Entrevista: Rodrigo Dorfman y el Arte de Documentar una Comunidad entre Dos Mundos con Bulls & Saints

Durante siete años, el cineasta y exiliado chileno, Rodrigo Dorfman se dedicó a seguir — a veces con cámara en mano— a una familia mexicana sin documentos y avecindada en Carolina del Norte en su anhelo por regresar a su país, después de un par de décadas en Estados Unidos. 

 

Estas imágenes, desde las visitas a los jaripeos, fiestas familiares, eventos religiosos y momentos laborales e íntimos, quedaron plasmadas en el filme Bulls & Saints (2023), que tendrá su estreno mundial dentro de la serie de documentales POV en televisión nacional (PBS), este lunes 18 de septiembre.

Entrevista: Luis Alejandro Yero, Director del Documental Llamadas Desde Moscú (2023)

 

El desarraigo, la soledad y la ausencia del hogar, son solo algunas de las cuestiones que el director cubano Luis Alejandro Yero, se planteó al inicio de su ópera prima Llamadas Desde Moscú (2023), en donde explora esos sentimientos en un grupo de cuatro migrantes cubanos queer en Rusia. Después de su estreno mundial en el Festival de Cine de Berlín, y su presentación durante el Fort Night del Museo de Arte Moderno (MoMA) en Nueva York, adquirió mayor relevancia pues retrata el comienzo del conflicto bélico entre Rusia y Ucrania y sus consecuencias entre estos jóvenes.

"La película surgió por puro accidente", asegura el cineasta durante una entrevista vía video llamada desde La Habana, Cuba. Durante el comienzo de la pandemia, y después de recorrer por mucho tiempo diferentes lugares del mundo con sus cortometrajes, Yero asegura que sintió atrapado en la capital cubana.

Entrevista: Rodrigo Reyes, Sansón y Yo (2022)

Han pasado más de 10 años desde que Rodrigo Reyes, conoció a Sansón Andrade, un joven de tan solo 19 años de edad, quien recibió una injusta sentencia a cadena perpetua en el estado de California. Reyes, hoy director de cine (499, Después de la Redada y Lupe Bajo el Sol), quien fue interprete de Andrade durante ese juicio, este hecho lo marcó de manera tan profunda, que decidió llevar esta historia a la pantalla grande con el documental Sansón y Yo (2022, Cinema Guild), y que mañana se estrena aquí en Nueva York.

 

A través de un sinfín de cartas, ambos entablaron una relación de amistad y artística. Sin el permiso del sistema penitenciario para filmar a Sansón, Reyes visita a la familia del joven mexicano en Colima, uno de los estados más pequeños de México, y decide enlistar a su sobrino, hermana y demás familiares para recrear su infancia. Así como lo habíamos prometido la semana pasada, tuvimos una entrevista con Reyes, en la que habla más sobre el caso, de la pandemia, los premios de Cinema Tropical y en qué está trabajando en México.    

Christian Del Moral: Después de 10 años de su iniciación, Sansón y Yo, se estrena en Nueva York este viernes, antes pasó por varios festivales y fue considerado entre 144 documentales para el Oscar. ¿Cómo definirías este trayecto? 

Rodrigo Reyes: Diría que para mí el viaje de realizar Sansón y Yo, ha sido un viaje de aprendizaje. He aprendido a colaborar con un gran amigo que es Sansón. Puede sonar raro decir que uno de mis mejores amigos en mi vida, es una persona que está presa en California, con una sentencia de por vida y sin salida. Pero para los que vean la película se van a dar cuenta, que hay mucha profundidad en esa relación, hay mucho cariño y conocimiento que se va generando. He aprendido mucho de Sansón, (quien) es una persona muy sabia y tiene mucho por enseñarnos a todos. Estoy muy feliz de que por fin estemos llegando a los cines, el estreno en Nueva York es genial y después de ahí se va a ir a San Francisco, Los Angeles, otras ciudades y después también llegará a México. 

