Thursday, January 27, 2011

Reseña: Rabia

Los personajes de migrantes en el cine español, por lo regular, solo sirven de fondo. Algunos con más gracia que otros, con historias similares o peores, solo son una casualidad narrativa. Quizás la representación sea correcta, pero siempre carente de voz. En Rabia (Strand Releasing), tercer largometraje de Sebastián Cordero, se centra en dos migrantes sudamericanos con voz y puños, en donde los españoles son simplemente circunstanciales. Rosa (Martina García), una atractiva empleada doméstica de planta y José María (interpreatado excelentemente por Gustavo Sánchez Parra) un trabajador de la contrucción con un fuerte temperamento, al parecer han comenzado un romance. Quizás el aislamiento social, las condiciones de vida y la cuestión laboral, hacen de ellos, la perfecta pareja.

Esta pauta, muchos pensarían, va en dirección a un drama romántico y en menos de cinco minutos,  este cineasta ecuatoriano da paso a una tensión que se robará la atención hasta el final. Estamos ante un thriller social de grandes proporciones, y que viene de la mano de Guillermo Del Toro. La influencia del mexicano está presente, muchos de los elementos característicos de su cine se pueden observar, pero siempre a una distancia e independencia.

Cuando José María descubre que a su novia, unos chicos españoles la acosan, decide tomar cartas en el asunto. Por su parte, su empleador, en la construcción donde labora, sirve de constante recordatorio que él pertenece a ese lugar. "Ya no estás en tu país, no estás en tu pueblo", dice. Una vez que se enteran de lo acontecido, él decide despedir a José María. Más tarde un altercado entre ambos, termina en su muerte y el migrante debe de escapar.

Cordero mantiene de cerca la cámara con José María, quizás para proyectar a intensidad, el nerviosismo y la rabia que atraviesan por él. Al no tener lugar donde ir, desaparece de la vista del mundo y de Rosa, se esconde en la inmensa casa donde ella labora y que en otras ocasiones ha visitado. Consciente a lo que se expone Rosa en esa casa, no solo la vigilará, sino también la protegerá.

El director entiende y explora los estereotipos de ambos lados, los juicios corresponden a sus actos y no a la persona u origen. En el pasado ha demostrado que puede con el género y mantener control de un elenco multinacional (¡que por cierto está de maravilla!) sin comprometer la historia que desea contar. Ahora con Rabia no solo vuelve a mostrar esos dotes, sino su clara evolución.
Rabia (España/Colombia/México) se estrena mañana en el Cinema Village (22 East 12th Street). Strand Releasing lanzará el DVD el 8 de marzo.

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Wednesday, January 26, 2011

Global Lens 2011: La Mirada Invisible

En una de las primeras escenas de La Mirada Invisible, del argentino Diego Lerman, María Teresa Cornejo (interpretado extraordinariamente por Julieta Zylberberg), es cuestionada por su jefe en turno sobre el secreto de una buena disciplina. Marita, como la llaman en su casa y quien es una de las encargadas del orden y buenas costumbres en pomposo colegio (¡de las Ciencias Morales!) de clase media-alta en Bueno Aires, responde: "la vigilancia". Aquella que es permanente y en todo lugar dice, mientras el señor Biasutto (Omar Nuñez) agrega "una mirada atenta, que no pierda detalles", debe ser asegura ella: "la mirada invisible". 

Lerman encontró la perfecta historia de este increíble y perturbador drama, para hablar a modo alegórico, sobre el estado represor a nivel social e individial que se vivía en 1982 (seis años del comienzo de la sangrienta dictadura militar en Argentina y en plena debacle). En Marita, una chica de 23 años, se ve la soledad y la rigidez con que debe de comportarse, carente de pasatiempo alguno y con la responsabilidad de mantener a su abuela y madre, todas son solteras. La represión interna que vive, quizás sea hereditario, pero es el autoritamismo dentro de la escuela y la disciplina con que desempeña su labor, que no le permiten saber quien es realmente ella.
Su despertar sexual comienza mucho más tarde de lo que se tiene previsto, tal vez la incertidumbre vivida en los primeros años de la dictadura, retrasa ese momento de curiosidad y gusto. Aquí es pura especulación, ya que la historia en ningún momento hace referencia al sistema político, a la violencia externa o de las condiciones sociales de manera directa. El espectador escucha, sabe de las referencias, los detalles están ahí, se convierte en la propia mirada invisible.

Aún cuando Marita goza de su autoridad y del cumplimiento con que los demás la siguen, su condición de mujer no le permite entrar a los baños de los varones. Así que concibe, con el permiso de Biasutto, una investigación personal para descubrir quienes están fumando en esos sanitarios. El hecho de fumar en el colegio, asegura el jefe de la disciplina, "es el cáncer de la subversión que todavia nos amenaza". Es entre los olores de orines y mierda, que comienza su despertar; es el lugar íntimo para conocerse. A medida que el sistema político comienza a desmoronarse, Marita coquetea de manera muy limitada con su propia liberación. Pero también su nueva obsesión, espiar a los chicos en los baños, no tiene límites y al ser descubierta, tendrá que alinearse a los posibles embatles de la autoridad y su represión interna.

Siendo la tercera producción de Diego Lerman (Mientras Tanto, Tan de Repente), la Mirada Invisible no ofrece controversias gratuitas o baratas. La fina presición de su guión, sugestivo e íntimo, y la extraordinaria ejecución de los actores, deja de lado los posibles juicios que se puedan emitar. No obstante, al final muchos pensaran en Marita la represora, o la víctima de un sistema. Para mí, es una héroe.
La Mirada Invisible (The Invisible Eye, 2010) que forma parte del ciclo Global Lens 2011, se exhibe mañana en MoMA a las 7:00 p.m. Teatro 2 Más info aquí.

