se desconocen los motivos, pero son claros: la falta de oportunidades. “Todo es mucho mejor en el Norte", dice uno de ellos. Sara (Karen Martínez), es una chica que se corta el pelo para dar la apariencia de un chico y toma unas pastillas anticonceptivas por cualquier cosa. Juan (Brandon López) y Samuel (Carlos Chajón), vienen de uno de los distritos más pobres de la capital guatemalteca, uno de ellos trabaja en un basurero al aire libre. 

Pelo Malo (2014) y la Personificación del Poverty Porn

En el tercer largometraje de la directora venezolana Mariana Rondón, hay tanto que desglosar que difícilmente una reseña logre tocar la superficie de esta fallida coproducción iberoamericana. Pelo Malo (2014, Figa Films) intenta denunciar un sinfín de complejidades sociales actuales, sin una clara definición, con una serie de situaciones desaprovechadas y diversas ambigüedades que solo dañan el ritmo e interés de la misma. 

Desde el núcleo familiar y de género, se abordan la homofobia, el racismo, el maltrato infantil, la violencia de barrio y la desigualdad económica. También tenemos una historia sobre el despertar adolescente, los asuntos de imagen corporal y la identidad afrodescendiente en Venezuela. Todo lo anterior cargado con tintes políticos que rayan en la estigmatización de aquellos que se pretende iluminar o ayudar. Estamos ante un relato trágico, donde no falta la miseria y la explotación, en pocas palabras un poverty-porn.

La historia se centra en Marta, una mujer joven, desempleada y recién viuda. Ella vive con dos hijos pequeños en una unidad habitacional gigantesca, en un barrio de clase trabajadora en Caracas, la capital venezolana. A Marta le molesta que su hijo (Samuel Lange) de nueve años con el pelo rizado, pase tanto tiempo en el baño arreglándose frente al espejo y también de la forma en que baila. Junior es afrodescendiente, y desea tomarse una foto para la escuela con el pelo lacio como uno de los cantantes que salen en la televisión. ¿Quién no ha soñado eso?

Blancanieves (2013): Cine Mudo Español Actual

Después del éxito a nivel mundial de The Artist (Francia, 2011 ) y con la exhibición de dos producciones con la misma protagonista, ¿habrá espacio para otra Blancanieves (Cohen Media, 2013), muda y en blanco y negro? Por supuesto, y más si es española. 

En medio de la euforia por este personaje clásico de los hermanos Grimm, que ha trascendido por generaciones, la apuesta del director español Pablo Berger (Torremolinos 73, 2003) es una historia fresca, perversa y filmada con una belleza única. Una vez que baja el telón rojo, el único color que se observa en la hora y media de duración, entramos al mundo sevillano de las corridas de toros, los símbolos católicos y la música de flamenco.

Daniel Giménez Cacho es Antonio Villalta, el torero de moda en los años 20, casado y esperando a su primer bebé. Una grave cornada en el ruedo no solo lo manda al hospital sino también a su esposa, quien muere después del parto. Sabemos que estamos ante una sorpresa visual, cuando aparece en escena la fría y calculadora enfermera Escarna, una Maribel Verdú, en un giro extraordinario.