Entrevista: Anaïs Taracena, El Silencio del Topo, candidata de Guatemala al Oscar por Partida Doble

Anaïs Teracena

A un año de su presentación en Nueva York, vuelve por segunda ocasión el multipremiado documental El Silencio del Topo (Guatemala, 2021), ópera prima de la directora Anaîs Taracena, que se exhibe durante una función especial de Las Premieres, en el Museum of the Moving Image en Queens, que se organiza en conjunto con Cinema Tropical. El largometraje se centra en la figura de Elías Barahona, quien estuvo infiltrado al trabajar como jefe de prensa (1976-1980) en el Departamento del Interior (Gobernación) durante uno de los regímenes más represivos en la historia de Guatemala. Con dicha actividad logró que muchas personas pudieran salvar sus vidas.

El Silencio del Topo, que representa a esta nación centroamericana en la carrera por un premio Oscar, no solo en la categoría de Mejor Película Internacional, sino también encontró un lugar dentro de los 144 documentales elegibles para la categoría de Mejor Documental, llega a Nueva York a unos días que se den a conocer las semifinalistas para ambas categorías.

Entrevista: Fernando Trueba Habla sobre Memories of my Father, los Oscares, el Futuro del Cine y Más

El cineasta español Fernando Trueba, quien terminó el rodaje de su nueva película hace unos días en Grecia, está de visita en Nueva York por motivo del estreno de su más reciente producción, Memories of my Father (2020, Cohen Media Gruop) en el Quad Cinema. A pesar de estar un poco cansado, Trueba nos concedió ayer por la tarde una entrevista en la que habla de este filme, sus dos películas en puerta, Javier Cámara, el futuro del cine y de su Oscar por Belle Epoque (1994).   

Memories of my Father, película número catorce en la trayectoria de Trueba, ha tenido un largo camino para llegar a su estreno comercial en este país. Primero fue seleccionada para el Festival de Cine de Cannes en el 2020, representó hace dos años a Colombia en la contienda por una nominación al Oscar, y también sirvió de noche inaugural para el Festival de Cine de la Habana de Nueva York el año pasado. Para Trueba es un logro que finalmente se estrene, sin embargo, ha sido un trayecto difícil. "Esto de la pandemia ha sido una cosa terrible, ¿no? Han sido unos tiempos muy raros, muy difíciles. Por ejemplo, que te seleccionen una película para el Festival de Cannes y el Festival de Cannes no se celebre. Cosas muy raras que nunca imaginas que podrían pasar", asegura.

Entrevista: Eugenio Polgovsky, Los Herederos

Hemos hablando tanto de Los Herederos, desde hace dos años, que sólo nos faltaba una entrevista con su autor y lo conseguimos. Eugenio Polgovsky, cineasta mexicano quien desde su ópera prima Trópico de Cáncer —recién pasó por el MoMA— llamó poderosamente la atención de los festivales y amantes del documental, por fin estrenó no solo Los Herederos en Nueva York sino también en Francia. Uno pensaría que después de dos años en el circuito de festivales, reconocimientos y premios, un documental que explora un problema social perdería relevancia, pero con esta segunda producción, ha pasado lo contrario. Polgovsky ofrece una mirada contundente, sin palabras y digna sobre la explotación y trabajo infantil en México; su cámara nunca se torna extranjera o invasiva. 

El florecimiento del documental en México tiene que ver mucho con la llegada de la democracia al país, y Los Herederos es un claro ejemplo de esto. Pero mejor que sea el propio joven director que nos habla sobre los peligros y retos a los que se enfrentó, el poco interés que generó en las instituciones mexicanas, sus influencias en el área del documental y de dónde salió el dinero para este bello e imperdible filme.

Christian Del Moral: Los Herederos fue uno de los documentales más interesantes que pasaron por Nueva York en algunas muestras hace tiempo, y ahora recibe su estreno oficial con distribuidora y se presenta en uno de los lugares más importantes de la ciudad. Asimismo se estrena en Francia, ¿crees que con estos dos significativos eventos y después de todos los premios que ha recibido, se cierra el ciclo de tu segundo documental?