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Los Mejores Documentales del 2010

Fueron más de 50 documentales que presenciamos durante el 2010 y a no querer sonar como el año pasado, pero fue un magnífico año para el cine de la no ficción en Estados Unidos. Y al parecer en otras naciones, también. A continuación van los 10 mejores, según nuestra opinión, que se estrenaron comercialmente en el país, en televisión o cine. Como podrán ver, no quisimos repertir el error del año pasado y no entraron aquellos que sólo se exhibieron en festivales y con toda tristeza, ya que varios de ellos hubieran estado en esta lista. Hubo otros que no pudimos ver antes del 31 de diciembre y que seguro hubieran encontrado un lugar aquí (del número 8 al 10);  tal es el caso de Last Train Home (Lixin Fan), The Tillman Story (Amir Bar-Lev), A Film Unfinished (Yael Hersonski), y Boxing Gym (Frederick Wiseman). Aquí los dejo con la lista, como ya saben nos vemos con sus preferidos en los comentarios...

Director: Banksy
Todo lo que esperas en un documental actual, ETTGS lo tiene: historia, fuerza, equilibrio, originalidad, y el elemento sorpresa, es único. Quién está detrás de todo esto, sabe sobre la evolución de la cultura pop y se debe de festejar.


Director: Charles Ferguson
¿Cómo fue que se llegó a la crisis económica mundial y a la peor recesión en Estados Unidos? Ferguson tiene todas las respuestas, y lo explica de una manera contundente, directa y sin afilación política. El final, al igual que ETTGS, tiene uno inesperado pero a diferencia de aquel, éste no es nada esperanzador.


Director: Don Argott
La simple historia del Doctor Albert C. Barnes, y su amor por el arte, merecían un filme. Argott nos da eso y más; logra con lujo de detalle documentar el abuso y la ambición de quienes para él no merecían ningún respeto. ¡No se lo pierdan!


Directoras: Heidi Ewing y Rachel Grady
La guerra del aborto en Estados Unidos, a favor y en contra, queda plasmada de una manera en que pocas veces la hemos visto en el cine. Intimo, apasionante y lleno de suspenso, son la perfecta combinación de este sólido filme que fue ignorado por completo.


Directora: Laura Poitras
Otro filme que fue ignorado en 2010 y todavía sin entender el porque, fue el excelente The Oath. Quizás porque Poitras presenta a dos personas relacionados con Al Qaeda, de manera muy natural y sin ningún prejuicio. Me imagino que ese fue el gran problema.

Directora: Geralyn Pezanoski
¿Qué sucedió con los animales que fueron olvidados durante la evacuación de Katrina en Nueva Orleans? Pezanoski combina una historia emotiva y de activismo pro-animal, dentro de una ya triste tragedia, en donde las clases sociales y la raza, siguen imperando. 
Director: Michael Epstein


Directora: Lucy Walker, y co-dirigido por João Jardim y Karen Harley
Lo acepto es un filme que agrada al público y quizás su protagonista es algo odioso, pero nadie duda del poder y la transformación en aquellos que llegan a aparecer.


Directoras: Ricki Stern y Anne Sundberg
En su momento dijimos que JRAPOW no va más allá del perfil reivindicador de la celebridad y por eso no sorprende que haya sido ignorado por completo en la ronda semifinal por el Oscar. Pero es Joan Rivers, quien demuestra su fuerza y lado vulnerable.


Directores: Roberto Hernández y Geoffrey Smith
A primera vista me pareció lo más increíble, pero entre más lo vi, noté sus deficiencias y descarada manipulación. Sin embargo, la historia central es consistente: la verguenza del sistema judicial mexicano.

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Monday, January 24, 2011

Rabia, de Sebastián Cordero, desde el Viernes 28 en Cinema Village

Ultimamente he visto el nombre de Guillermo Del Toro, salir en algunas óperas primas. Los trabajos en lo que se involucra el cineasta mexicano, van de lo más  efectivo y con una gran visión (El Orfanato, Juan Antonio Bayona), a lo obscuro y atrevido de la ciencia ficción (Splice, Vincenzo Natali). Sin embargo, hay otros que no pasan del éxito de taquilla pronto a olvidar (Rudo y Cursi, Carlos Cuarón; Los Ojos de Julia, Guillem Morales) y están aquellos que no logran cruzar las fronteras comerciales (Cosas Insignificantes, Andrea Martínez). ¿Existe otro filme que pueda despertar el interés y que lleve la firma de Del Toro? La respuesta es afirmativa y quienes nos leen de España y México, saben de lo que estoy hablando. Se trata de Rabia (Rage, México/España/Colombia) la tercera producción del cineasta ecuatoriano, Sebastián Cordero, y que se estrena este viernes en Nueva York. No es la primera vez que ambos hacen mancuerna, en Crónicas (2004) su anterior trabajo, también fungió como productor. Ahora seis más tarde, regresa con un thriller social filmado en España, el cual se colocó en la séptima posición del Mexacritic (que hoy dará a conocer las nominaciones del 2001). La historia envuelve a una pareja de enamorados inmigrantes (Martina García y Gustavo Sánchez Parra), que ante el aislamiento y las condiciones de vida, se refugian entre sí a pesar de no conocerse del todo. Una confrontación entre el novio y su empleador resulta en tragedia, y al tratar de huir de la policía él decide escondense en la inmensa casa, donde su enamorada es la empleada doméstica. Pero ya que tendremos más sobre Rabia en unos días, aquí va el tráiler:

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Sunday, January 23, 2011

¡Las Semifinalistas al Oscar por Mejor Película Extranjera y mis Predicciones!