Eugenio Polgovsky: Gracias, la verdad no lo sé. Hasta ahora he tenido muchas sorpresas, la primera fue que se estrenara en México en cines y después Los Herederos ha seguido difundiéndose lento pero continuamente. Ahora se están planeando exhibirla en lugares mucho más lejanos, como Japón, Vietnam, Irán... o sea que el ciclo no tengo idea cuando termine. Hablando de ciclos, la película retrata el ciclo de herencia del trabajo, de lucha por sobrevivir y de permanencia de la pobreza de generación en generación. A pesar de vidas plenas de esfuerzos desde la mas temprana infancia, estos ciclos de desigualdades en México y en muchos lugares del planeta desgraciadamente no están rotos, y lo que es peor es que ni siquiera están en proceso de cambiar. Tal vez Los Herederos, seguira vigente mucho tiempo siendo una ventana a una realidad que muchos ciudadanos de las grandes urbes ignoran. Una síntesis de un presente-ausente, continuo y despiadado. No sabemos que es lo que pasa alrededor de nuestros ecosistemas artificiales, las ciudades donde se concentran los recursos, el consumo y lo que pensamos "productivo". El mundo rural, nuestras raíces, sus vidas de esfuerzo en la pobreza quedan en el silencio frente a la indiferencia cínica y cómoda sostenida del consumo, más allá, en la montaña, los ciclos continúan trabajando en silencio.

Entrevista: Tatiana Huezo, El Lugar Más Pequeño

Desde mucho antes de rodar, Tatiana Huezo sabía que no quería en su ópera prima "El Lugar Más Pequeño" (México, 2011), uno de los elementos tradicionales y más socorridos dentro del género del documental. 

 

La joven documentalista mexicana, nacida en El Salvador, se refiere a la entrevista a cuadro o testimonio personal, que sigue dominando gran parte de los documentales. 

¿Cómo explorar el sentir y la memoria de un grupo de sobrevivientes de la guerra civil en un pequeño pueblo selvático El Salvador, sin tan preciada fuente? "Sabía que la historia tenía mucha fuerza", dice Huezo, quien se encuentra en Nueva York presentando su filme dentro de DocuWeeks, misma que se llevará a cabo en Los Angeles, California.  

Entrevista: Gustavo Pizzi, Riscado (Craft)

Gustavo Pizzi

 

Las visicitudes de una actriz talentosa que necesita ese pequeño empuje para mostrar su potencial, se muestran bellamente con suma originalidad, en uno de los debuts más prometedores que se presentan en Premiere Brazil en MoMA. Estamos hablando de Riscado (Craft), de Gustavo Pizzi, que inaugura esta noche la muestra de cine brasileño en nuestra ciudad. El filme que ya se ha exhibido en otras ciudades estadounidenses, por fin llega a Nueva York y su director estará presente. Pero antes de eso, pudimos conversar con el director brasileño, vía e-mail, sobre la realización de Craft, sus expectativas en el mercado estadounidense, y si es cierto que las actrices brasileñas mayores de 40 años no pueden encontrar un digno papel.

Christian Del Moral: Una película de escaso presupuesto, filmada en tan solo 12 días y con tu esposa como protagonista, inaugura la muestra de cine brasileño más importante en Estados Unidos, Premiere Brazil en MoMA. La cinta que abrió la muestra el año pasado ¡fue nominada al Oscar! ¿Cuáles son tus expectativas? 

Gustavo Pizzi: Estamos muy orgullosos de presentar Craft en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York. Es un oportunidad increíble y es muy emocionante. Craft tiene una relación muy fuerte con la cultura de Norteamérica, nuestro personaje bien podría vivir en Los Angeles o en Nueva York. La película tiene mucho sentido para estas ciudades, eso fue lo que percibí después de las exhibiciones que tuvimos en Estados Unidos, como en SXSW (Austin, Texas), en el Fine Arts Museum de Houston y en el Egyptian Theater de Hollywood. La audiencia se identifica muchísimo con el personaje de Karine Teles y se enganchan con la historia de una manera singular y honesta. Por esas razones, tenemos grandes esperanzas y estamos trabajando mucho para que el filme se distribuya en el mercado norteamericano.

Entrevista: Alberto Herskovits, Familia

En cuanto a la inmigración en el cine, hemos visto prácticamente de todo. Desde el niño que deja su país en busca de su madre, los que huyen de la violencia y de quienes desean un mejor futuro, solo por mencionar algunos. Tradicionalmente son los jóvenes, solteros o jefes de familia, hombre o mujer —quienes aún gozan de la juventud—, que se embarcan en esa aventura. 

¿Pero qué sucede cuando una recién abuela, decide dejar su familia para trabajar como empleada doméstica en España? Esa es la historia de Nati (foto arriba con su pequeño hijo), una mujer peruana que ha procurado por los suyos desde siempre y protagonista del documental Familia (Suecia 2010), del dueto Mikael Wiström y Alberto Herskovits, que tendrá su estreno nacional este sábado en el Festival Internacional de los Derechos Humanos en Nueva York.

Entrevista: Pamela Yates, Granito: How to Nail a Dictator

En una de las secciones especiales del DVD When the Mountains Tremble (Cuando las Montañas Tiemblan, 1983), vemos a una muy joven y comprometida Susan Sarandon describir los eventos que sucedieron en Guatemala a comienzos de la década de los 80, como indignantes e inconcebibles. 25 años más tarde esos mismos adjetivos puede que vengan a la mente de muchos, quienes estén viendo por primera vez la ópera prima de la directora neoyorquina Pamela Yates. No es sorpresa que tan excepcional documental que tiene como eje narrador a Rigoberta Menchú —único en presentar imágenes del conflicto armado y hablar sobre el genocidio en ese país centroamericano y en el cual casi pierde la vida— tenga una secuela. 

 

El material fílmico inédito de esa primera aventura, se convirtió en evidencia forense en el juicio contra del dictador General Efraín Ríos Montt, que sucedió en España. De esa exploración, junto con la búsqueda por justical social que muchos guatemaltecos continúan, nació Granito: How to Nail a Dictator (Yates, Peter Kinoy & Paco de Onis) que mañana inaugura el Festival Internacional de los Derechos Humanos en Nueva York. No solo se exhibe el filme que estuvo en competencia este año en Sundance, sino que When the Mountains Tremble (pronto en Netflix) tendrá una presentación especial también. Para hablar de esta secuela, entrevistamos a Pamela Yates —quien domina a la perfección el español—, también comenta sobre el inicio de su campaña al Oscar, su próximo proyecto y de que manera es influenciada por Nueva York.

Christian Del Moral: Quién diga que no existen las secuelas en el género documental tiene que ver Granito y Cuando las Montañas Tiemblan, en programa doble. ¿Alguna vez pensaste que habría una segunda parte, de tan impactante historia?

Pamela Yates: No. No, en esa época porque yo pensaba que la esperanza en Guatemala —para realmente transformar a la sociedad—, era pérdida, cuando los generales y las dictaduras son tan poderosas uno no piensa que pueden cambiar las cosas, ¿verdad? Ellos tenían todo el poder, y es como uno de los temas de la película, realmente se necesita una vida entera para tener un cambio social y uno tiene que estar comprometido de toda la vida. Eso es lo que estoy tratando de comunicar en Granito, más que una historia increíble y que solamente pasa a una persona —me parece a mí— una vez en la vida; también estoy tratando de transmitir todas las lecciones que he aprendido en mi vida como documentalista.

Entrevista: Karim Aïnouz

Para los conocedores del cine internacional, el nombre de Karim Ainouz, dice mucho. Hace unas décadas, un joven brasileño quien estudió arquitectura, encontró su verdadera pasión en el cine. Fue en Nueva York, lugar que vivía una de sus etapas más difíciles pero creativamente estaba pasando por su mejor momento, donde adquirió la experiencia. Su primer trabajo grande, asistente en la dirección, ocurrió con Todd Haynes en el clásico indie Poison (1991). 

 

Pasó más de una década para que Karim debutará en la dirección y lo hizo con Madame Sata, un referente no solo en el cine latinoamericano, de temática gay, sino del cine brasileño. Trabajos en televisión y como guionista le han seguido, así como su segundo filme Love for Sale. Ahora considerado como uno de los directores más reconocidos de Brasil y quien sigue con varios proyectos, tuvimos la oportunidad de entrevistar a Ainouz con motivo del estreno en Nueva York de I Travel Because I Have To, I Come Back Because I Love You (en codirección con Marcelo Gomes) hace unas semanas. 

 

Sin embargo, decidimos guardarla con motivo de la presentación de Love for Sale en el ciclo de los 10 años de Cinema Tropical que organizó MoMA y de su incursión de último momento en el Festival de Cannes (Directors Fortnight) con su más reciente película O Abismo Prateado. La entrevista se desarrolló en inglés.

Christian Del Moral: Comenzaste a trabajar hace 12 años en I Travel Because I Have To, I Come Back Because I Love You, ¿me pregunto si existía un guión inicial y cómo evolucionó?  