Uno de los momentos que esperamos con mayor ansia, hasta nos hizo olvidar nuestro cuarto aniversario (ese viene en un par de días), es el anuncio de las semifinalistas a Mejor Película Extranjera de la Academia de Cine de Estados Unidos, quienes entregan el Oscar. En diciembre comenzamos con nuestra sección dedicada a las cintas de América Latina y España, y sus posibilidades en la contienda. Y así recorrimos cada una de ellas y creo que no lo hicimos mal. Tal y como lo aseguramos México y España entraron en la ronda semifinal, pero fallamos con Perú. Así lucen las nueve finalistas: 

  • Argelia - Hors la Loi (Outside the Law), Rachid Bouchareb
  • Canadá - Incendies, Denis Villeneuve
  • Dinamarca - In a Better World, Susanne Bier
  • España - También la Lluvia (Even the Rain), Iciar Bollain
  • Grecia - Dogtooth, Yorgos Lanthimos
  • Japón - Confessions, Tetsuya Nakashima
  • México - Biutiful, Alejandro González Iñárritu
  • Sudáfrica - Life, Above All, Oliver Schmitz
  • Suecia - Simple Simon, Andreas Ohman
Por primera vez en varios años, estoy contento con la selección y al parecer el mundo entero, claro ¡excepto por los franceses! La inclusión de Grecia y Japón, llaman poderosamente la atención, no solo por lo perturbador de sus historias, sino por su excelente ejecución. Eso se dio gracias a la iniciativa creada hace un par de años: un segundo comité denominado elite, compuesto por gente de la industria, agregaría tres títulos que el comité general tiende a ignorar. Y ahora, a un par de años de su creación, por fin estamos viendo los resultados, en otras palabras, está funcionando. Una cinta como la griega, jamás sería considerada en la ronda semifinal solo por su contenido, eso no considera que sea una mala cinta, ¡es excelente! Con esta selección, la Academia demuestra que puede sorprender y estar en sincronía con el sector de la prensa especializada, sus mayores críticos. Si el comité buscaba relevancia y audacia, lo han encontrado con esta tercia (se especula que son Grecia, Japón y una tercera que es todo un enigma). La indignación de haber no incluído a la francesa, parece que sólo sucedió en ese país ya que varios pronósticos, la daban por fuera, así que no fue una sorpresa. Italia, Israel y Alemania (una de mis favoritas), no lograron causar buenas impresiones desde el principio y su rechazo, tampoco se vio tan mal.

Y ahora mis predicciones, las nominadas serán: 
Sony Pictures Classics tiene tres en la lista, por lo tanto creo debe ceder un lugar y ese será, Sudáfrica. Me volvería loco de contento por la inclusión de Grecia, pero al igual que muchos pienso que su inclusión en la ronda semifinal, fue suficiente y su lugar será ocupado por Japón. Dinamarca parece llevar la delantera, pero el resurgimiento de Biutiful, las pone en franca delantera. Desde el momento que vi la española, pensé que llegaría lejos por lo compleja de la historia, su buen guión, y ni que decir de la producción y la presencia de Gael García Bernal, así que me voy con esa también. No he visto la canadiense, pero parece que tiene fuerza y pasa por un buen momento. ¿Alguien ha visto la japonesa? Dejen sus predicciones e impresiones en los comentarios. ¡Suerte a los nueve países el martes!

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    Thursday, January 20, 2011

    NYJFF 2011: Los 36 Justos y Te Extraño

    El Festival de Cine Judío de Nueva York, que está celebrando dos décadas de vida, comenzó la semana pasada y dos filmes latinoamericanos de cineastas argentinos tienen previsto su estreno en unos días. Primero está Daniel Burman, quien recién finalizó la producción del documental Los 36 Justos, el cual tendrá su estreno mundial el próximo miércoles. Conocido ampliamente por los aficionados a este ciclo (El Abrazo Partido, El Nido Vacío, y Esperando al Mesías, recibieron estreno aquí), Burman presentará ahora un documental sobre una peregrinación de judíos ortodoxos que se realiza cada año en Polonia, Ucrania y Rusia. El viaje parece, es algo personal.

    La segunda producción invitada es Te Extraño, de Fabián Hofman, quien reside en México. La cinta se estrenó el año pasado en ese país, y en la Mexacritic —próxima a dar las nominaciones— llegó a la décima posición lo que significa un promedio positivo. El drama trata sobre el exilio involuntario, que un chico judío de 15 años debe soportar. Ante la desaparición de hermano mayor, durante la dictadura en Argentina, su familia decide mandarlo con unos familiares a México. Definitivamente el segundo filme de Hofman, entra en nuestros planes, y para que lo pongan en su agenda aquí van los horarios: 

    Los 36 Justos (36 Righteous Men) 
    Daniel Burman (Argentina, 2011). 70 min.
    Se proyecta con Inventory, de Pawel Lozinski (Polonia, 2010) 9 min.
    26 de enero: 3:45 pm
    26/01: 8:30 pm

    Te Extraño (I Miss You) 
    Fabián Hofman (México/Argentina, 2010). 96 min.
    22/01: 6:30 pm
    23/01: 8:30 pm

    Tickets por aquí.

    Te Extraño

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    Saturday, January 15, 2011

    Lo Peor del Cine en 2010

    El cine da para mucho: inquieta, cuestiona y transmite un sinfín de emociones. A veces no con las mejores intenciones y para eso, aquí va nuestra lista a lo peor del cine. Vamos de lo peor a la peorcito: 

    Director: Tyler Perry
    Quisieron ser el Precious del 2010, sin contar que tenían un desastre total en sus manos. A este director no se le puede tomar seriamente de ninguna manera; lástima por el gran elenco femenino que no pudieron hacer mucho.


     Director: Guillem Morales
    De El Orfanato no queda nada. El intento de cine fantástico y de horror, que pretenden vender con el nombre de la anterior y su productor Guillermo Del Toro, desenboca en una triste parodia de filmes del viejo Hollywood. Es oficial: Belén Rueda está encasillada.


    Director: Christopher Nolan  
    Dos horas y media de pesadillas, con un desaprovechado elenco y una historia que pretende revolucionar la imaginación del espectador, solo provocaron bostezos y nada más. Las explosiones, las interminables y espectáculares gráficas y un sonido abrumador, no hacen una buena cinta. Y ni que decir de los repetitivos e insulsos diálogos.
     

     Director: Steve Antin
    La vi sólo por Cher y para tenerla en la lista: ¡lo logró! Un gran videoclip, con una trillada historia, que tiene por demás a Christina Aguilera y muy poco de Cher.


    Director: Eva López Sánchez
    Una noche de copas en la Ciudad de México para conocer los estereotipos juveniles de las clases sociales, es mucho más divertida y entretenida, que este mediocre film pretende recrear.


    Director: Antonio Serrano 
    Esta producción no se pudo quejar de la falta de presupuesto, talento y distribución. ¿El gran error? Un director sin experiencia, y carente de rigor con sus actores, cuya pasión en el proyecto es cuestionable. TVE debió haberle prestado unos actores españoles, para una mayor autenticidad.


    Director: Jorge Ramírez Suárez
    Intento de comedia romántica, con actores de televisión e historias que simplemente son absurdas. No tengo paciencia para este tipo de cine.


     Director: Vicente Aranda  
     No he visto una cinta de Aranda, en más de una década y realmente no sé qué le pasó. Tristemente Eduardo Noriega, con un doble papel, aspira al trofeo del Peor Actor del Año. 


    Director: Murilo Pasta
    Una de las coproducciones más fallidas del año, que bien podría resultar en un distanciamiento diplómatico entre Brasil y España. El que programó esta cinta en Sundance me imagino que ya no trabaja ahí.


    Director: Michael Patrick King
    Me da un poco de vergüenza admitir que la vi. ¡Sin comentarios!

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    Wednesday, January 12, 2011

    Entrevista: Federico Veiroj, La Vida Util

    Muchos conocen a Federico Veiroj por su trabajo en Acné, una cinta latinoamericana que se colocó entre las más anticipadas del 2008 y cuya distribución comercial llegó a un buen de países. Aquí se le pudo ver en el Latinbeat del 2009, y en otros festivales donde conquistó premios, pero es su segundo trabajo La Vida Util, representante de Uruguay ante los premios Oscar, que alcanza distribución en el país y se estrena mañana por una semana en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York.

    El respaldo de la distribución recaé en la muestra Global Lens, que la llevará otras ciudades y podrá ser vista en otras plataformas. Así Veiroj, se suma a Adrián Biniez (Gigante), Enrique Fernández y César Charlone (El Baño del Papa), cuyas producciones en los últimos años han llegado al circuito comercial en Estados Unidos, vía Uruguay.

    Pero volviendo a La Vida Util, coproduccción entre Uruguay y España, trata sobre un hombre mayor (Jorge Jellinek, famoso crítico de cine y sin experiencia actoral) quien después de laborar por años en una cinemateca y de todavía vivir con sus padres, pierde su trabajo y quizás una de sus máximas pasiones. Ahora deberá encontrar un sentir a la vida, sin el cine. Veiroj comenzó a desarrollar esta interesante idea (ahora un íntimo y minimalista film en un bellísimo blanco y negro) desde sus años de trabajo en dos cinematecas (Montevideo y Madrid) y por si fuera poco mantiene una cercanía con una de ellas, la Cinemateca Uruguaya, en donde se filmó su película. Pero mejor dejemos que este joven director nos explique en esta entrevista de cómo surgió tal idea, del por qué Acné no llegó a los cines estadounidenses, y su pensar sobre la decisión en Uruguay por mandar a La Vida Util a la contienda por el Oscar.

    Christian Del Moral: Has creado una historia universal, que relativamente se mira atemporal, pero es completamente relevante hoy en día: las instituciones culturales deben ser económicamente rentables. ¿Qué tan presente estaba la crisis económica qué sacudió al mundo, en la realización de La Vida Util?

    Federico Veiroj: La crisis económica mundial estuvo presente más en la post producción que durante el rodaje. No obstante en un país pequeño como Uruguay, las crisis regionales también se han caracterizado por afectar a la cultura en general, independientemente de la época. Imagino que como en muchos otros países, la cultura es una de las áreas que más se resiente en momentos de recesión. Entiendo la 'rentabilidad' de la institución cultural que se presenta en la película como una representación de los cambios en la sensibilidad a la hora de acerarse a una obra artística; en este caso, la rentabilidad de la institución se puede traducir en el de una película o un libro o una canción.

    CD: Es tan universal el relato, que bien podría ver su remake centrado en cualquier arthouse de Nueva York, como en el Film Forum; protagonizada por un empleado o aún mejor: un asiduo espectador. ¿Crees qué ese sea su atractivo fundamental, que cualquier persona inmersa en ese medio pueda identificarse?

    FV: Creo que cualquier persona a la que le atraiga ver una película en una sala de cine, o que haya tenido una experiencia muy decepcionante en su trabajo, podría sentirse identificada. No obstante creo que cualquier espectador con ganas de ver una historia de un personaje maduro ante una crisis, puede estar atraído por la película. Pretendo que la película sea entendida por todo aquel que se acerca a ella. La experiencia en Uruguay, y en Festivales me ha confirmado que la película puede llegar emocionar a cualquier espectador más allá de su relación con un cineclub o una cinemateca. Naturalmente, eso es muy gratificante para mí. De todos modos, ¡me encantaría ver la remake!


    CD: Otra parte esencial de lo captado, es que va más allá de sensibilizar al espectador sobre la profesión de traer y proyectar cintas sin fines másivos, sino de entender y vivir el cine, como el caso del principal personaje. ¿Cómo fue el proceso de colaboración entre Jorge Jellinek y tú para la creación de ese personaje?