Karim Aïnouz: Esto parte de un viaje que Marcelo y yo hicimos. Ambos estábamos cansados de esperar por dinero para hacer un filme. Recibimos un fondo para hacer una investigación para un guión de una película, no sabíamos de que iba hacer. Sin embargo, estábamos tan desesperados por filmar algo, que el dinero que obtuvimos, lo utilizamos para filmar. La cantidad era suficiente para rentar una camioneta, traer a tres amigos: el director de fotografía, un productor que ayudó con la logística, un asistente que nos apoyó con la cámara y el sonido, y claro el chofer. Fueron dos meses y filmamos sin parar, con todo lo que teníamos en nuestras manos (cámaras Super 8, DVCam y High 8). Así comenzó este proyecto, no parecía un filme sino un archivo de imágenes. Era como un video-diario de ambos, sobre nuestras experiences de ir a casa, sin que fuera nuestra casa —ambos tenemos familiares que vienen de esa región Sertão—. Pasaron los años y queríamos editarlo, pero no teníamos nada de dinero, así que solicitamos otra beca para hacer una pieza de 26 minutos con lo que ya teníamos filmado. Y eso, es en gran parte de lo que se ve en I Travel... Cuando lo vimos —no habíamos utilizado ningún eje narrativo y básicamente era un collage de situaciones, que se podrían organizar en una estructura lineal—, pensabamos que funcionaría mejor como un filme que una instalación visual. Así que dijimos "hagamos algo con esto, que comunique y evoque lo que sentimos cuando fuimos a esta región" y así llegamos con I Travel... que tenemos desde hace tres años. 

Entrevista: Daniel Vega, Octubre

En menos de un año se han estrenado en Estados Unidos de manera comercial y limitada, varias películas peruanas (La Teta Asustada, Contracorriente, Altiplano), desplazando así al gigante de Brasil. Si bien varias de ellas son coproducciones, los críticos, el público, las distribuidores y los festivales, están poniendo atención al talento de esa nación. Ahora un dueto de cineastas jóvenes peruanos, Daniel y Diego Vega, llegan con la cuarta producción a estrenarse directamente de Lima. 

Se trata de su ópera prima Octubre (New Yorkers Films), la única cinta peruana que ha ganado algo en el Festival de Cannes. Para sorpresa de muchos, el premio no solo fue algo, sino el principal que se otorga en Una Cierta Mirada y desde entonces Octubre se ha mantenido en el circuito festivalero y en las salas de cine de varios países. Hoy se estrena en nuestra ciudad, en el Lincoln Plaza Cinemas y Angelika Film Center, después de su presentación en el New Directors/New Films. 

La cinta relata la histora de un solitario hombre, que presenta dinero en el barrio y quien recibe un pequeño regalo de una de las prostitutas que tanto frecuenta. Entre procesiones religiosas, dinero falso, una niña abandonada y una mujer que necesita disfrutar de su sexualidad, vemos en Octubre que la avaricia va de la mano con el amor, y el deseo del pecado. Durante su estancia en Nueva York, hace unas semanas, nos encontramos con uno de los hermanos Vega, Daniel para ser exactos, quien nos hablo de lo que esperan, los procesos de rechazo, del trabajo actoral y que películas peruanas debemos ver pronto.

Christian Del Moral: ¿Qué expectativas tienen con el estreno de Octubre en Estados Unidos?

Daniel Vega: Si me hubieras preguntado eso, sin haber estado en Cannes, y me hubieran dicho que [Octubre] se estrenaría en Nueva York, hubiera dicho: ¡wow, increíble! Ahora es emocionante la verdad, porque estoy aquí, hemos estrenado en Francia, Alemania, en lugares y mercados de cine grandes. Y veo que la gente está interesada. ¿Expectativas? Ojalá que vaya la mayor cantidad de público posible, y que la gente la vea. Como toda película, habrá gente que le guste más, le guste menos, algunos no les gustará... Lo que me gusta de las reacciones de la película, es que la gente se vuelve fan, le llega tanto la película. Yo siento que es porque hablamos de la condición humana por encima del contexto en el que se esté, ese siempre fue nuestro foco. Hablamos de la fe, que existe en todas partes del mundo y de diferentes formas, del deseo, de la soledad, de la avaricia y esos son temas universales, creo que por ahí está la conexión con el público.

Entrevista: Sebastián Cordero, Rabia

Mientras Sebastián Cordero (Ratas, Ratones y Rateros, Crónicas) se encuentra trabajando en la música y el sonido de su más reciente proyecto El Pescador, su anterior filme Rabia (Strand Releasing) que se proyectó de manera comercial en Nueva York, Miami y Los Angeles, llega al mercado del dvd en Estados Unidos. Como saben, ya hemos hablado de manera extensa de esta verdadera  joya de Iberoamérica, que exalta la labor de las coproducciones y sin olvidar que lleva la firma del mismo Guillermo Del Toro. Así que con motivo del lanzamiento de Rabia en dvd, hablamos con el cineasta ecuatoriano sobre la suerte que corrió su filme en los Goyas, a quien considera su "madre cinematográfica", de su próximo filme de carreteras y no se preocupen que no le preguntamos sobre el director de El Laberinto del Fauno.

Christian Del Moral: Rabia es una excelente cinta, tiene un extraordinario elenco y una historia bastante compleja e interesante, por lo tanto me decepcionó un poco que no la hayan tomado en cuenta para las nominaciones de los Goyas...

Sebastián Cordero: Muchas gracias. Sí, la verdad yo no sé que pasó ahí... es de esos misterios. Pensé que por lo menos, tal vez la actuación de Gustavo (Sánchez Parra), o igual el papel de Concha Velasco, que está realmente maravilla... pero se fueron por otro lado completamente. Así fue.

Entrevista: Jorge Michel Grau, Somos lo que Hay

Después de un recorrido por el circuito internacional de cine, Somos lo que Hay (IFC Films), ópera prima de Jorge Michel Grau se estrena en Estados Unidos. La cinta de caníbales mexicanos que luchan por la sobrevivencia, después que su padre y proovedor del alimento falleció,  sigue ganando adeptos y no por nada formó parte de nuestro Top 5 2010 del cine mexicano. Mientras Michel Grau estuvo en Nueva York presentando la cinta durante el New York Film Festival hace unos meses, pudimos hablar con él sobre su ópera prima, el cine de los años 70 y que piensa del público de nuestra caótica ciudad en la siguiente entrevista...

Christian Del Moral: Desde las primeras imágenes de Somos los que Hay, me recordó ese cine mexicano de los años 70... 

Jorge Michel Grau: Sí claro, por supuesto...

Entrevista: Federico Veiroj, La Vida Util

 

Muchos conocen a Federico Veiroj por su trabajo en Acné, una cinta latinoamericana que se colocó entre las más anticipadas del 2008 y cuya distribución comercial llegó a un buen de países. Aquí se le pudo ver en el Latinbeat del 2009, y en otros festivales donde conquistó premios, pero es su segundo trabajo La Vida Util, representante de Uruguay ante los premios Oscar, que alcanza distribución en el país y se estrena mañana por una semana en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York.

El respaldo de la distribución recaé en la muestra Global Lens, que la llevará otras ciudades y podrá ser vista en otras plataformas. Así Veiroj, se suma a Adrián Biniez (Gigante), Enrique Fernández y César Charlone (El Baño del Papa), cuyas producciones en los últimos años han llegado al circuito comercial en Estados Unidos, vía Uruguay.

Pero volviendo a La Vida Util, coproduccción entre Uruguay y España, trata sobre un hombre mayor (Jorge Jellinek, famoso crítico de cine y sin experiencia actoral) quien después de laborar por años en una cinemateca y de todavía vivir con sus padres, pierde su trabajo y quizás una de sus máximas pasiones. Ahora deberá encontrar un sentir a la vida, sin el cine. Veiroj comenzó a desarrollar esta interesante idea (ahora un íntimo y minimalista film en un bellísimo blanco y negro) desde sus años de trabajo en dos cinematecas (Montevideo y Madrid) y por si fuera poco mantiene una cercanía con una de ellas, la Cinemateca Uruguaya, en donde se filmó su película. Pero mejor dejemos que este joven director nos explique en esta entrevista de cómo surgió tal idea, del por qué Acné no llegó a los cines estadounidenses, y su pensar sobre la decisión en Uruguay por mandar a La Vida Util a la contienda por el Oscar.

Christian Del Moral: Has creado una historia universal, que relativamente se mira atemporal, pero es completamente relevante hoy en día: las instituciones culturales deben ser económicamente rentables. ¿Qué tan presente estaba la crisis económica qué sacudió al mundo, en la realización de La Vida Util?