    FV: Entre 2002 y 2005 estuve escribiendo un guión que se desarrollaba en una cinemateca en Madrid y en otra cinemateca en Montevideo. Era una historia de un personaje que volvía a sus raíces y a la cinemateca de su adolescencia. Ese guión que se llamó Semana de Turismo, lo dejé de lado cuando comencé a trabajar en el largometraje Acné. Durante la difusión en Uruguay de Acné conocí a Jorge Jellinek y no puede evitar relacionar su físico y su rostro a ese viejo guión. Es así que comencé a retocar y escribir para él; hasta que exploté y le propuse filmar la película. Él no es actor sino periodista y programador cinematográfico, y nunca había trabajado en una cinemateca; sin embargo por ser tan familiar el mundo que yo quería expresar, dijo que se animaría a hacer la película. Yo estaba tan convencido de él como actor que pensé en no filmarla si él no se animaba. Así es que con unas latas de 16mm que había ganado con el premio del AFI Festival de Los Angeles con Acné en 2008, me largué a filmar con un equipo de amigos cercanos como Arauco Hernández en fotografía (estudiante de guión de la Universidad de Columbia) y con la confianza de Jorge Jellinek. Luego de algunas charlas, ensayamos algunas escenas, otras las fuimos haciendo en el set, y en general, Jorge se brindó al 100 por ciento a la película sin negarse a hacer nada de lo que yo le proponía. Corríamos con la ventaja de lo familiar que era el mundo que se estaba retratando. Creo que él fue muy generoso con la película ya que se animó a jugar tanto como el guión se lo pedía, y considero que sale ganando...

    CD: Podría decirse que la cinta se concentra en dos partes, curiosamente tuviste que parar la filmación a la mitad por falta de presupuesto y la retomaste seis meses después. ¿Cómo sucedió eso? ¿Cómo director, qué tan estresante fue esa situación?

    FV: Filmamos la película en dos etapas, así es. La falta de presupuesto existió durante ambas etapas de rodaje, y no fue el motivo principal por el que decidí filmarlas por separado. Durante la primera parte filmamos fragmentos de un guión que teníamos escrito con mi colega Inés Bortagaray; priorizamos aquellas escenas que incluían la cinemateca y al personaje de Martínez. Luego de editar esos fragmentos, decidimos no filmar lo que aún estaba en el papel, que eran en su mayoría, escenas de la vida cotidiana del personaje de Jorge. Consideramos que no era necesario verlo más que en su trabajo. Por lo tanto, en los meses siguiente estuvimos pensando como seguir adelante con ese personaje que ya tenía una imagen tan potente, y fue ahí que se incluyó como guionista nuestro colega Gonzalo Delgado. A partir de unos comentarios de él luego de disfrutar mucho viendo la primera mitad ya editada, decidimos que la película continuaría con aquellos ratos posteriores a la salida del trabajo del personaje de Jorge. Cuando tuve claro que eso era lo que quería filmar, volví a reclutar al grupo de amigos profesionales que por suerte estaban disponibles, y nos largamos en la segunda parte de la aventura. Quizás suene extraño pero no tuve estrés por la diferencia de tiempo entre las dos etapas de rodaje. Todo lo contrario, me sirvió para reafirmarme más en la idea de lo que quería contar. Es importante notar que la película se hizo totalmente libre, sin ninguna presión externa, y con muchos amigos; por consiguiente, sin estrés.


    CD: A diferencia de Acné, la cual te llevo a varios festivales y tuvo estrenos comerciales en varios países, es La Vida Util que adquiere estreno en Estados Unidos y en MoMA por una semana. Debido al tema, mejor lugar no pudo haber encontrado, ¿no crees?

    FV: Sentí mucho que una película como Acné —que había tenido una acogida muy buena en el Festival de Toronto, que había viajado por varios festivales en USA, incluyendo el AFI de Los Angeles donde obtuvo el premio principal— no se estrenase comercialmente en USA. Sé que ha habido mucho interés y algunas ofertas concretas que luego el agente de ventas no pudo seguir adelante por motivos que me son ajenos. Hoy, a casi tres años de haber terminado Acné, estoy todavía convencido que el público americano la podría disfrutar mucho. Así es que en el presente estoy muy feliz que La Vida Util comience su recorrido americano en el MoMA, un lugar que respeto y admiro desde el primer día que lo conocí. Hace seis años se exhibió un cortometraje (que se presentará en la actual serie de Global Lens) llamado Bregman, el Siguiente (As Follows), en conjunto con el largometraje Whisky, como parte de las series de Global Lens 2005. Me siento muy privilegiado por tener la posibilidad que se exhiba mi trabajo en el MoMA.

    CD: Estoy seguro que muchos seguidores de la contienda del Oscar, la verán simplemente porque es la representante de Uruguay. ¿Cuál fue tu opinión sobre esa decisión?

    Yo estoy muy conforme con la película, sé que el equipo con el que trabajé también, y mucha gente cercana también. Todo lo que acontece a partir de eso es siempre positivo para la película y para todos los que hemos trabajado en ello. Siempre estaré a favor de todo lo que represente más difusión de un trabajo del cual me siento orgulloso, sea en el lugar que sea.

    CD: Y finalmente la pregunta obligada, ¿en qué estás trabajando actualmente? ¿Algún proyecto en puerta?

    FV: Recién estoy intentando abrir una ventana... Me falta un rato para estar cerca de la puerta.