Federico Veiroj: La crisis económica mundial estuvo presente más en la post producción que durante el rodaje. No obstante en un país pequeño como Uruguay, las crisis regionales también se han caracterizado por afectar a la cultura en general, independientemente de la época. Imagino que como en muchos otros países, la cultura es una de las áreas que más se resiente en momentos de recesión. Entiendo la 'rentabilidad' de la institución cultural que se presenta en la película como una representación de los cambios en la sensibilidad a la hora de acerarse a una obra artística; en este caso, la rentabilidad de la institución se puede traducir en el de una película o un libro o una canción.

Las Entrevistas del 2010

Evidentemente no fue un año tan productivo en cuanto a las entrevistas, como lo fue el 2009. Aún así, tuvimos la oportunidad de entrevistar a grandes personalidades, algunos en persona y por otros medios. Como siempre la falta de tiempo, juega un papel fundamental para la realización de las mismas, pero estamos contentos por la importancia que nuestro espacio representa para ellos y sus proyectos. 

 

En sí, la misión es simplemente dar a conocer y promocionar lo que llega a nuestra ciudad. Ya tenemos la primera entrevista del 2011, así que ya la verán pronto. Por si alguno de ustedes se perdió las entrevistas que realizamos durante el 2010, aquí van de nuevo:

 

Entrevista: Alvaro Pastor, Yo También (Me Too)

El hecho de no contar con la firma de Almodóvar, el empuje de Guillermo Del Toro o del elenco que pueda convocar Alejandro Amenábar, es el fin para muchas producciones españolas con aspiraciones a ser distribuidas en Estados Unidos. Fuera de algunas co-producciones y un par de cintas con capital y dirección castellana, hasta ahora solo una película  española (REC 2) se ha exhibido en el circuito limitado estadounidense. 

 

Pero eso cambiará mañana en el Cinema Village cuando comience el trayecto de la ópera prima de Alvaro Pastor y Antonio Naharro, Yo También en Nueva York, para después llegar a Los Angeles, Miami y puede que otras ciudades. Como sabrán, la trama envuelve el encuentro y la exploración medio romántica de Daniel (Pablo Pineda) un chico con síndrome de Down y Laura (Lola Dueñas), una mujer algo perturbada. Y aprovechando que Alvaro Pastor, anda por primera vez en la Gran Manzana súper contento, nos encontramos en el lobby de su hotel para hablar de su experiencia en Sundance, de dirigir a Pineda, de lo que espera en Estados Unidos y ¡del color de pelo de Dueñas!  

Christian Del Moral:A Yo También le fue muy bien en Sundance, hace casi un año, en San Sebastián y en los Goyas ¿cómo ves el estreno de tu película en Nueva York?

Alvaro Pastor: Lo mejor que nos podía pasar fue estrenar en Estados Unidos, porque es muy difícil aquí. Y desde que la película dejó de estar en cartel en España, hemos empezado a estrenar en varios países y le ha ido muy bien afuera. Ahora estamos con muchas expectativas con lo que ocurrirá aquí, buen es un estreno pequeñito pero poco a poco...

Premios Cinema Tropical: Entrevista a Carlos A. Gutiérrez

Hace casi dos semanas se llevaron a cabo por primera vez los Premios Cinema Tropical, y como recordarán se trató de un reconocimiento a los 10 filmes latinoamericanos más importantes de la década. El evento fue todo un éxito, llevado a cabo con sumo cuidado y un profesionalismo de primera (¡y eso que llegamos súper tarde, pero hey alguien tiene que trabajar!). Cubriendo eventos latinos en Nueva York, por más de una década, he visto de todo: malo y bueno. No obstante, ver las excelentes imágenes seleccionadas de Ciudad de Dios, Luz Silenciosa, Amores Perros y La Ciénaga, en el auditorio del New York Times, fue algo memorable que no solo nos remonta a la importancia del filme sino a nuestras propias vidas como espectadores y habitantes de Nueva York. Pero mejor dejemos que sea Carlos A. Gutiérrez, quien está al frente de Cinema Tropical y uno de los responsables del evento, que nos dé sus impresiones de cómo surgió la premiación, qué viene para su organización y cómo le hicieron para que Lucrecia Martel y Carlos Reygadas estuvieran presentes.