    La Vida Util se proyecta con el cortometraje Bregman, el Siguiente (As Follows), también de la autoría de Veiroj, en la Sala 2 del MoMA en los siguientes horarios: 13/01, 8:00 p.m.; 14/01, 4:00 p.m.; 15/01, 1:30; p.m.; 16/01, 5:00 p.m.; 17/01, 4:00 p.m.; 19/01, 4:00 p.m. Más info aquí

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    Monday, January 10, 2011

    Taquilla Latina del 2010


    La ganadora del Oscar a la Mejor Película Extranjera, recaudó la mayor cantidad de dinero entre las películas iberoamericanas o de temática latina, en Estados Unidos. Pedro Almodóvar continúo con su presencia en el 2010, a pesar que su última película era un estreno del 2009. Alamar fue la película mexicana más exitosa, según las cifras que pudimos corrobar, aunque creo que Cinco Días sin Nora, obtuvo una cantidad mucho más alta de lo que señalamos pero no hay cifras oficiales. Dos documentales y un híbrido, entre los 10 más populares. Así terminó el 2010, con menos estrenos pero con más dinero, como lo podrán ver a continuación. El 2011 pinta bien y si algo interesante ocurre volveremos a comienzos de febrero.

      1.- El Secreto de sus Ojos (The in Their Eyes): $6,384,875. Sony Pictures Classics   
    *2.- Los Abrazos Rotos (Broken Embraces): $3,823,948. Sony Pictures Classics 
      3.- La Mission: $1,062,941. Screen Media
      4.- La Soga: $210,625. 7-57 Releasing 
      5.- South of Border: $198,600. Cinema Libre 
      6.- Waste Land: $99,847. Arthouse Films
    *7.- La Nana (The Maid): $95,230. Elephant Eye Films
      8.- Alamar: $55,709. Film Movement 
      9.- Contracorriente (Undertow): $53,774. Wolfe Releasing
      10.- REC 2: $27,766. Magnolia Pictures
      11.- Cinco Días sin Nora (Nora's Will): $25,300. Menemsha Films
      12.- The Two Escobars: $14,457. All Rise Films
      13.- La Teta Asustada (The Milk of Sorrow): 10,462. Olive Films
      14.- Only When I Dance: $8,738. Film Movement
    *15.- Crude (Crudo): $8,123. First Run Features 
    *16.- La Mujer sin Cabeza (The Headless Woman): $4,502. Strand Releasing
    *17.- Gigante: $4,385. Film Movement 
      18.- Altiplano: $2,961. First Run Features
      19.- Daniel & Ana: 2,372. Strand Releasing 
      20.- Manuela & Manuel: $1,582. Regent Releasing
      21.- Carmo: $1,512 First Run Features
      22.- Yo, También (Me Too): ? Olive Films
      23.- Entre Nos: ? IndiePix Films
     
    24.- Mundo Alas: ? Outsider Films 
     
    25.- Los Paranoicos (The Paranoids): ? Oscilloscope

      26.- Sequestro (Kidnapping): ? IFC Films

    *Estrenos del 2009 con cifras del 2010
    Cifras: Box Office Mojo y múltiples fuentes.

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    Global Lens 2011: La Vida Util, La Mirada Invisible y Os Inquilinos

    La primera muestra internacional de cine del 2011 en Nueva York, comienza este jueves y viene con tres títulos latinoamericanos. Hablamos de Global Lens, la exitosa colaboración del Global Film Initiative (GFI) y el Museo de Arte Moderno (MoMA) de esta ciudad, en donde se proyectaron del 13 al 28 de enero, nueve títulos de naciones con cinematografías emergentes. El año pasado la muestra ofreció tres sólidos trabajos y en 2011 parece que repiten con ese nivel. Primero destaca el estreno en Estados Unidos de La Vida Util, de Federico Veiroj, director de Acne, que se proyectará por una semana. También se exhibirán la brasileña Os Inquilinos, una de nuestras favoritas en Premier Brazil y La Mirada Invisible de Argentina. Además para quienes buscan ver a las seleccionadas que buscan un lugar en la nominación al Oscar por Mejor Película Extranjera, se proyectarán las representantes de Georgia y Kirguistán, e Uruguay con La Vida Util. Esperamos traer un poco más de esta siempre interesante y grata muestra, que llevamos años cubriendo. Mientras aquí va el programa con los horarios. Más info por acá. Todas las funciones se llevan a cabo en el Teatro 2.

    La Vida Util (A Useful Life, 2010). Uruguay.
    Federico Veiroj. 67 min.
    13/01, 8:00 p.m.
    14/01, 4:00 p.m.
    15/01, 1:30 p.m.
    16/01, 5:00 p.m.
    17/01, 4:00 p.m.
    19/01, 4:00 p.m.

    Os Inquilinos (The Tenants, 2009) Brasil. Sergio Bianchi. 103 min.
    14/01, 7:00 p.m.
    28/01, 7:00 p.m.

    La Mirada Invisible (The Invisible Eye, 2010). Argentina
    Diego Lerman. 95 min.
    15/01, 7:30 p.m.
     27/01, 7:00 p.m.

    El resto del programa incluye:

    Pairon Talle (Soul of Sand, 2010). India
    Sidharth Srinivasan. 98 min.
    15/01, 4:00 p.m.
    22/01, 7:30 p.m.

    Svet-Ake (The Light Thief, 2010). Kirguistán
    Aktan Arym Kubat. 80 min.
    16/01, 2:00 p.m.
    23/01, 2:00 p.m.

    Keshtzar Haye Sepid (The White Meadows, 2009). Irán
    Mohammad Rasoulof. 93 min.
    19/01, 7:00 p.m.
    22/01, 4:00 p.m.

    Dooman River (2009, China).
    Zhang Lu. 89 min.
    20/01, 4:00 p.m.
    26/01, 7:00 p.m.

    Quchis Dgeebi (Street Days, 2010) Georgia.
    Levan Koguashvili. 86 min.
    20/01, 7:00 p.m.
    21/01, 4:00 p.m.
    22/01, 1:30 p.m.
    23/01, 5:00 p.m.
    24/01, 4:00 p.m.
    26/01, 4:00 p.m.

    Belvedere (2010, Bosnia & Herzegovina).
    Ahmed Imamovic.
    21/01, 7:00 p.m.
    27/01, 4:00 p.m.

    La Mirada Invisible

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    Sunday, January 9, 2011

    Supporting Actress Blogathon: Blanquita in Alamar

    This is part of the Supporting Actress Class-Of-2010 Blogathon hosted by Stinky Lulu. For more amazing entries go here.

    As you know, this tradition is very special to a lot of people, so I’m more than happy to see the return of Miss Stinky Lulu and her creation, the Supporting Actress Blogathon, which I’ve been a contributor to since the Class of 2007 (Geraldine Chaplin). Also in 2008 (Candela Peña) and last year (Carmen Machi). So, without further ado, here we go…

    If there was an Oscar for best performance by an animal in a movie, Blanquita would easily win. When was the last time you saw a wild animal interact with such charm and so unafraid of her co-stars? She’s a young cattle egret, whose presence summons attention and love, and because of this she’s a revelation. I would not even be writing about her if she didn’t have an end credit, which she gets at the movie’s close and deservedly so. Ladies and gentlemen, for your consideration for best supporting actress: Blanquita in Alamar.


    This is a docu-fiction hybrid, by Mexican director Pedro González-Rubio, which tells the story of a father and son’s magical trip to Banco Chinchorro, near the Yucatán Peninsula. Five-year-old Natan, a sweet and adventurous Mexican-Italian, goes to spend a week at his grandpa’s seaside house with his father, Jorge, before returning to Rome and his mother. The relationship between his parents didn't work, so she's moved on.

    As soon as Natan arrives at this marvelous place, he quickly adapts to his new surroundings, which are rife with animals. Fish, birds and crocodiles abound, but when a small but mighty white bird shows up for breakfast, Natan is smitten. Immediately, as with any other urban kid, he’s impressed by her gorgeous plumage. She walks around the house with a fearless dignity; after all, they're in her territory. They name her Blanquita. He wants to hold her, so Jorge teaches him how to approach the bird without her fleeing. He needs to be gentle with her, Jorge warns him. By telling him this, he’s not only teaching his son how to respect animals, but nature itself.


    This moment is captured with grace and magic. The three characters are finally bonded, one of the most beautiful scenes in the entire film. Blanquita has become the perfect pet, but not an ordinary one. She still has the ultimate power: her freedom. Natan seems to understand this, but still asks his father what will happen if she flies away. “She’ll go home,” Jorge says.

    At this point Blanquita has stolen not only Natan’s heart but ours as well. Soon, a beach trip on a small boat with Natan, his father and Blanquita in tow is a perfect family outing. On the boat, Jorge want Blanquit a to sit next to him, but she keeps her distance. After a fun-filled day at the beach, she decides to spend the night there, as the men head home. Upon returning the next day, there is no sign of Blanquita. She has disappeared. Natan wants to see her again; Jorge is there to help him. They both ask the locals if they have seen a white bird.

    Natan seems desperate and his father encourages him to find her. "Keep calling her, she knows your voice!" He goes around the beach looking anywhere and everywhere. “Blanquita!!” he screams, but she’s gone. There is no reunion between the boy and his wild bird. And that is when little Natan learns a basic life lesson: nothing is forever. As he struggles with the loss of Blanquita, he's also preparing to face reality: very soon he must also say goodbye to his dad and this wonderful place.

    González-Rubio has crafted the best non-macho docu-fiction about a father and son, a love letter about the simplicity of nature.

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    Thursday, January 6, 2011

    Las Mejores Películas Mexicanas del 2010 que Llegaron a USA

    Debido al éxito de nuestro post del año pasado y de la inminente participación en la Mexacritic 2011, donde nos juntamos para celebrar y promediar los filmes mexicanos del año en curso, volvemos a nombrar los mejores cinco filmes de México que pisaron tierra estadounidense. A lo largo del 2010 presenciamos alrededor de 20 filmes, lo que representan casi un 40 por ciento de los estrenos mexicanos que se llevaron a cabo allí, así que la selección fue abundante y diversa. Y nos quedamos con...
    1.- Alamar (2009), Pedro González-Rubio
    El mejor híbrido de ficción y documental (no quiero saber cuál es cuál) del 2010, es una carta de amor a la vida. La despedida de un padre, un viaje a un lugar mágico y un niño receptivo a la aventura, lo hacen uno de los filmes más emotivos del año, sin que se lo proponga. En su segunda producción González-Rubio, quien se alzó con cuanto premio se le puso enfrente, hizo de todo: escribió, editó y dirigió. Y todo le salió excelente.

    2.- Biutiful (2010, México/España), Alejandro González Iñárritu
    El cuarto filme y primero que realiza sin su ex-guionista, quizás sea el que más dolores de cabeza le haya dado a su director y por todas las razones equivocadas. Biutiful se vio afectada desde su primera función en Cannes y con unas cuantas voces negativas, principalmente estadounidenses, se predispuso a la opinión pública mundial. Y salir de ahí, está costando mucho. A la cinta se le puede criticar todo, pero nadie puede negar que carece de visión e integridad artística; es profunda y Bardem está en su mejor momento. 

    3.- Backyard: Traspatio (2009), Carlos Carrera
    Quizás sea una de las cintas más incomprendidas de los últimos años en México, no por su impecable manufactura sino por el tema: las muertas de Juárez. El público no respondió, a pesar que es la mejor cinta fícticia sobre esa problemática y con un impacto visual que queda por días. Además tiene a una Ana de la Reguera, quien demuestra que puede actuar y un grupo de actrices secundarias, Amorita Rasgado, Asur Zagada y Carolina Politi, que se roban la película. Sabina Berman no debería de ausentarse tanto del cine, escribió un guión casi perfecto. De lo mejor de Carlos Carrera.