Christian Del Moral: Parece que fue hace unas semanas cuando Cinema Tropical dio a conocer la lista, que el Wall Street Journal nombró "Latin American Films: The Greatest Hits," y a casi un año de distancia se están viendo los resultados: entrega de premios con transmisión en vivo, un libro y un ciclo en una sala de IFC Center. ¿Cómo llegaron a esos tres eventos y si se cumplieron las expectativas?

Carlos A. Gutiérrez: La idea de los premios ya venía de atrás, de varios años y de diferentes lados. Cuando hicimos la encuesta el año pasado y agarró tanta notoriedad supe que era el momento de lanzar el proyecto de la creación de los Premios Cinema Tropical. Una vez que detectamos el proyecto, se fue alimentando de alianzas institucionales y patrocinios que hizo posible los demás componentes del proyecto: el libro, la serie y demás. En cuanto a las expectativas, se sobrepasaron ¡y por mucho! Sabíamos que iba a ser un proyecto importante y exitoso, pero creo que nunca nos imaginamos que iba a funcionar tan bien. Particularmente la ceremonia de premiación, a mí en lo personal quedé sorprendido por el calibre de los invitados especiales y que todos fueron muy generosos dejando egos a un lado para celebrar la grandeza del cine latinoamericano.

Entrevista: Mariana Chenillo, Cinco Días sin Nora

 

Para una cinta —poco clasificable, ópera prima y dirigida por una mujer—, que no entraba dentro de lo que se espera de una latinoamericana en los festivales, Cinco Días sin Nora demostró que se puede sobrevivir en el circuito y de paso dar a conocer uno de los debuts más prometedores del cine mexicano en los dos últimos años, su directora y guionista Mariana Chenillo (foto abajo).

La trayectoria del filme —que trata sobre la preparación del funeral judío de Nora, cuyo suicidio es cuestionado por su ex-esposo (excelente Fernando Luján) ya que es él quien debe llevarlo a cabo—, ha sido constante y va por más. De su estreno en el Festival de Morelia hace dos años, sus múltiples premios en otras justas cinematográficas, la apertura del Latinbeat 09 en el Lincoln Center y de su paso triunfador por los Arieles, ahora esta ópera prima tiene un reto más: su estreno en el legendario cine The Paris, localizado a unos cuantos pasos del Parque Central.

Entrevista: Betty M. Park, Machachas del Ring

Ayer conocimos un poco del trabajo de la joven directora Betty M. Park, quien presenta mañana su ópera prima Mamachas del Ring, junto a Carmen la Campeona, la protagonista del filme que llegó a la Gran Manzana hace unos días por primera vez y se la está pasando increíble [unas fotos aquí]. Pero volvamos al fascinante documental, que trata sobre un grupo de luchadoras bolivianas que deciden tomar las riendas de su trabajo y fama.

 

Con tan buena historia —cine documental independiente de verdad—, no pudimos resistir entrevistar a Park y como también vive en Nueva York (a fellow New Yorker!), fue mucho más fácil.  Aquí nos dice sobre su inspiración, la incorporación animada, qué tan bien habla español y cómo reaccionó cuando el director de fotografía la dejo plantada... Ambas estarán presentes en las funciones de mañana y sábado (info al final).

Christian Del Moral:¿Puedes hablar sobre el ensayo fotográfico que te inspiró la realización de Mamachas del Ring?

Betty M. Park: Estaba viajando como turista entre Perú y Bolivia, y mientras esperaba en el aeropuerto para regresar a Nueva York, observé esta revista medio cool e interesante llamada

Etiqueta Negra. Comencé a hojearla y de repente me encontré con unas imágenes fascinantes de unas cholitas luchando con su vestimenta tradicional. Me había acostumbrado a verlas caminando por las calles de Bolivia, pero verlas volando en medio del cuadrilátero, fue de verdad increíble. Desde ese momento, mi imaginación fue conquistada por completo. La idea de hacer el documental fue casi inmediata. Por cierto, el fotógrafo que tomó las imágenes, Noah Friedman-Rudovsky, es un estadounidense que vive en Bolivia,y quien solía vivir en el mismo barrio de Brooklyn donde ahora resido. Noah jugó un importante papel en ayudarme a establecer contacto con las luchadoras.