    4.- Vaho (2009) Alejandro Gerber Bicecci
    Fue la primera gran sorpresa del 2010 y se mantuvo ahí por mucho tiempo. Después de Alamar, esta pequeña pero sólida cinta fue la que más triunfos cosechó para la cinematografía mexicana. El relato urbano y trágico, adquiere otra dimensión bajo la sútil dirección de Gerber Bicecci. La exposición de Vaho y su trayecto por el extranjero, lo colocan como uno de los directores a seguir.

    5.- Somos lo que Hay (2010), Jorge Michel Grau
    Desde las primeras escenas me recordó ese cine mexicano de los años 70, del que me enamoré por sus historias decadentes y de contenido social, a muy temprana edad. El tema del canibalismo es solo un pretexto, para reflexionar sobre la falta de dirección y liderazgo, en cualquier entorno ya sea social, familiar, político y hasta religioso. Cuando el jefe de familia y canibal mayor muere, no solo deja a los a la deriva, sino que ahora la sobrevivencia está en sus manos. Somos lo que Hay va que vuela para convertirse en una peli de culto, respaldada con distribución casi mundial y con estreno en Estados Unidos, pautado para el próximo mes de febrero. Creo que todavía no hemos visto mucho de Michel Grau.

    *Mención honorífica: Norteado (2009, México/España) Rigoberto Perezcano

    ¿Y para ustedes cuáles fueron las mejores del año?

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    Monday, January 3, 2011

    Las Entrevistas del 2010


    Evidentemente no fue un año tan productivo en cuanto a las entrevistas, como lo fue el 2009. Aún así, tuvimos la oportunidad de entrevistar a grandes personalidades, algunos en persona y por otros medios. Como siempre la falta de tiempo, juega un papel fundamental para la realización de las mismas, pero estamos contentos por la importancia que nuestro espacio representa para ellos y sus proyectos. En sí, la misión es simplemente dar a conocer y promocionar lo que llega a nuestra ciudad. Ya tenemos la primera entrevista del 2011, así que ya la verán pronto. Por si alguno de ustedes se perdió las entrevistas que realizamos durante el 2010, aquí van de nuevo:
     
    1.- Alvaro Pastor, Yo También (España, 2010) 

    2.- Betty M. Park, Machachas del Ring (USA, 2009)

    3.- Carlos Gutiérrez, Cinema Tropical

    4.- Ciro Guerra, Los Viajes del Viento (Colombia, 2009) 

    5.- Diana Vargas, Festival de Cine de la Habana en Nueva York

    6.- Mariana Chenillo, Cinco Días sin Nora (México, 2009)

    7.- Pam Sporn, Con el Toque de la Chaveta (USA, 2007

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    Sunday, January 2, 2011

    Los Críticos Estadounidenses y el Cine Iberoamericano en 2010


    ¡Feliz Año a todos! Comenzamos con el balance anual de nuestro cine en Estados Unidos, y en particular en Nueva York, en este espacio. Los temas de la taquilla, la crítica y todo lo referente a lo mejor y peor que nuestros ojos vieron, vendrán en los próximos días. Como saben la crítica especializada en Estados Unidos, sigue como parte fundamental de la industria del cine y a pesar de los pocos espacios y la gran oferta que existe en la Internet, los medios tradicionales siguieron vigentes durante el 2010. Así que muchos se preguntarán: ¿cuál fue la relación de este sector con los 20 estrenos que pisaron nuestra ciudad? De los dos sitios principales, el más confiable es Metacritic y fue de aquí donde obtuvimos los datos, tal y como lo hicimos el año pasado. Tomando en cuenta que muchas de las cintas en nuestra lista no figuran en ese sitio, nuestra segunda opción fue Rotten Tomatoes que aparecen con un *. El sitio tiende a inflar un poco los número, debido al gran número de críticos y por la forma de medición. Así que seguimos con lo establecido por Metacritic debe tener un mínimo de cuatro reseñas, y en el caso de Entre Nos, tiene tres menciones, por lo tanto no se puede tomar en consideración el promedio que ofrece el otro sitio. Ninguna sorpresa que la ópera prima de Mariana Chenillo se colocó en primer lugar, y el resto de los siguientes cuatro filmes, los cuales figuraron en varios listas de lo mejor del cine. El promedio de Biutiful es todavía muy bajo, pero seguro se incrementará a medida que la cinta se estrene en otras ciudades. 

     1.- Cinco Días sin Nora (Nora's Will, Menemsha Films): 95*
     2.- El Secreto de sus Ojos (The in Their Eyes, Sony Pictures Classics): 81 
     3.- Waste Land (Arthouse Films): 78
     
    4.-
    Alamar (Film Movement): 77 
     5.- Contracorriente (Undertow, Wolfe Releasing): 76
     6.- The Two Escobars (All Rise Films): 75
     7.- La Teta Asustada (The Milk of Sorrow, Olive Films): 68
     8.- Altiplano (First Run Features): 67*
     9.- Mundo Alas (Outsider Films): 65   
    10.- Only When I Dance (Film Movement): 59
    11.- Yo, También (Me Too, Olive Films): 56
    12.- Sequestro (Kidnapping, IFC Films): 56
    13.- Biutiful (Roadside Attractions): 53 
    14.- Los Paranoicos (The Paranoids, Oscilloscope): 52
    15.- REC 2 (Magnolia Pictures): 52
    16.- La Soga (7-57 Releasing): 51
    17.- La Mission (Screen Media): 47
    18.- South of Border (Cinema Libre): 45
    19.- Daniel & Ana (Strand Releasing): 43
    20.- Carmo (First Run Features): 33*


    21.- Manuela & Manuel (Regent Releasing
    22.- Entre Nos (IndiePix Films)

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